Avec l'âge, Degas a progressivement perdu la vue, ce qui l'a empêché de peindre. Mais sa force créatrice reste intacte. Il se consacra donc de plus en plus aux petites sculptures, qui lui assurèrent une réputation éternelle en tant que sculpteur. La 'Danseuse espagnole' a été coulée pour la première fois par Hébrand en 1900. Original : Bronze, entre 1882-1900, Musée d'Orsay, Paris. Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue. Format 13 x 45 x 19 cm (L/H/P). Poids env. 4 kg. Édition exclusive ars mundi.

Avec l'âge, Degas a progressivement perdu la vue, ce qui l'a empêché de peindre. Mais sa force créatrice reste intacte. Il se consacra donc de plus en plus aux petites sculptures, qui lui assurèrent une réputation éternelle en tant que sculpteur. La 'Danseuse espagnole' a été coulée pour la première fois par Hébrand en 1900. Original : Bronze, entre 1882-1900, Musée d'Orsay, Paris. Réplique en résine patinée à la main avec surface bronzée. Avec certificat d'authenticité. Format 42 x 15 x 19,5 cm (h/l/p). Poids env. 2,2 kg.

Avec l'âge, Degas a progressivement perdu la vue, ce qui l'a empêché de peindre. Mais sa force créatrice reste intacte. Il se consacre donc de plus en plus aux petites sculptures, qui lui assurent une réputation éternelle en tant que sculpteur. Original : Musée d'Orsay (RF 2099), Paris. Bronze, coulé pour la première fois vers 1910. Réplique en résine patinée à la main avec surface bronzée, sur socle en bois. Avec certificat d'authenticité. Format avec socle 43 x 24 x 19 cm (h/l/p). Format du socle 2 x 15 x 17 cm (h/l/p). Poids 2,7 kg.

Dans ce magnifique portrait pudique de sa sœur Gerti, on retrouve à la fois des caractéristiques stylistiques de la Sécession et de l'œuvre expressionniste de Schiele.Coulée d'art en résine de type porcelaine, travaillée et peinte à la main. Hauteur 30 cm.

Une exclusivité mondiale chez ars mundi : la danseuse birmane d'Emil Nolde.Pour le jeune paysan de Nolde, cela a dû être une grande aventure : de début octobre 1913 jusqu'à l'été 1914, il a accompagné l''Expédition médicale et démographique de Nouvelle-Guinée allemande'. L'artiste Nolde s'est entièrement concentré sur les gens, il les a dessinés et aquarellés et était fasciné par leurs rituels. À Java, il a pu assister à une fête royale. A cette occasion, celui qui avait suivi une formation de sculpteur sur bois dans sa jeunesse fut tellement impressionné par les danseuses et leur performance contrôlée jusque dans les moindres mouvements qu'il s'occupa, lors des voyages intermédiaires, de fixer leur grâce dans des figurines faites de bois de chauffage récupéré dans la cuisine du bateau. L'amour et l'admiration d'Emil Nolde pour les autochtones des pays qu'il a visités se reflètent dans la petite beauté de la danseuse birmane. Il a assisté à une représentation de danse d'un genre particulier et a consigné rétrospectivement ce qu'il a vu dans ses souvenirs de vie. Cette danse fascina tellement Nolde qu'il prit peu après un couteau à sculpter et façonna la gracieuse danseuse dans un morceau de bois de chauffage. Les yeux de la petite danseuse sont particulièrement frappants, c'est la seule figure de la main de Nolde qui porte des grenats étincelants. Je suis très heureux qu'après la Danseuse de Java, la charmante Danseuse de Birmanie ait été reproduite dans une qualité exceptionnelle pour un public choisi, afin de faire connaître cette facette de l'œuvre de Nolde, jusqu'ici largement inconnue. (Dr. Christian Ring, directeur de la fondation Seebüll Ada et Emil Nolde)Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, ciselée, polie et patinée à la main. Moulé directement à partir de l'original, reproduit en taille réelle. Dorure partielle 24 carats. Yeux ornés de grenats rouges. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés, signés et portant le poinçon de la fonderie. Publié en collaboration avec la Fondation Nolde Seebüll. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 8,5 x 28 x 4 cm (L/H/P). Édition exclusive ars mundi.

