Barlach, l'un des principaux représentants de l'expressionnisme allemand, est célèbre pour ses sculptures en bois et en bronze. Le thème des moines lisant l'avait déjà préoccupé en 1921. Dans le travail en bronze de 1932, dont il existait une version en bois, il renforce par réduction la force expressive des plis linéaires de la robe, soude le bloc des personnes assises. L'art du XIVe siècle à Florence l'a inspiré, tout comme les sculptures et les peintures du maître Bertram (1345-1415) qui, dans le retable de 1379 de la Kunsthalle de Hambourg, déploie un talent de conteur primitif et descriptif. La vision avant-gardiste de Barlach cherchait à retrouver cette force fondamentale. La version en bois a été ridiculisée par les nationaux-socialistes à Munich en 1937 lors de l'exposition 'Degenerierte Kunst' (art dégénéré). L'œuvre de Barlach survécut, reconnue dans le monde entier et représentée dans les plus grandes collections. Sculpture 'Moines lisant III' : portée par l'humanité et l'engagement social, la force créatrice de Barlach conduit à la concentration et à l'intériorisation. Le traitement de ses surfaces à la manière de joints, en relation avec les courbes des plis, est comme une inspiration et une expiration, une cohésion nécessaire à la vie. Le cercle qui, dans la sculpture, s'ouvre de la tête du moine de gauche au livre ouvert en passant par l'épaule et le bras, se poursuit jusqu'au bras du moine de droite et se referme sur l'épaule et l'inclinaison de la tête. Dans ce cercle vit la communication entre les individus et le livre. Ils ont lu et compris. Dans le silence exhortant en dehors du processus éphémère de la vie, ils ont trouvé le repos. Nous reconnaissons les fines nuances de l'équilibre créé dans les mains jointes du moine de droite, qui flottent comme un symbole devant deux plis du bol. L'œuvre de Barlach devient une bouche de vérité. Je recommande cette œuvre comme un document d'époque important devant lequel nous pouvons nous recueillir. Son grand potentiel consiste aujourd'hui à s'éloigner des sensations à la mode et triviales du quotidien pour montrer un chemin vers l'essence de la condition humaine : Poser des questions, reconnaître, tirer des conclusions pour se découvrir soi-même. Les moines lecteurs III en donnent un exemple. Ils illustrent le discours et le réconfort qui viennent des livres. La joie et la profondeur de la compréhension du monde peuvent s'élever d'un poème comme de cette sculpture. Dans ses formes, Barlach nous offre une partie du lien infini de la création, des conditions pour s'approcher du sens de la vie. C'est le côté religieux de son art, l'amour.' (Dr. Friedhelm Häring, ancien directeur de musée et conservateur)Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue et ciselée, polie et patinée à la main. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 22 x 16,5 x 14 cm (h/l/p), poids 4,2 kg.

Mémorial et manifestation d'amitié : Le 'Schwebende' L'une des œuvres les plus célèbres d'Ernst Barlach, le 'Schwebende', a été créée comme mémorial pour les victimes de la Première Guerre mondiale et a été accrochée en tant que telle dans une niche de la cathédrale de Güstrow de 1927 à 1937. Mais il s'agit également d'un monument à l'amitié, et ce à deux titres : en tant que sculpture complète (catalogue raisonné 425) et en tant que détail coulé 'Tête du monument aux morts de Güstrow' (catalogue raisonné 426). C'est grâce à des amis de Barlach que la sculpture complète existe encore. Peu après la mort de l'artiste en 1938, ils firent réaliser une autre fonte à partir du modèle d'œuvre encore existant et la cachèrent après que 'Der Schwebende' fut classé comme 'dégénéré' par les autorités nazies en 1937, retiré de la cathédrale et même fondu. Il est aujourd'hui accroché dans l'église des Antonins à Cologne et a pu être utilisé pour réaliser une autre fonte pour l'emplacement d'origine. C'est ainsi que le chef-d'œuvre de Barlach revint en 1953 dans la cathédrale de Güstrow et y rappelle depuis lors, les dates étant gravées dans la pierre sous lui, les victimes des guerres mondiales de 1914-1918 et de 1939-45. La 'Tête du monument aux morts de Güstrow', moulage de détail de Barlach datant de 1930, est en outre un document d'une amitié directe entre artistes. Ses traits sont assez clairement - bien que 'sans intention', comme Barlach l'affirmera plus tard - ceux de son amie artiste Käthe Kollwitz. Son œuvre a également été proscrite par l'Allemagne nationale-socialiste. En 1936, ses œuvres furent retirées de l'exposition de l'Académie de Berlin. Dès lors, elle n'était pratiquement plus présente en tant qu'artiste. Ainsi, la 'tête du monument d'honneur de Güstrow' apparaît rétrospectivement comme la prémonition d'une communauté de destin : c'est le portrait d'une artiste que Barlach admirait amicalement et qui, comme lui, affronta bientôt des temps difficiles. Les particularités de cette édition : en bronze fin, coulé à la main selon le procédé de la cire perdue. Moulé directement à partir de l'original et réduit. Limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement, avec poinçon de fondeur. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Version sur socle en pierre. Coulée de détail du 'Schwebender' (WVZ 244, 1927), exécutée pour la première fois en 1930 (WVZ 426). Fixée sur un socle en pierre. Format avec socle 22,5 x 28 x 19 cm (L/H/P), poids 5,75 kg.

