La 'communion des saints' d'Ernst Barlach : Symboles de l'existence humaine jusque dans les années 30, Ernst Barlach était très reconnu comme écrivain et comme sculpteur de sculptures figuratives. En 1925, il devint membre honoraire de l'Académie des beaux-arts de Munich. C'est à cette époque qu'il réalisa plusieurs monuments honorifiques qui allaient devenir célèbres dans le monde entier, dont le 'monument honorifique de Güstrow', le fameux 'ange flottant' dans la cathédrale de Güstrow. Mais en 1934, le vent a tourné. Barlach, alors âgé de six ans, vit ses œuvres diffamées comme 'dégénérées' et disparaître des musées. Les monuments à la gloire qu'il avait conçus furent détruits, 'Der Schwebende' de la cathédrale de Güstrow fut même fondu - et si des amis n'avaient pas caché une seconde fonte jusqu'à la fin de la guerre, l'œuvre serait aujourd'hui perdue. Il en va de même pour les sculptures 'Femme dans le vent' et 'Le chanteur'. Elles ont été confisquées avec environ 380 autres œuvres de Barlach. Leur sauveur était également leur commanditaire : Carl Georg Heise, directeur de musée à Lübeck. En 1929, il avait suggéré à Barlach de concevoir un ensemble de sculptures intitulé 'La communion des saints' pour la façade ouest de l'église Sainte-Catherine de Lübeck. Il devait y en avoir 16, mais seules trois furent réalisées entre 1930 et 1932 : 'Le mendiant', 'Le chanteur' et 'La femme dans le vent'. Trois autres figures : 'Le ligoté', 'Le pèlerin' et 'Le souffleur de cor' ont été conservées sous forme de pré-modèles. Carl Georg Heise a été licencié en 1933, mais a récupéré les trois statues existantes en tant que propriété privée. En 1939, l'année suivant la mort de Barlach, elles lui furent remises, et c'est ainsi qu'elles survécurent à la guerre 'dans des caisses [...] sous le porche de la maison de ma belle-mère', comme il le raconta plus tard. Ce n'est qu'en 1947 qu'elles trouvèrent enfin leur place dans les niches prévues de l'église Sainte-Catherine. L'effet spatial de l'église gothique et l'étroitesse des niches comme lieu d'installation déterminèrent les idées de Barlach sur la forme. La proximité avec la sculpture médiévale est évidente ; Barlach ne crée cependant pas de figures de saints dans l'iconographie chrétienne, mais plutôt des symboles de l'existence humaine et des figures humaines tournées vers le monde, 'souffrant et transfigurées, luttant chacune à sa manière avec son Dieu' (Carl Georg Heise). Sculpture 'Le chanteur (élève chantant du couvent)' : Dans une posture rigoureusement droite et avec une bande musicale dans les mains, le jeune moine élève la voix. Le regard est attiré par le visage - il est plein de concentration et de dévotion, que ce soit à Dieu ou à la force divine de la musique. Bronze d'après un modèle réduit de l'œuvre datant de 1931. Coulé à la main selon le procédé de la cire perdue et patiné. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 7,5 x 33 x 5 cm (L/H/P), poids 2,2 kg.

Le lecteur de livres d'Ernst Barlach - un jalon de la modernitéLe motif du lecteur est un motif clé de l'œuvre de Barlach, qu'il avait déjà thématisé dans la lithographie 'Wem Zeit wie Ewigkeit und Ewigkeit wie Zeit, der ist befreit von allem Leid' de 1916 et dans un dessin au fusain de 1922. Le motif prend une densité particulière au printemps 1936 dans la sculpture 'Der Buchleser'. Le 'lecteur de livre' est complètement absorbé par sa lecture, il rayonne de concentration et d'harmonie méditative. Il vit dans son monde : 'Son dos, qui ressemble à une coquille sphérique, fait office de bouclier contre les éléments perturbateurs, protège l'intimité et la solitude du lecteur, conditions préalables à tout effort intellectuel'. Enthousiasmé par la représentation magistrale de l'homme qui lit d'Ernst Barlach, Bertolt Brecht a décrit l'œuvre : 'Un homme assis, penché en avant, tenant un livre dans ses lourdes mains. Il lit avec curiosité, confiance et esprit critique. Il cherche clairement dans le livre des solutions à des problèmes urgents (...) 'Le lecteur de livres' me plaît davantage que le célèbre 'Penseur' de Rodin, qui ne montre que la difficulté de penser. La sculpture de Barlach est plus réaliste, plus concrète...' 'Le lecteur de livre' est l'une des œuvres les plus connues et les plus importantes d'Ernst Barlach. Des moulages originaux en bronze se trouvent entre autres à la Neue Nationalgalerie de Berlin, au Staatliches Museum de Schwerin et à la Stiftung Schleswig-Holsteinische Landesmuseen Schloss Gottorf. Le 150e anniversaire de l'artiste en 2020 a été pour nous une occasion particulière de publier une édition anniversaire du 'lecteur de livre' dans ce format impressionnant, en tirage exclusif de 150 exemplaires. Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, ciselée, polie et patinée à la main. Directement détachée de l'original et réduite. Edition limitée à 150 exemplaires, numérotés et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de la fonderie et le poinçon ars mundi. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format env. 41 x 19 x 29 cm (h/l/p). Poids env. 14,4 kg. Édition exclusive ars mundi.