Une exclusivité mondiale chez ars mundi : la danseuse de Java d'Emil Nolde.Pour le jeune paysan de Nolde, cela a dû être une grande aventure : de début octobre 1913 jusqu'à l'été 1914, il a accompagné l''Expédition médicale et démographique de Nouvelle-Guinée allemande'. L'artiste Nolde s'est entièrement concentré sur les gens, il les a dessinés et aquarellés et était fasciné par leurs rituels. À Java, il a pu assister à une fête royale. Les danseuses et leur performance contrôlée jusque dans les moindres mouvements l'impressionnèrent tellement, lui qui avait suivi une formation de sculpteur sur bois dans sa jeunesse, qu'il s'occupa, lors des voyages intermédiaires, de fixer leur grâce dans des figurines en bois de chauffage provenant des cuisines du bateau. Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, ciselée, polie et patinée à la main. Moulé directement à partir de l'original, reproduit en taille réelle. Plaqué partiellement en or 24 carats. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés, signés et portant le poinçon de la fonderie. Publié en collaboration avec la Fondation Nolde Seebüll. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 8 x 31 x 7 cm (L/H/P). Édition exclusive ars mundi.

Ce fut l'aventure de leur vie lorsque Emil et Ada Nolde se rendirent dans les mers du Sud de 1913 à 1914 dans le cadre d'une expédition de recherche scientifique. Nolde s'enthousiasma pour les paysages aux allures paradisiaques, mais surtout pour les autochtones qu'il y rencontra. Il réalisa de nombreuses peintures, esquisses et dessins - ainsi que quelques sculptures. Le thème des mers du Sud occupera Nolde pendant longtemps, même après son retour. On ignore en grande partie qu'Emil Nolde a commencé son développement artistique en tant que sculpteur sur bois et tailleur de meubles qualifié. Le travail du bois lui est donc profondément familier lorsqu'il renoue avec la technique de la sculpture lors de son voyage dans les mers du Sud en 1913/14. Pendant son voyage, il réalise une petite série de sculptures qui se trouvent toutes dans son héritage à la fondation Seebüll Ada et Emil Nolde. Dans le choix des motifs, il se concentre sur l'un des thèmes centraux qui caractérisent son art, à savoir l'être humain. Son intérêt réside dans le rendu du caractère et des caractéristiques sous-jacentes des personnes représentées. Je suis donc très heureux que cette sculpture, reproduite dans une excellente qualité, permette à un public choisi de découvrir une autre facette de l'œuvre de Nolde". (Dr. Christian Ring, directeur de la Fondation Nolde à Seebüll) Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue, ciselée et patinée. Moulé directement à partir de l'original et reproduit en taille réelle. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement. Le socle (en bronze) porte la signature de Nolde ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Fondation Nolde Seebüll. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 27,5 x 5,5 x 3 cm (h/l/p). Poids : 1 kg.

En collaboration avec la fondation Nolde Seebüll, nous avons pu réaliser l'œuvre 'Mère et enfant' d'Emil Nolde, l'édition en bronze d'une sculpture sur bois en taille réelle. Cette œuvre touchante montre qu'il est un artiste plasticien de premier plan. On ignore en grande partie qu'Emil Nolde a commencé son développement artistique en tant que sculpteur sur bois et sculpteur de meubles. Le travail du bois lui est donc profondément familier lorsqu'il renoue avec la technique de la sculpture lors de son voyage dans les mers du Sud en 1913/14. Pendant son voyage, il réalise une petite série de sculptures qui se trouvent toutes dans son héritage à la fondation Seebüll Ada et Emil Nolde. Dans le choix des motifs, il se concentre sur l'un des thèmes centraux qui caractérisent son art, à savoir l'être humain. Son intérêt réside dans le rendu du caractère sous-jacent et des traits de caractère des personnes représentées, comme la femme sûre d'elle ou la mère et l'enfant dans un lien tendre et intime. Je suis donc très heureux que cette sculpture, reproduite dans une excellente qualité, permette à un public choisi de découvrir une autre facette de l'œuvre de Nolde". (Dr. Christian Ring, directeur de la Fondation Nolde à Seebüll) Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue, ciselée et patinée. Moulé directement à partir de l'original et reproduit en taille réelle. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés et portant la signature ainsi que le poinçon de la fonderie. Publié en collaboration avec la Fondation Nolde Seebüll. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 23 x 8 x 5 cm (h/l/p). Poids 1,35 kg. © Fondation Nolde Seebüll