Barlach a créé en 1934 cette œuvre impressionnante 'Wanderer im Wind', qui compte parmi ses œuvres les plus importantes, les plus populaires et les mieux décrites. Dans l'œuvre de Barlach, le destin de l'homme s'ouvre au spectateur à travers les décennies de sa création, dans des états d'âme caractéristiques et fondamentaux. Tous les travaux sont remplis d'une profonde réflexion, d'une humanité aimante, de réflexion et de recueillement. Le 'Wanderer im Wind' (promeneur dans le vent) s'oppose formellement à la tempête de destruction des œuvres de Barlach à partir de 1934. La sculpture est basée sur un dessin réalisé en 1927, que l'artiste a transposé à l'identique. De la gauche, il tient la casquette sur sa tête, de la droite, il ferme la cape devant le milieu du corps. La vue latérale gauche illustre le mouvement dynamique vers l'avant par un pli de la robe qui souligne la jambe d'appui d'où provient la force pour le pas suivant. Le côté droit, avec un socle et des plis de la robe, est plus calme, plus contemplatif, comme si c'était là que naissaient les pensées pleines de nostalgie qui rendent le départ impératif.Le visage du marcheur et son expression revêtent une importance particulière. Il montre la combativité et la détermination. La sculpture devient un monument au courage, à la résistance et à la confiance en soi. L'œuvre 'Wanderer im Wind' est une affirmation désespérément forte de la liberté et de la résistance. C'est ce qui rend l'œuvre si exceptionnellement précieuse et malheureusement intemporelle. (Dr. Friedhelm Häring, ancien directeur de musée et conservateur) Sculpture en bronze fin, coulée selon le procédé de la cire perdue et ciselée, polie et patinée à la main. Moulé à partir de l'original et réduit (réduction). Le verso est ouvert. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 33 x 16 x 5 cm (h/l/p). Poids 2,6 kg. Édition exclusive ars mundi.

L'imposante sculpture en bois de Barlach 'Träumendes Weib' (femme qui rêve), datant de 1912, est une œuvre d'art d'un grand rayonnement. Oubliant le monde, la figure féminine est allongée, les genoux légèrement repliés, le regard complètement absorbé par ses yeux fermés, la tête aux traits doux appuyée de manière détendue, les mains reposant sur les genoux - un symbole de la plus grande sérénité. Barlach s'est consacré à plusieurs reprises au rêve et aux rêveurs à cette époque, c'était même un motif typique dans de nombreux domaines de l'art à la veille de la Première Guerre mondiale. Mais contrairement à son 'Rêveur' de la même année, on ne trouve dans la 'Femme qui rêve' aucune trace de pressentiment désespéré, aucune incertitude angoissée : le personnage rêvant (de jour) se repose entièrement en lui-même, semble invulnérable à tous les dangers du monde. Comme toutes les sculptures de Barlach, la 'Femme qui rêve' vit du contraste souverainement mis en scène entre une forme strictement réduite et un vécu émotionnel fort. La forme de ses sculptures, commenta un jour Barlach de manière laconique, 'correspond aux douces vagues du paysage du Mecklembourg' - mais le grand art du sculpteur consiste à faire naître devant l'œil du spectateur des paysages d'âme complexes dans ce langage des formes d'une retenue presque primitive. Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue et patinée. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 31 x 14,5 x 11,5 cm (L/H/P), poids env. 3 kg.