C'était un compatriote qui montait entre Güstrow et Rostock. Il était assis en face de moi, avec son corps imposant, si immobile que nos genoux se touchaient, il n'était pas question de dessiner. Je n'avais d'autre choix que de le prendre pour cible jusqu'à ce que je le connaisse par cœur". C'est ainsi qu'Ernst Barlach décrit sa rencontre avec le compagnon de voyage qui lui servira plus tard de modèle pour sa sculpture. Un homme mûr piétine contre le vent, les mains croisées dans le dos. La sculpture rappelle le conseiller privé de Goethe. On pourrait également penser au grand Ludwig van Beethoven, qui prend son chemin en survêtement dans les ruelles de la vieille ville de Vienne. Tous deux ont affronté le vent et certaines tempêtes avec courage et esprit de contradiction tout au long de leur vie. Barlach, comme Goethe, comme Beethoven, était un randonneur et un promeneur passionné. Poursuivre son chemin dans la vie n'est qu'exceptionnellement une promenade. Avec ses yeux qui cherchent au loin et en sifflant un air de défi, le promeneur de Barlach fait face à tout. Son promeneur fait preuve d'une attitude de tous les instants. Il ne s'égare pas. Il affronte le vent. Une grande force émane de lui. Il transmet une connaissance, une force et une puissance impressionnantes. Libéré de l'idée de génération, de l'esprit du temps et des modes, le promeneur de Barlach poursuit son chemin imperturbablement dans l'originalité et la force. (Dr. Friedhelm Häring - ancien directeur de musée et conservateur) Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue, ciselée et patinée. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 28 x 13,5 x 9,5 cm (h/l/p). Poids 4,8 kg.

Barlach fait asseoir sur une pierre ronde ce garçon au chapeau plat et à la cape jusqu'aux genoux, qui joue de la flûte avec dévotion et en étant totalement absorbé par son jeu, les yeux fermés, ne faisant qu'un avec son instrument. Ainsi, le spirituel, le musical et la lourdeur terrestre de la pierre se fondent dans l'œuvre picturale. Dans le flux des lignes et des surfaces glissantes, cette œuvre est la transposition d'une mélodie de flûte sous forme plastique. Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue et patinée. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 19 x 28 x 11 cm (L/H/P). Poids env. 3,6 kg.

Bronze d'après une fonte de 1932, présentée pour la première fois au public lors de l'exposition 'Lebendige deutsche Kunst' à Berlin en 1933. Le voyage en Russie de 1906 avait libéré chez Barlach de nouvelles énergies, conscientes des formes, qui ont fortement marqué la suite de son œuvre plastique. Avec les sculptures de mendiants russes, il pose ainsi la première pierre de ses futures créations plastiques. La 'Mendiante russe II' est une figure hautement expressive et méditative. La forme est saisie par le contour largement courbé du dos, qui s'ouvre uniquement par la main largement tendue vers l'avant. De cette manière, la tête baissée dans l'humilité ou la honte est reliée à la main tendue comme une demande et devient le support d'expression d'un processus à la fois psychique et physique. Cette main ne formule pas une demande, mais un besoin et une requête de nourriture matérielle et spirituelle. Barlach décrit la signification de ses figures de mendiants comme des 'symboles de la situation humaine dans sa nudité entre ciel et terre'. Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue et patinée. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 14,5 x 26 x 11,5 cm (h/l/p). Poids 3,4 kg.