En collaboration avec la fondation Nolde Seebüll, nous avons pu réaliser l'œuvre 'Prophète' d'Emil Nolde, l'édition en bronze d'une sculpture sur bois en taille réelle.'Emil Nolde a commencé son développement artistique en tant que sculpteur sur bois et tailleur de meubles de formation. Lors de son voyage dans les mers du Sud en 1913/14, il reprend la technique de la sculpture et il en résulte une petite série de sculptures dont l'élégance montre la familiarité avec le bois. En 1921, Max Sauerlandt caractérise les sculptures : elles sont 'toutes d'une fermeture du corps semblable au bois et d'un mouvement économe. Sous une forme nouvelle, l'envie de sculpter des premières années d'apprentissage s'est soudain réveillée sous l'impulsion de la matière noble. Le 'Prophète' de Nolde, également appelé prêtre dans un premier temps, fait partie des œuvres consacrées à des thèmes religieux et bibliques. Ceux-ci occupent une place particulière dans l'œuvre d'Emil Nolde, ils comptent parmi les points culminants du travail de sa vie et sont considérés jusqu'à aujourd'hui comme des chefs-d'œuvre. Dans sa représentation, Nolde ne s'en tient pas à la Bible de manière littérale, mais décrit plutôt une expérience qu'il décrit comme étant née au plus profond de lui, en sécurité et 'intérieurement ardente'. Je devais être libre artistiquement, ne pas avoir Dieu devant moi comme un souverain assyrien dur comme l'acier, mais Dieu en moi, chaud et sacré comme l'amour du Christ.'Je suis très heureux qu'avec la sculpture 'Prophète', reproduite dans une excellente qualité, une autre facette des sculptures de Nolde soit connue d'un public choisi'. (Dr. Christian Ring, directeur de la Fondation Nolde à Seebüll)Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue, ciselée et patinée. Moulé directement à partir de l'original et reproduit en taille réelle. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement. Le socle (en bronze) porte la signature de Nolde ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Fondation Nolde Seebüll. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 30 x 6 x 5 cm (h/l/p). Poids environ 1 kg. 2024 Fondation Nolde Seebüll

Les mains touchantes qui apparaissent dans le relief mural de Perathoner comme si elles venaient de nulle part sont l'expression d'une attention affectueuse et d'une aspiration intérieure à la sécurité. Sculpture en bois de pin cembro recouverte d'aiguilles de mélèze. Signé par l'artiste. Format 55 x 83 cm (h/l). Poids 3 kg.

L'oreille près du cœur : la sculpture de Perathoner est l'expression d'une invitation à percevoir le silence avec attention. En elle, nous pouvons nous retrouver et nous retrouver nous-mêmes. Sculpture en bois de tilleul entourée de bandes de plâtre et colorée à la peinture acrylique. Signé par un artiste. Hauteur 62 cm. Poids 2 kg.

La tête légèrement penchée vers le bas, au repos et tournée vers elle-même : dans sa sculpture 'Ruhende', Perathoner souligne le regard intérieur par une réduction de la forme. Sculpture en bois de pin cembro enveloppée de bandes de plâtre et colorée à la peinture acrylique. Socle en fer inclus. Signé par le sculpteur. Hauteur de la figure 124 cm. Hauteur du socle 60 cm. Hauteur totale 184 cm. Poids 21 kg.