Ernst Barlach a réalisé un quart de son œuvre sculpturale en bois. Les sculptures gothiques en bois sont tout simplement des révélations pour moi", déclarait-il déjà en 1909. En 1930, Barlach a taillé dans du bois de chêne son "élève lisant du monastère", qui mesure 114,8 cm de haut et est presque grandeur nature. La figure qui se trouve aujourd'hui dans la chapelle Gertrude à Güstrow fait partie d'une série d'œuvres de moines lisant. Le bloc majestueux de sa figure peut désormais être découvert en édition exclusive ars mundi dans le petit bronze. Barlach a rapporté de son voyage en Russie deux expériences fondamentales qui sont essentielles dans tous les genres de son œuvre. Il s'agit de l'homme lié à la terre par le destin, lui-même comme une plante de la terre. Et puis l'homme qui se déplace, qui cherche, qui regarde et écoute vers l'intérieur. Barlach décrit dans la sculpture cette transformation de la lourdeur terrestre vers le spirituel. C'est la transformation possible de chaque être humain, l'idée de base de son œuvre impressionnante 'Lesender Klosterschüler'. Ici, un jeune homme qui reçoit la meilleure formation possible dans une école monastique est assis, les yeux presque fermés, car il ne peut trouver les réponses sur le chemin de la recherche de sens qu'en lui-même. La parole qu'il a lue ne l'a pas quitté. Elle s'est penchée sur lui, a pénétré dans sa forme et dans son visage comme le sens même de son existence, comme ce qui est solide, ce qui ne peut pas être brisé. L'élève du monastère qui lisait a saisi, à l'instant d'une seconde du monde, le mot de la vérité, la question qui déterminera peut-être toute sa vie : "Qui es-tu ?" (Dr Friedhelm Häring, ancien directeur de musée et conservateur). Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, ciselée, polie et patinée à la main. Moulé à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 24 x 15,5 x 9 cm (h/l/p). Poids env. 4 kg. Édition exclusive ars mundi.

Malgré toutes les résistances : Ernst Barlach 'Schäfer im Sturm'. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Kunsthalle de Brême. Ernst Barlach compte parmi les plus importants représentants du réalisme et de l'expressionnisme. Sa formation l'a conduit à Hambourg, Dresde et Paris. Après un voyage en Russie qui l'a marqué, il a créé à partir de 1907 ses premières sculptures en bois et en bronze, qui comptent aujourd'hui parmi ses œuvres les plus connues et dans lesquelles il a intégré ses impressions de l'art populaire russe. Parmi elles, la figure 'Berger dans la tempête' de 1908, dont l'original a été réalisé en bois de tilleul et qui fut la première grande sculpture en bois de Barlach. Le berger barbu se dresse contre le vent, la tête baissée, en s'avançant vigoureusement. De la main droite, il enfonce son chapeau plat dans le front, de la gauche, il resserre contre son corps l'ourlet de son large manteau gonflé. Attaché étroitement à ses talons, un chien le suit, cherchant un abri entre les jambes du berger et sous le pan de son manteau qui flotte. Dans un dessin préparatoire, aujourd'hui en possession privée, Barlach avait déjà préparé le motif un an auparavant. Dans la sculpture, l'homme et l'animal s'assemblent sur la plinthe presque ovale en une composition triangulaire qui, telle la proue d'un bateau, semble avancer contre la résistance du vent. Les contours souples et oscillants du manteau animent la structure fermée du groupe de personnages. Dès ses premières œuvres, Barlach s'est intéressé à l'homme et à ses conditions de vie. La sculpture 'Berger dans la tempête' est le début d'une série d'œuvres de Barlach qui montrent l'homme aux prises avec des forces extérieures, la tempête et le vent étant pour lui l'expression de puissances surhumaines. Le peintre et mécène Leopold Biermann de Brême a acheté la sculpture en 1908 lors de la 16e exposition de la Sécession berlinoise et l'a offerte à la Kunsthalle de Brême. Le 'Berger dans la tempête' fut ainsi la première œuvre de Barlach à entrer dans une collection d'art publique. Sculpture 'Schäfer im Sturm' : original : Holz Werkverzeichnis Laur II 140. bronze fin, coulé à la cire perdue, ciselé à la main, poli et patiné. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Kunsthalle de Brême. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 27,5 x 25 x 13 cm (h/l/p). Poids : 4,8 kg. 'La Kunsthalle de Brême possède l'une des plus vastes collections du sculpteur expressionniste Ernst Barlach, avec de nombreuses sculptures importantes et l'ensemble de son œuvre gravé. Nous sommes donc heureux de partager avec le monde une reproduction de son œuvre principale 'Schäfer im Sturm'. Cette sculpture en bois a été réalisée en 1908 et offerte au musée un an plus tard. Elle symbolise pour moi l'idée universelle selon laquelle les obstacles font partie de la vie. La voie facile n'est pas toujours la bonne quand on veut atteindre ses objectifs ou accomplir ses devoirs.' (Prof. Dr Christoph Grunenberg, directeur de la Kunsthalle de Brême)