Barlach, l'un des principaux représentants de l'expressionnisme allemand, est célèbre pour ses sculptures en bois et en bronze. Le thème des moines lisant l'avait déjà préoccupé en 1921. Dans le travail en bronze de 1932, dont il existait une version en bois, il renforce par réduction la force expressive des plis linéaires de la robe, soude le bloc des personnes assises. L'art du XIVe siècle à Florence l'a inspiré, tout comme les sculptures et les peintures du maître Bertram (1345-1415) qui, dans le retable de 1379 de la Kunsthalle de Hambourg, déploie un talent de conteur primitif et descriptif. La vision avant-gardiste de Barlach cherchait à retrouver cette force fondamentale. La version en bois a été ridiculisée par les nationaux-socialistes à Munich en 1937 lors de l'exposition 'Degenerierte Kunst' (art dégénéré). L'œuvre de Barlach survécut, reconnue dans le monde entier et représentée dans les plus grandes collections. Sculpture 'Moines lisant III' : portée par l'humanité et l'engagement social, la force créatrice de Barlach conduit à la concentration et à l'intériorisation. Le traitement de ses surfaces à la manière de joints, en relation avec les courbes des plis, est comme une inspiration et une expiration, une cohésion nécessaire à la vie. Le cercle qui, dans la sculpture, s'ouvre de la tête du moine de gauche au livre ouvert en passant par l'épaule et le bras, se poursuit jusqu'au bras du moine de droite et se referme sur l'épaule et l'inclinaison de la tête. Dans ce cercle vit la communication entre les individus et le livre. Ils ont lu et compris. Dans le silence exhortant en dehors du processus éphémère de la vie, ils ont trouvé le repos. Nous reconnaissons les fines nuances de l'équilibre créé dans les mains jointes du moine de droite, qui flottent comme un symbole devant deux plis du bol. L'œuvre de Barlach devient une bouche de vérité. Je recommande cette œuvre comme un document d'époque important devant lequel nous pouvons nous recueillir. Son grand potentiel consiste aujourd'hui à s'éloigner des sensations à la mode et triviales du quotidien pour montrer un chemin vers l'essence de la condition humaine : Poser des questions, reconnaître, tirer des conclusions pour se découvrir soi-même. Les moines lecteurs III en donnent un exemple. Ils illustrent le discours et le réconfort qui viennent des livres. La joie et la profondeur de la compréhension du monde peuvent s'élever d'un poème comme de cette sculpture. Dans ses formes, Barlach nous offre une partie du lien infini de la création, des conditions pour s'approcher du sens de la vie. C'est le côté religieux de son art, l'amour.' (Dr. Friedhelm Häring, ancien directeur de musée et conservateur)Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue et ciselée, polie et patinée à la main. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 22 x 16,5 x 14 cm (h/l/p), poids 4,2 kg.

Mémorial et manifestation d'amitié : Le 'Schwebende' L'une des œuvres les plus célèbres d'Ernst Barlach, le 'Schwebende', a été créée comme mémorial pour les victimes de la Première Guerre mondiale et a été accrochée en tant que telle dans une niche de la cathédrale de Güstrow de 1927 à 1937. Mais il s'agit également d'un monument à l'amitié, et ce à deux titres : en tant que sculpture complète (catalogue raisonné 425) et en tant que détail coulé 'Tête du monument aux morts de Güstrow' (catalogue raisonné 426). C'est grâce à des amis de Barlach que la sculpture complète existe encore. Peu après la mort de l'artiste en 1938, ils firent réaliser une autre fonte à partir du modèle d'œuvre encore existant et la cachèrent après que 'Der Schwebende' fut classé comme 'dégénéré' par les autorités nazies en 1937, retiré de la cathédrale et même fondu. Il est aujourd'hui accroché dans l'église des Antonins à Cologne et a pu être utilisé pour réaliser une autre fonte pour l'emplacement d'origine. C'est ainsi que le chef-d'œuvre de Barlach revint en 1953 dans la cathédrale de Güstrow et y rappelle depuis lors, les dates étant gravées dans la pierre sous lui, les victimes des guerres mondiales de 1914-1918 et de 1939-45. La 'Tête du monument aux morts de Güstrow', moulage de détail de Barlach datant de 1930, est en outre un document d'une amitié directe entre artistes. Ses traits sont assez clairement - bien que 'sans intention', comme Barlach l'affirmera plus tard - ceux de son amie artiste Käthe Kollwitz. Son œuvre a également été proscrite par l'Allemagne nationale-socialiste. En 1936, ses œuvres furent retirées de l'exposition de l'Académie de Berlin. Dès lors, elle n'était pratiquement plus présente en tant qu'artiste. Ainsi, la 'tête du monument d'honneur de Güstrow' apparaît rétrospectivement comme la prémonition d'une communauté de destin : c'est le portrait d'une artiste que Barlach admirait amicalement et qui, comme lui, affronta bientôt des temps difficiles. Les particularités de cette édition : en bronze fin, coulé à la main selon le procédé de la cire perdue. Moulé directement à partir de l'original et réduit. Limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement, avec poinçon de fondeur. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Version sur socle en pierre. Coulée de détail du 'Schwebender' (WVZ 244, 1927), exécutée pour la première fois en 1930 (WVZ 426). Fixée sur un socle en pierre. Format avec socle 22,5 x 28 x 19 cm (L/H/P), poids 5,75 kg.