Le toucher est un thème significatif et récurrent dans les œuvres du sculpteur Perathoner. Ici, sous la forme d'une main qui touche l'épaule, il symbolise le lien entre deux âmes et le désir d'éprouver soutien et sécurité. Sculpture en bois de pin cembro enveloppée de bandes de plâtre et colorée à la peinture acrylique. Avec socle en fer. Signé par le sculpteur. Hauteur de la figure 124 cm. Hauteur du socle 60 cm. Hauteur totale 184 cm. Poids 21 kg.

La figure de Perathoner semble enveloppée d'une couverture protectrice d'aiguilles de mélèze, proche de la terre. Sculpture en bois de tilleul partiellement recouverte d'aiguilles de mélèze. Socle en tilleul inclus. Hauteur de la figure 123 cm. Hauteur du socle 60 cm. Hauteur totale 183 cm. Poids 21 kg.

Mémorial et manifestation d'amitié : Le 'Schwebende' L'une des œuvres les plus célèbres d'Ernst Barlach, le 'Schwebende', a été créée comme mémorial pour les victimes de la Première Guerre mondiale et a été accrochée en tant que telle dans une niche de la cathédrale de Güstrow de 1927 à 1937. Mais il s'agit également d'un monument à l'amitié, et ce à deux titres : en tant que sculpture complète (catalogue raisonné 425) et en tant que détail coulé 'Tête du monument aux morts de Güstrow' (catalogue raisonné 426). C'est grâce à des amis de Barlach que la sculpture complète existe encore. Peu après la mort de l'artiste en 1938, ils firent réaliser une autre fonte à partir du modèle d'œuvre encore existant et la cachèrent après que 'Der Schwebende' fut classé comme 'dégénéré' par les autorités nazies en 1937, retiré de la cathédrale et même fondu. Il est aujourd'hui accroché dans l'église des Antonins à Cologne et a pu être utilisé pour réaliser une autre fonte pour l'emplacement d'origine. C'est ainsi que le chef-d'œuvre de Barlach revint en 1953 dans la cathédrale de Güstrow et y rappelle depuis lors, les dates étant gravées dans la pierre sous lui, les victimes des guerres mondiales de 1914-1918 et de 1939-45. La 'Tête du monument aux morts de Güstrow', moulage de détail de Barlach datant de 1930, est en outre un document d'une amitié directe entre artistes. Ses traits sont assez clairement - bien que 'sans intention', comme Barlach l'affirmera plus tard - ceux de son amie artiste Käthe Kollwitz. Son œuvre a également été proscrite par l'Allemagne nationale-socialiste. En 1936, ses œuvres furent retirées de l'exposition de l'Académie de Berlin. Dès lors, elle n'était pratiquement plus présente en tant qu'artiste. Ainsi, la 'tête du monument d'honneur de Güstrow' apparaît rétrospectivement comme la prémonition d'une communauté de destin : c'est le portrait d'une artiste que Barlach admirait amicalement et qui, comme lui, affronta bientôt des temps difficiles. Les particularités de cette édition : en bronze fin, coulé à la main selon le procédé de la cire perdue. Moulé directement à partir de l'original et réduit. Limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement, avec poinçon de fondeur. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Version comme objet mural. Coulée de détail du 'Schwebender' (WVZ 424, 1927), exécutée pour la première fois en 1930 (WVZ 426). Format 22,5 x 24 x 15 cm (L/H/P), poids 4,5 kg. Avec suspension murale.

Lorsqu'Ernst Barlach a créé en 1931 son personnage 'Christ enseignant', il s'est attaqué à l'un des thèmes majeurs de l'histoire de l'art occidental en représentant le Sauveur. Barlach représente le Fils de Dieu en tant qu'homme parmi les hommes. Le 'Christ enseignant' porte un vêtement simple ; il ne trône pas, mais est assis dans une posture détendue et ouverte et rayonne d'empathie et d'affection. L'installation et la structure de la sculpture visent à ce que le spectateur rencontre le Christ et son amour pour l'homme d'égal à égal, au sens littéral du terme. Ce n'est qu'en 1938, soit sept ans après sa création, que le 'Christ enseignant' a été coulé pour la première fois en bronze. Et ce n'est qu'après la Seconde Guerre mondiale que 14 grandes statues moulées à partir de l'original ont trouvé le chemin des églises - à Güstrow, à Rostock, à Hambourg dans l'église du Christ, mais aussi au Stedelijk d'Eindhoven et au musée d'Israël à Jérusalem'. (Dr Friedhelm Häring, ancien directeur de musée et conservateur) Sculpture en bronze fin, coulée selon le procédé de la cire perdue, ciselée, polie et patinée à la main. Moulé à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de la fonderie et le poinçon ars mundi. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 28 x 13 x 10,5 cm (h/l/p). Poids env. 2,9 kg. Édition exclusive ars mundi.