Le cheval, dans toute son élégance et sa vitalité, est devenu pour Marc le symbole de la vie, du réel et de la liberté. Il symbolise la force de la culture, c'est le cheval qui permet à l'homme de cultiver et de se déplacer. Mais la nature était déjà là avant l'homme : libre, intacte et puissante.modèle du sculpteur d'après l'original conservé à la Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (catalogue raisonné Lankheit 906). Le couple de chevaux puissamment modelé de Franz Marc offre une image de tendresse, de dynamisme et d'harmonie parfaite - un symbole de la sculpture moderne. Édition en bronze d'art polymère, coulé à la main et patiné à la main. Format 23 x 22 cm (l/h).

Le cheval - le motif préféré de Franz Marc - est le symbole de la vie par excellence. Il relie le passé et l'avenir, le ciel et la terre. Puissant et dynamique, il se tient sur le sol de la réalité tout en s'élevant dans les sphères célestes. La couleur bleue symbolise le spirituel supérieur, la liberté et l'infini. Sculpture d'après le tableau original de 1911. Moulage d'art polymère, coulé à la main et peint à la main. Format 12 x 25 x 22 cm (L/H/P).

Friedensreich Hundertwasser s'est intéressé toute sa vie à la nature en tant que partenaire de l'homme et a réclamé un contrat de paix avec la nature. L'objet en porcelaine 'Fleur de l'arbre de l'âme' reflète le désir de vie, de beauté en harmonie avec la nature. Numéro d'œuvre PM XIV. Variation selon 925. Fabriqué exclusivement pour ars mundi par la manufacture de porcelaine royale privilégiée de Tettau. Cet objet de grande qualité est serti d'or véritable et fabriqué avec 16 couleurs spéciales. Cuite 3 fois au four. Hauteur 32 cm, diamètre 15 cm. Edition totale strictement limitée à 999 exemplaires, numérotés individuellement à la main.Accessoires : L'objet haut de gamme 'Fleur de l'arbre de l'âme' est livré dans un carton noir précieux exclusif avec impression en or. Copyright 2011 NAMIDA AG, CHLes œuvres reproduites sont protégées par le droit d'auteur. Il est notamment interdit de copier, de modifier, d'imprimer ou de publier ces illustrations. Les contrevenants s'exposent à des poursuites pénales et civiles.The displayed works of art are protected by copyright. En particulier, il est interdit de copier, d'éditer, d'imprimer ou de publier ces illustrations. Les violations seront poursuivies conformément au droit civil et pénal.