Barlach a créé en 1934 cette œuvre impressionnante 'Wanderer im Wind', qui compte parmi ses œuvres les plus importantes, les plus populaires et les mieux décrites. Dans l'œuvre de Barlach, le destin de l'homme s'ouvre au spectateur à travers les décennies de sa création, dans des états d'âme caractéristiques et fondamentaux. Tous les travaux sont remplis d'une profonde réflexion, d'une humanité aimante, de réflexion et de recueillement. Le 'Wanderer im Wind' (promeneur dans le vent) s'oppose formellement à la tempête de destruction des œuvres de Barlach à partir de 1934. La sculpture est basée sur un dessin réalisé en 1927, que l'artiste a transposé à l'identique. De la gauche, il tient la casquette sur sa tête, de la droite, il ferme la cape devant le milieu du corps. La vue latérale gauche illustre le mouvement dynamique vers l'avant par un pli de la robe qui souligne la jambe d'appui d'où provient la force pour le pas suivant. Le côté droit, avec un socle et des plis de la robe, est plus calme, plus contemplatif, comme si c'était là que naissaient les pensées pleines de nostalgie qui rendent le départ impératif.Le visage du marcheur et son expression revêtent une importance particulière. Il montre la combativité et la détermination. La sculpture devient un monument au courage, à la résistance et à la confiance en soi. L'œuvre 'Wanderer im Wind' est une affirmation désespérément forte de la liberté et de la résistance. C'est ce qui rend l'œuvre si exceptionnellement précieuse et malheureusement intemporelle. (Dr. Friedhelm Häring, ancien directeur de musée et conservateur) Sculpture en bronze fin, coulée selon le procédé de la cire perdue et ciselée, polie et patinée à la main. Moulé à partir de l'original et réduit (réduction). Le verso est ouvert. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 33 x 16 x 5 cm (h/l/p). Poids 2,6 kg. Édition exclusive ars mundi.

L'imposante sculpture en bois de Barlach 'Träumendes Weib' (femme qui rêve), datant de 1912, est une œuvre d'art d'un grand rayonnement. Oubliant le monde, la figure féminine est allongée, les genoux légèrement repliés, le regard complètement absorbé par ses yeux fermés, la tête aux traits doux appuyée de manière détendue, les mains reposant sur les genoux - un symbole de la plus grande sérénité. Barlach s'est consacré à plusieurs reprises au rêve et aux rêveurs à cette époque, c'était même un motif typique dans de nombreux domaines de l'art à la veille de la Première Guerre mondiale. Mais contrairement à son 'Rêveur' de la même année, on ne trouve dans la 'Femme qui rêve' aucune trace de pressentiment désespéré, aucune incertitude angoissée : le personnage rêvant (de jour) se repose entièrement en lui-même, semble invulnérable à tous les dangers du monde. Comme toutes les sculptures de Barlach, la 'Femme qui rêve' vit du contraste souverainement mis en scène entre une forme strictement réduite et un vécu émotionnel fort. La forme de ses sculptures, commenta un jour Barlach de manière laconique, 'correspond aux douces vagues du paysage du Mecklembourg' - mais le grand art du sculpteur consiste à faire naître devant l'œil du spectateur des paysages d'âme complexes dans ce langage des formes d'une retenue presque primitive. Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue et patinée. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 31 x 14,5 x 11,5 cm (L/H/P), poids env. 3 kg.