Les retrouvailles' est l'une des œuvres de l'époque de la sculpture moderne : la profonde humanité qui caractérise l'œuvre de Barlach va au-delà de la scène biblique qui est représentée ici. Elle a d'ailleurs un rapport avec un témoin oculaire : Thomas - en araméen, son nom serait à traduire par 'jumeau' - rencontre le Christ, à la résurrection duquel il ne voulait croire, selon le récit biblique, qu'après avoir pu le voir de ses propres yeux et mettre les doigts dans sa plaie. Barlach met en scène la seconde de la reconnaissance et montre ainsi le moment de la compréhension et de l'élévation vers la vérité. Il a ainsi créé plus qu'une iconographie chrétienne. Le Dieu fait homme est le 'jumeau' de l'homme, sa compassion est fraternelle. Et dans cette reconnaissance de l'humanité du Fils de Dieu résident à la fois l'espoir et la mission - l'exigence d'humanité. Cette édition limitée a été réalisée en étroite collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Sculpture directement moulée à partir de l'original et réduite (réduction). Bronze fin, coulé à la main selon le procédé de la cire perdue. Format 14 x 33 x 8,5 cm (L/H/P). Poids env. 3 kg. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté.

Ernst Barlach et le travail de la pensée 'Sinnender' de Barlach a été créé en 1934, une année de grands bouleversements et de décisions importantes pour lui aussi. Certes, en signant l''Appel des créateurs', Barlach témoignait de sa volonté de se soumettre au système artistique nazi, mais d'un autre côté, les critiques formulées depuis longtemps à son encontre par ces mêmes cercles s'amplifiaient au point que ses premières œuvres furent retirées du public. Son 'Wanderer im Wind' - également de 1934 - est aujourd'hui interprété comme l'œuvre avec laquelle il a finalement pris position contre le régime. Son 'Penseur' représente donc également un processus tourmenté : un jeune homme dont l'effort de réflexion est visible, car une décision lourde de conséquences lui est demandée. Sculpture 'Der Sinnender II' : Le bout des doigts sur la joue et profondément plongé dans ses pensées : le 'Sinnender' de Barlach montre la pensée comme un travail hautement concentré. Moulé à la main selon le procédé de la cire perdue et patiné. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 8 x 34,5 x 5,5 cm (L/H/P). Poids : 2,5 kg. Pour moi, 'Der Sinnende' incarne dans sa posture le silence d'une grande sagesse. La forme arrondie légèrement renflée du corps est simplement pliée par quatre longs plis. La main gauche, portée au menton, apparaît comme un geste de recueillement et d'introspection, tandis que la main droite est plutôt en retrait, inactive, dans la coquille du manteau. Fragile et sensible, 'le contemplatif' apparaît comme l'existence contemplative par excellence. Il semble être un homme qui a besoin d'une aide extérieure, peut-être supérieure. Il ne juge pas, il n'évalue pas, il témoigne uniquement de son existence. La spiritualité et l'aura religieuse imprègnent toute son apparence.' (Dr. Jürgen Doppelstein, Ernst Barlach Gesellschaft)

Le 'Douteux' de Barlach a été créé en 1931, alors que l'ostracisme s'annonçait déjà. A plusieurs reprises, Barlach a été violemment attaqué par les milieux nationaux-socialistes. La figure de l'homme à genoux qui se débat est celle d'un homme accablé et exprime peut-être aussi les doutes de Barlach quant à la puissance d'impact humaniste de son art. Elle a cependant une valeur universelle en tant que représentation impressionnante du doute, de l'incertitude, voire du désespoir en tant que condition humaine.Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue et patinée. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 17 x 31 x 11,5 cm (L/H/P), poids 2,3 kg.