En 1912, Georg Kolbe a fait sensation à Berlin avec sa 'Danseuse' - son œuvre la plus connue à ce jour. Le thème de la danse (d'expression) et du mouvement expressif, voire extatique, traverse son œuvre sculpturale jusque tard dans les années 20, comme dans son agenouillement de 1921. Au cours de la décennie qui sépare ces deux œuvres, Kolbe a obtenu le titre de professeur (1918) et a été admis - avec Ernst Barlach et Wilhelm Lehmbruck - à l'Académie prussienne des arts (1919). Dans les années 20, il était incontestablement considéré comme l'un des plus grands artistes plasticiens d'Allemagne, et c'est ainsi qu'il attira l'attention des grands collectionneurs d'art du monde entier. Un exemplaire a ensuite trouvé sa place dans la légendaire collection d'art de Nelson Rockefeller ; il a servi de modèle à notre édition exclusive. Original : Rockefeller Collection/The Museum of Modern Art (MoMA). Sculpture en bronze fin, patiné. Moulé à la main selon le procédé de la cire perdue. Moulé directement à partir de l'original. Édition limitée à 199 exemplaires, numérotés et signés individuellement et portant le poinçon de la fonderie. Format 38 x 52,5 x 23 cm (h/l/p). Poids env. 11 kg. Édition exclusive ars mundi.

Original : Sculpture en bois, teintée en rouge-brun, format original 87,5 x 22,5 x 26 cm. En propriété privée. Édition en bronze. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction), coulé à la main en cire perdue et patiné en brun. Edition limitée à 499 exemplaires, numérotés et portant la signature reprise de l'original ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la communauté des héritiers. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 32 x 8,5 x 9,5 cm (h/l/p). Poids 2,8 kg.

Käthe Kollwitz (1867-1945) a souvent été perçue comme une artiste aux motivations essentiellement sociales, voire politiques, puisqu'elle n'a cessé d'élever la voix en faveur des pauvres et des opprimés dans son œuvre. Kollwitz a insisté sur l'humanité, même en des temps inhumains, et cela seul pouvait, voire devait, être considéré comme une prise de position politique. Mais son importance jusqu'à aujourd'hui réside dans le fait qu'elle n'a jamais travaillé de manière ostentatoire, mais qu'elle a conféré aux personnages qu'elle a créés une intimité qui exclut justement de les lire comme des 'symboles' ou des 'exemples' unidimensionnels. C'est également le cas d'une œuvre centrale de la fin de sa carrière, 'Abschied' de 1940/41, dans laquelle l'artiste évoque la douleur causée par la mort de Karl Kollwitz, son compagnon de vie pendant plus d'un demi-siècle, décédé en 1940. Le motif de l'étreinte se retrouve souvent dans l'œuvre de Kollwitz, elle le transforme ici en une image de la plus grande proximité et de l'intimité au moment de la perte. C'est une œuvre du petit geste : alors qu'elle s'accroche encore à lui, il se détache d'elle - c'est partir, mais aussi se laisser partir, peut-être aussi le moment d'accepter l'inéluctable. Sculpture en bronze fin, patiné. Moulé à la main selon le procédé de la cire perdue. Moulé et agrandi directement à partir de l'original. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature reprise de l'original du musée ainsi que le poinçon de fonderie. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 21 x 13,5 x 11,5 cm (h/l/p). Poids env. 3,5 kg. Édition exclusive ars mundi.

Dans son œuvre graphique et plastique, Käthe Kollwitz (1867-1945) n'a cessé d'élever la voix en faveur des pauvres et des opprimés. Elle a particulièrement développé le motif de la femme et de la mère, qu'elle a transformé en symbole de la protection et de la sollicitude, mais aussi de la souffrance sans culpabilité. Sa sculpture 'Pietà' réunit en quelque sorte les deux motifs : d'une part, la figure maternelle entoure son fils adulte couché sur ses genoux, d'autre part, la figure est, comme l'artiste l'a elle-même formulé, 'quelque chose comme une Pietà', reprenant ainsi un motif de l'histoire de l'art qui montre la souffrance de la mère de Jésus face au Christ mort. Kollwitz ne voulait toutefois pas que sa sculpture ait une connotation religieuse. La mère représentée est plutôt 'une vieille femme solitaire et obscurément contemplative' (selon Kollwitz) qui, pourrait-on ajouter, conserve sa dignité même dans l'expérience de la catastrophe.Sa sculpture la plus connue a été réalisée à une époque où le régime nazi avait interdit à Käthe Kollwitz d'exercer sa profession. Aujourd'hui, une copie agrandie dans la Neue Wache à Berlin rend hommage aux 'victimes de la guerre et de la tyrannie'. Sculpture en bronze fin, patiné. Moulé à la main selon le procédé de la cire perdue. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et munis de la signature reprise de l'original ainsi que du poinçon de fonderie. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 21,5 x 14,5 x 21 cm (h/l/p). Poids env. 4,5 kg. Édition exclusive ars mundi.