Ernst Barlach a réalisé un quart de son œuvre sculpturale en bois. Les sculptures gothiques en bois sont tout simplement des révélations pour moi", déclarait-il déjà en 1909. En 1930, Barlach a taillé dans du bois de chêne son "élève lisant du monastère", qui mesure 114,8 cm de haut et est presque grandeur nature. La figure qui se trouve aujourd'hui dans la chapelle Gertrude à Güstrow fait partie d'une série d'œuvres de moines lisant. Le bloc majestueux de sa figure peut désormais être découvert en édition exclusive ars mundi dans le petit bronze. Barlach a rapporté de son voyage en Russie deux expériences fondamentales qui sont essentielles dans tous les genres de son œuvre. Il s'agit de l'homme lié à la terre par le destin, lui-même comme une plante de la terre. Et puis l'homme qui se déplace, qui cherche, qui regarde et écoute vers l'intérieur. Barlach décrit dans la sculpture cette transformation de la lourdeur terrestre vers le spirituel. C'est la transformation possible de chaque être humain, l'idée de base de son œuvre impressionnante 'Lesender Klosterschüler'. Ici, un jeune homme qui reçoit la meilleure formation possible dans une école monastique est assis, les yeux presque fermés, car il ne peut trouver les réponses sur le chemin de la recherche de sens qu'en lui-même. La parole qu'il a lue ne l'a pas quitté. Elle s'est penchée sur lui, a pénétré dans sa forme et dans son visage comme le sens même de son existence, comme ce qui est solide, ce qui ne peut pas être brisé. L'élève du monastère qui lisait a saisi, à l'instant d'une seconde du monde, le mot de la vérité, la question qui déterminera peut-être toute sa vie : "Qui es-tu ?" (Dr Friedhelm Häring, ancien directeur de musée et conservateur). Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, ciselée, polie et patinée à la main. Moulé à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 24 x 15,5 x 9 cm (h/l/p). Poids env. 4 kg. Édition exclusive ars mundi.

Malgré toutes les résistances : Ernst Barlach 'Schäfer im Sturm'. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Kunsthalle de Brême. Ernst Barlach compte parmi les plus importants représentants du réalisme et de l'expressionnisme. Sa formation l'a conduit à Hambourg, Dresde et Paris. Après un voyage en Russie qui l'a marqué, il a créé à partir de 1907 ses premières sculptures en bois et en bronze, qui comptent aujourd'hui parmi ses œuvres les plus connues et dans lesquelles il a intégré ses impressions de l'art populaire russe. Parmi elles, la figure 'Berger dans la tempête' de 1908, dont l'original a été réalisé en bois de tilleul et qui fut la première grande sculpture en bois de Barlach. Le berger barbu se dresse contre le vent, la tête baissée, en s'avançant vigoureusement. De la main droite, il enfonce son chapeau plat dans le front, de la gauche, il resserre contre son corps l'ourlet de son large manteau gonflé. Attaché étroitement à ses talons, un chien le suit, cherchant un abri entre les jambes du berger et sous le pan de son manteau qui flotte. Dans un dessin préparatoire, aujourd'hui en possession privée, Barlach avait déjà préparé le motif un an auparavant. Dans la sculpture, l'homme et l'animal s'assemblent sur la plinthe presque ovale en une composition triangulaire qui, telle la proue d'un bateau, semble avancer contre la résistance du vent. Les contours souples et oscillants du manteau animent la structure fermée du groupe de personnages. Dès ses premières œuvres, Barlach s'est intéressé à l'homme et à ses conditions de vie. La sculpture 'Berger dans la tempête' est le début d'une série d'œuvres de Barlach qui montrent l'homme aux prises avec des forces extérieures, la tempête et le vent étant pour lui l'expression de puissances surhumaines. Le peintre et mécène Leopold Biermann de Brême a acheté la sculpture en 1908 lors de la 16e exposition de la Sécession berlinoise et l'a offerte à la Kunsthalle de Brême. Le 'Berger dans la tempête' fut ainsi la première œuvre de Barlach à entrer dans une collection d'art publique. Sculpture 'Schäfer im Sturm' : original : Holz Werkverzeichnis Laur II 140. bronze fin, coulé à la cire perdue, ciselé à la main, poli et patiné. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Kunsthalle de Brême. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 27,5 x 25 x 13 cm (h/l/p). Poids : 4,8 kg. 'La Kunsthalle de Brême possède l'une des plus vastes collections du sculpteur expressionniste Ernst Barlach, avec de nombreuses sculptures importantes et l'ensemble de son œuvre gravé. Nous sommes donc heureux de partager avec le monde une reproduction de son œuvre principale 'Schäfer im Sturm'. Cette sculpture en bois a été réalisée en 1908 et offerte au musée un an plus tard. Elle symbolise pour moi l'idée universelle selon laquelle les obstacles font partie de la vie. La voie facile n'est pas toujours la bonne quand on veut atteindre ses objectifs ou accomplir ses devoirs.' (Prof. Dr Christoph Grunenberg, directeur de la Kunsthalle de Brême)

Né à Vienne, Ernst Fuchs (1930-2015) a été l'un des fondateurs de l'école viennoise du réalisme fantastique. Son œuvre a contribué de manière décisive à la compréhension de l'art du 20e siècle. Qu'il soit appelé le Sphinx ou le Sphinx, cela dépend des cultures. En Égypte, il était masculin, considéré comme un symbole de pouvoir avec sa tête d'homme et son corps de lion, et bordait le chemin des temples en tant que gardien. La plus célèbre de ces sculptures de sphinx est aussi l'une des plus anciennes : la tête représente le pharaon Chefren (2540-2515 av. J.-C.). Ce n'est que chez les Grecs que le sphinx est devenu une figure féminine. Il est revenu à l'art du symbolisme de ramener la figure du sphinx à la vie. Il en a fait une figure du mystérieux Eros. Ernst Fuchs s'inscrit également dans cette tradition avec son 'Sphinx au casque d'or'. En même temps, il dote son motif, ici comme dans beaucoup d'autres de ses œuvres, de sources non seulement mythologiques mais aussi mythiques, de traits clairement fantastiques. Le sphinx de Fuchs représente ainsi l'énigme du monde et de la vie par excellence. Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, ciselée, polie et patinée à la main. Avec un casque doré. Monté sur un socle en granit noir. Limitée à 1.999 exemplaires numérotés et signés. Format 12 x 11 x 7 cm (h/l/p). Poids : 1 kg.

Ernst Fuchs a fusionné deux créatures mythiques en forme de cheval : la licorne et le cheval ailé Pégase. Dans l'héraldique, la licorne est le plus souvent représentée en train de 'sauter' debout. Fuchs l'élève maintenant complètement dans les airs sous la forme de Pégase. Pégase, l'assoiffé du ciel, est également considéré comme une source d'inspiration, car c'est lui qui, d'un coup de sabot sur la montagne, fait jaillir la source des muses, l'Hippucrène, appelée "source des chevaux". En fait, Pégase et la licorne sont tous deux déjà arrivés dans le ciel en tant que constellations, Pégase jouxtant la constellation du Cygne : Si l'on observe la corne sur le front de la sculpture d'Ernst Fuchs, on remarque qu'elle n'est pas droite, mais courbée comme un cou de cygne. Le compagnon permanent de mes arts, la licorne, est aussi l'auteur de toutes les transformations. La licorne est le signe héraldique de mes efforts pour créer l'œuvre d'art totale. Elle s'est maintenant élevée au rang de Pégase. Mais les deux mythes se sont unis dans ma création, même la corne est devenue reconnaissable dans sa ressemblance avec le cygne de Lohengrin, signe de son arrivée depuis le Graal. Ma licorne Pégase est le symbole d'une nouvelle dimension de mon art et de son regroupement dans une œuvre d'art globale. Dédiée aux amis de mon art et tout particulièrement à vous. (Ernst Fuchs) Édition en bronze, coulé à la cire perdue, ciselé et patiné à la main. Limitée à 300 exemplaires numérotés et signés. Format 39 x 19 x 29 cm (h/l/p). Poids 9,38 kg.

Dans ce chef-d'œuvre, Ernst Fuchs reprend un thème mythologique très ancien : L'opposition entre le griffon volant et le serpent lié à la terre. Par l'union de son corps de lion, de sa tête d'aigle et de ses ailes, il est le symbole de la maîtrise de l'air et de la terre. Son regard perçant lui conférait des capacités de voyance, il était considéré comme l'animal sacré d'Apollon et le gardien de l'or. Depuis le Moyen-Âge, le griffon fait partie des figures héraldiques les plus importantes : on le retrouve dans les armoiries de nombreux pays et villes, comme le Bade-Wurtemberg, le Mecklembourg-Poméranie occidentale, Düsseldorf, Greifswald ou Rostock - et bien sûr dans les armoiries des anciennes familles nobles. En faisant de son groupe de sculptures un objet chandelier, Ernst Fuchs renoue en même temps avec l'art de la table des 18e et 19e siècles.Édition exclusive ars mundi en bronze fin. Coulé à la main selon le procédé de la cire perdue. Patiné et poli à la main. Edition limitée à 499 exemplaires, numérotés et signés. Format 35 x 31 x 13,5 cm (L/H/P). Poids : 9 kg. Peut également être utilisé comme objet lumineux.