Elle fut l'élève du grand Henri Matisse et l'une des premières, si ce n'est la première, sculptrice allemande de renom. Diffamée comme 'dégénérée' par le troisième Reich, certaines de ses premières œuvres n'ont survécu au nazisme et à la guerre que par hasard. Cette sculpture fait partie des rares œuvres conservées d'avant la Seconde Guerre mondiale. Son bronze témoigne de la force créatrice à la fois sensuelle et concentrée de l'artiste. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue et patinée. Edition limitée à 199 exemplaires, numérotés et signés individuellement, et pourvus d'un poinçon de fondeur. Format 6,5 x 32 x 5,5 cm. Poids 1,5 kg. Édition exclusive ars mundi.

Elle fut l'élève du grand Henri Matisse et l'une des premières, si ce n'est la première, sculptrice allemande de renom. Diffamée comme 'dégénérée' par le troisième Reich, certaines de ses premières œuvres n'ont survécu au nazisme et à la guerre que par hasard. A la fin des années 1940, en deuil de ses nombreuses œuvres disparues, Moll avait tenté de refaire deux de ses œuvres des années 1920. Son bronze 'Stehende' témoigne de la force créatrice à la fois puissante et sensuellement concentrée de l'artiste. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue et patinée. Edition limitée à 199 exemplaires, numérotés et signés individuellement, et pourvus d'un poinçon de fondeur. Format 6,5 x 34 x 6 cm. Poids 1,4 kg. Édition exclusive ars mundi.

Le 'Petit Cavalier' de Marino Marini : édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Kunsthalle de Brême. Le cavalier sur son cheval - l'histoire de l'art connaît ce motif depuis l'Antiquité, et il représente généralement le puissant, l'empereur et le roi, le pouvoir en général. L'époque moderne commence toutefois à le réinterpréter, à le rendre méconnaissable. Notre édition exclusive, limitée à 150 exemplaires dans le monde, vous propose l'œuvre d'un artiste qui, avec Giacometti et Moore, compte parmi les sculpteurs les plus importants du siècle dernier. Sa stature de cavalier est toutefois loin d'être l'expression d'un pouvoir. Le thème 'cheval et cavalier' a fasciné Marino Marini pendant des décennies. Ses premières œuvres les montrent comme une unité harmonieuse et finement travaillée. Mais les expériences de la guerre modifient son sujet principal. Son motif devient ainsi un diagnostic de l'époque - et surtout un appel en bronze à s'opposer au malheur qui menace. Original : Bronze, 41 x 28,5 x 13,5 cm, Inv. n° 410- 1961/1, Kunsthalle Bremen - Der Kunstverein in Bremen. Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, ciselée à la main, polie et patinée. Edition limitée à 150 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'M.M.' reprise de l'original ainsi que le poinçon de fonderie et le poinçon ars mundi. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format avec socle 33,5 x 23,5 x 11,5 cm (h/l/p). Poids env. 3,8 kg. ars mundi Edition exclusive. VG Bild-Kunst, Bonn 2021. 'La sculpture de Marino Marini de 1947 ne transmet aucune expression de contrôle ou de direction forte. Les rênes sont relâchées et les regards du cheval et du cavalier vont dans des directions différentes. Avec cette figure, Marini reflète les événements de son époque. Pour moi, le petit cavalier est donc aussi un rappel qu'il est important de rester vigilant et d'observer attentivement l'actualité. Il faut avoir une attitude claire, car tout le reste conduit à une impuissance sans orientation.' (Prof. Dr Christoph Grunenberg, directeur de la Kunsthalle de Brême)

Figurine en résine d'après le célèbre tableau de Magritte 'Le fils de l'homme' de 1964. Format 13 x 10,5 x 7,5 cm (h/l/p).

Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue. Patinée à la main. Edition mondiale limitée à 199 exemplaires, numérotés individuellement et munis de la signature de l'artiste et du poinçon de fonderie. Format 26 x 18 x 5 cm (L/H/P). Édition exclusive ars mundi.

Comme une danse à genoux, ce couple moderne est intimement enlacé. Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue, patinée à la main. Edition mondiale limitée à 199 exemplaires, numérotés individuellement et pourvus de la signature de l'artiste et du poinçon de fondeur. Format 17,5 x 17,5 x 10 cm (L/H/P). Édition exclusive ars mundi.

Ce groupe de sculptures très expressif est un excellent exemple de la finesse d'observation de Mastaller, qui lui a valu le prix d'encouragement artistique de la ville d'Augsbourg en 1968. Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue. Patinée à la main. Edition mondiale limitée à 199 exemplaires, numérotés individuellement et munis de la signature de l'artiste et du poinçon de fonderie. Format, socle en grès inclus, 34,5 x 14 x 7,5 cm.

L'art de Lehmbruck, comme celui de nombreux sculpteurs de son époque, est influencé par l'œuvre d'Auguste Rodin. Son motif est l'homme, et il se détache souvent des proportions réelles du corps pour parvenir à une expression picturale plus forte. Comme Rodin, il s'est ensuite concentré sur certaines parties de la silhouette ; la 'Tête de femme baissée' est finalement une partie de sa 'Grande femme debout' de 1910, qu'il a variée en se limitant à la tête, au cou et à la naissance des épaules pour en faire un buste. Sculpture 'Tête de femme baissée' : édition en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue, ciselée, polie et patinée en rouge-brun. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et munis de la signature reprise de l'original ainsi que du poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Kunsthalle de Brême. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 23 x 23 x 13 cm (h/l/p). Poids : 4,5 kg. 'Wilhelm Lehmbruck fait partie des pionniers de la sculpture moderne, mais il est toujours resté fidèle à la figure humaine et à une humanité fondamentale. Cela se manifeste à mon avis de manière particulièrement belle dans la 'Tête de femme baissée' de 1910. Le sculpteur est étroitement lié à la Kunsthalle de Brême, notamment en raison de son directeur de l'époque, Siegfried Salzmann, qui dirigeait auparavant le Lehmbruck Museum de Duisburg.' (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, directeur de la Kunsthalle de Brême)

L'art de Lehmbruck, comme celui de nombreux sculpteurs de son époque, est influencé par l'œuvre d'Auguste Rodin. Son motif est l'homme, et il se détache souvent des proportions réelles du corps pour parvenir à une expression picturale plus forte. Comme Rodin, il se concentre plus tard sur certaines parties de la silhouette ; la 'Tête de femme baissée' est en fin de compte une partie de sa 'Grande femme debout' de 1910, qu'il a variée en se limitant à la tête, au cou et à la naissance des épaules pour en faire un buste. Sculpture 'Tête de femme abaissée' : édition en fonte de pierre patinée couleur terracotta. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et munis de la signature reprise de l'original. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Kunsthalle de Brême. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 23 x 23 x 13 cm (h/l/p). Poids : 2,9 kg. 'Wilhelm Lehmbruck fait partie des pionniers de la sculpture moderne, mais il est toujours resté fidèle à la figure humaine et à une humanité fondamentale. Cela se manifeste à mon avis de manière particulièrement belle dans la 'Tête de femme baissée' de 1910. Le sculpteur est étroitement lié à la Kunsthalle de Brême, notamment en raison de son directeur de l'époque, Siegfried Salzmann, qui dirigeait auparavant le Lehmbruck Museum de Duisburg.' (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, directeur de la Kunsthalle de Brême)

Le thème 'mère et enfant' a occupé Lehmbruck toute sa vie. La version de 1907 est une œuvre centrale de sa première exposition parisienne ; elle montre la mère comme une personne heureuse et aimante et est encore clairement liée à la sculpture classique. Le sens exceptionnel de la mesure et de la proportion de Lehmbruck annonce déjà la densification plastique des travaux ultérieurs. La sculpture a été réalisée après le premier voyage de Lehmbruck en Italie et son geste de pietà s'inspire probablement des maîtres anciens admirés là-bas. Modèle de sculpteur d'après le modèle original, format 25,5 x 26 x 22 cm (L/H/P). Édition en bronze fin. Coulée selon un procédé complexe de cire perdue, patinée et polie à la main. Poids env. 8,4 kg.