L''arbre de vie' de Fuchs et Askew C'est une demande adressée à Ernst Fuchs qui a donné naissance à l''arbre de vie' : A l'origine, la sculpture devait servir à récompenser les personnes du monde entier qui avaient contribué à la préservation des zones forestières. Lorsque les premières ébauches ont été réalisées, le client a retiré sa commande. Fuchs a décidé de terminer l'œuvre d'art et a demandé à Askew de l'aider à la réaliser. Au final, la sculpture a été réalisée avec tant d'idées communes qu'elle est désormais considérée comme une œuvre commune. Dans 'l'arbre de vie', les idées écologiques se rencontrent avec les motifs mythologiques et fantastiques typiques des deux artistes. Le symbole originel de la fertilité et de la plénitude de vie apparaît déjà dans l'art oriental ancien et traverse l'histoire de l'art tout au long de l'Antiquité. Même dans l'art indien, c'est un motif qui apparaît fréquemment. En tant que symbole célébrant la vie (et, dans l'interprétation chrétienne depuis le Moyen-Âge, la résurrection), il a fasciné les artistes de tous les temps - y compris les modernes, il suffit de penser à la célèbre transposition de Klimt dans la frise de Stoclet. Avec leur arbre de vie, Fuchs et Askew restent concrets et imagés : du tronc, symbole de la vie maternelle, naît un torse féminin entouré d'un riche feuillage. Édition exclusive ars mundi en trois variantes : Version en bronze fin, coulé à la cire perdue, patiné vert antique et partiellement poli. Edition mondiale limitée à 299 exemplaires, numérotés et signés. Format 30 x 42 x 11 cm (L/H/P). Poids 7,4 kg.

L''arbre de vie' de Fuchs et Askew C'est une demande adressée à Ernst Fuchs qui a donné naissance à l''arbre de vie' : A l'origine, la sculpture devait servir à récompenser les personnes du monde entier qui avaient contribué à la préservation des zones forestières. Lorsque les premières ébauches ont été réalisées, le client a retiré sa commande. Fuchs a décidé de terminer l'œuvre d'art et a demandé à Askew de l'aider à la réaliser. Au final, la sculpture a été réalisée avec tant d'idées communes qu'elle est désormais considérée comme une œuvre commune. Dans 'l'arbre de vie', les idées écologiques se rencontrent avec les motifs mythologiques et fantastiques typiques des deux artistes. Le symbole originel de la fertilité et de la plénitude de vie apparaît déjà dans l'art oriental ancien et traverse l'histoire de l'art tout au long de l'Antiquité. Même dans l'art indien, c'est un motif qui apparaît fréquemment. En tant que symbole célébrant la vie (et, dans l'interprétation chrétienne depuis le Moyen-Âge, la résurrection), il a fasciné les artistes de tous les temps - y compris les modernes, il suffit de penser à la célèbre transposition de Klimt dans la frise de Stoclet. Fuchs et Askew restent concrets et imagés dans leur arbre de vie : un torse féminin, symbole de la vie maternelle, s'élève du tronc, entouré d'un riche feuillage. Édition exclusive ars mundi en trois variantes : Version en fonte de mère peinte en or, coulée à la main. Edition limitée à 999 exemplaires, numérotés et signés. Format 30 x 42 x 11 cm (L/H/P). Poids : 2,2 kg.

Sculpture en bronze, coulée à la cire perdue, patinée et polie. Moulé directement à partir de l'original. Edition limitée à 199 exemplaires, numérotée et portant la signature du professeur Schinzel, reprise de l'original, ainsi que le poinçon de fonderie. Certificat numéroté à la main inclus. Format 18,5 x 12 x 24 cm (h/l/p), poids 2,65 kg. Édition exclusive ars mundi.

Un nu classique dans une pose classique qui, suivant une auto-proclamation artistique de Schinzel, accueille, comme toute l'œuvre de sa vie, 'la vie et la création dans leur beauté dans le miracle de l'homme avec joie et un enthousiasme réjouissant'. Sculpture en bronze, coulée à la cire perdue, patinée et polie. Moulé directement à partir de l'original. Edition limitée à 199 exemplaires, numérotés et portant la signature reprise de l'original ainsi que le poinçon de fonderie. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 31 x 15 x 17,5 cm (h/l/p). Poids 4,75 kg.

In der Dämmerung' montre - une caractéristique des travaux de Schinzel en général - à quel point l'artiste met sa souveraineté artisanale au service d'un idéal de beauté classique. Sculpture en bronze fin, coulée selon le procédé de la cire perdue, ciselée, polie et patinée à la main. Edition limitée à 199 exemplaires, numérotés et signés par le professeur Schinzel. Certificat numéroté à la main inclus. Format 29 x 32 x 20 cm (h/l/p). Poids 7,4 kg. Édition exclusive ars mundi.

Pour le 100e anniversaire de Erwin A. Schinzel : Sculpture 'Wellenrauschen' disponible en deux versions. Le 24.10.2019, Erwin A. Schinzel a eu 100 ans. Toute sa vie, Schinzel a été un 'classique' parmi les sculpteurs. Un artiste qui a créé des œuvres qui s'inscrivent pleinement dans la tradition de son art, qui héritent ouvertement et sans fard des grands de sa spécialité et qui savent néanmoins faire preuve d'actualité. Ses œuvres témoignent d'une souveraineté artisanale où l'exactitude et la perfection de la représentation sont les critères les plus élevés de l'art de la sculpture. La beauté y est intacte, et c'est en quelque sorte l'œil du spectateur qui est célébré ici.Sculpture 'Bruit des vagues' : Elle vient de sortir des vagues et, les cheveux relevés par un bandeau artistiquement noué, elle laisse sa peau sécher sous la force du soleil. Les yeux fermés, elle écoute la mer. Ainsi, l'œuvre de Schinzel s'adresse doublement aux sens du spectateur : Le visible et l'audible sont présents de la même manière. Sculpture en bronze fin, coulée selon le procédé de la cire perdue, patinée et polie à la main. Edition totale limitée à 179 exemplaires, dont 159 exemplaires en bronze (offerts ici) et 20 exemplaires en bronze avec bandeau doré pour les cheveux, numérotés et signés par le professeur Schinzel. Certificat numéroté à la main inclus. Format 27,5 x 25 x 20,5 cm (h/l/p). Poids env. 5,85 kg. Édition exclusive ars mundi.

Pour le 100e anniversaire de Erwin A. Schinzel : Sculpture 'Wellenrauschen' disponible en deux versions. Le 24.10.2019, Erwin A. Schinzel a eu 100 ans. Toute sa vie, Schinzel a été un 'classique' parmi les sculpteurs. Un artiste qui a créé des œuvres qui s'inscrivent pleinement dans la tradition de son art, qui héritent ouvertement et sans fard des grands de sa spécialité et qui savent néanmoins faire preuve d'actualité. Ses œuvres témoignent d'une souveraineté artisanale où l'exactitude et la perfection de la représentation sont les critères les plus élevés de l'art de la sculpture. La beauté y est intacte, et c'est en quelque sorte l'œil du spectateur qui est célébré ici.Sculpture 'Bruit des vagues' : Elle vient de sortir des vagues et, les cheveux relevés par un bandeau artistiquement noué, elle laisse sa peau sécher sous la force du soleil. Les yeux fermés, elle écoute la mer. Ainsi, l'œuvre de Schinzel s'adresse doublement aux sens du spectateur : Le visible et l'audible sont présents de la même manière. Sculpture en bronze fin, coulée selon le procédé de la cire perdue, patinée et polie à la main. Edition totale limitée à 179 exemplaires, dont 20 exemplaires en bronze avec bandeau doré pour les cheveux (offert ici), numérotés et signés par le professeur Schinzel. Certificat numéroté à la main inclus. Format 27,5 x 25 x 20,5 cm (h/l/p). Poids env. 5,85 kg. Édition exclusive ars mundi.

Ses sculptures ont avant tout un thème : l'être humain, et ce dans sa beauté sans fard. La beauté y prend toute sa place, et c'est en quelque sorte l'œil du spectateur qui est célébré ici. Sculpture 'Esquisse de bain' : 'En toute insouciance', commente l'artiste, 'la jeune fille s'installe après le bain et se tourne sans gêne vers son corps, dans lequel elle ressent la fraîcheur palpitante que lui a procurée le bain - elle savoure agréablement le fait de se sécher et est tout simplement heureuse'. Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, patinée et polie à la main. Edition limitée à 199 exemplaires, numérotés et signés par le professeur Schinzel. Certificat numéroté à la main inclus. Format 18 x 27 x 18 cm. Poids 3,5 kg. Édition exclusive ars mundi.

On pourrait considérer le faucon crécerelle - oiseau de l'année 2007 - comme une sorte de lien entre la nature animale et la civilisation humaine. C'est le faucon le plus fréquent d'Europe centrale et sans doute aussi le plus connu, car il fait volontiers des habitations humaines son territoire de nidification, d'où son nom de faucon crécerelle, faucon de la cathédrale ou faucon de l'église. Schinzel montre le puissant rapace regardant attentivement autour de lui - et peut-être aussi l'activité humaine curieuse qui l'entoure. Sculpture en bronze, coulée à la cire perdue, patinée et polie. Moulé directement à partir de l'original. Édition limitée à 199 exemplaires, numérotés et portant la signature du professeur Schinzel, reprise de l'original, ainsi que le poinçon de fonderie. Certificat numéroté à la main inclus. Format 38 x 20 x 15 cm (h/l/p). Poids 6,7 kg. Édition exclusive ars mundi.

Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, patinée et polie à la main. Edition limitée à 199 exemplaires, numérotés et signés par le professeur Schinzel. Certificat numéroté à la main inclus. Format 8 x 24 x 10 cm (h/l/p). Poids 1,7 kg. Édition exclusive ars mundi.