Le chef-d'œuvre d'Ernst Barlach Ernst Barlach était sans aucun doute l'une des personnalités les plus marquantes de l'expressionnisme et l'un des artistes les plus importants d'Allemagne. Il a toujours placé l'homme au centre de sa création artistique, comme dans sa 'Krautpflückerin', une femme simple travaillant dans les champs et se penchant pour ramasser des plantes de prairie. Cette sculpture, réalisée en 1894, fut le chef-d'œuvre de Barlach : elle faisait partie de l'examen final de ses études à l'Académie des beaux-arts de Dresde en 1895 ; en même temps, il l'exposa en 1898 comme sa première œuvre à la Grande exposition d'art de Berlin. Sculpture 'Die Krautpflückerin' : Original : plâtre teinté. Bronze fin, coulé à la main selon le procédé de la cire perdue et patiné. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 21 x 22,5 x 14 cm (L/H/P), poids 2,5 kg. Je suis toujours fasciné par la 'Krautpflückerin' d'Ernst Barlach. Avec cette œuvre, le sculpteur a jeté un regard nouveau sur la vie quotidienne des gens et a ainsi donné à l'art de la sculpture en Allemagne non seulement une nouvelle impulsion, mais aussi un nouveau sens. Avec ce travail, il a commencé à replacer le petit peuple, l'homme dit de la rue, dans le champ de vision optique réel de l'art'. (Dr. Jürgen Doppelstein, président de la Ernst Barlach Gesellschaft)

La 'communion des saints' d'Ernst Barlach : Symboles de l'existence humaine jusque dans les années 30, Ernst Barlach était très reconnu comme écrivain et comme sculpteur de sculptures figuratives. En 1925, il devint membre honoraire de l'Académie des beaux-arts de Munich. C'est à cette époque qu'il réalisa plusieurs monuments honorifiques qui allaient devenir célèbres dans le monde entier, dont le 'monument honorifique de Güstrow', le fameux 'ange flottant' dans la cathédrale de Güstrow. Mais en 1934, le vent a tourné. Barlach, alors âgé de six ans, vit ses œuvres diffamées comme 'dégénérées' et disparaître des musées. Les monuments à la gloire qu'il avait conçus furent détruits, 'Der Schwebende' de la cathédrale de Güstrow fut même fondu - et si des amis n'avaient pas caché une seconde fonte jusqu'à la fin de la guerre, l'œuvre serait aujourd'hui perdue. Il en va de même pour les sculptures 'Femme dans le vent' et 'Le chanteur'. Elles ont été confisquées avec environ 380 autres œuvres de Barlach. Leur sauveur était également leur commanditaire : Carl Georg Heise, directeur de musée à Lübeck. En 1929, il avait suggéré à Barlach de concevoir un ensemble de sculptures intitulé 'La communion des saints' pour la façade ouest de l'église Sainte-Catherine de Lübeck. Il devait y en avoir 16, mais seules trois furent réalisées entre 1930 et 1932 : 'Le mendiant', 'Le chanteur' et 'La femme dans le vent'. Trois autres figures : 'Le ligoté', 'Le pèlerin' et 'Le souffleur de cor' ont été conservées sous forme de pré-modèles. Carl Georg Heise a été licencié en 1933, mais a récupéré les trois statues existantes en tant que propriété privée. En 1939, l'année suivant la mort de Barlach, elles lui furent remises, et c'est ainsi qu'elles survécurent à la guerre 'dans des caisses [...] sous le porche de la maison de ma belle-mère', comme il le raconta plus tard. Ce n'est qu'en 1947 qu'elles trouvèrent enfin leur place dans les niches prévues de l'église Sainte-Catherine. L'effet spatial de l'église gothique et l'étroitesse des niches comme lieu d'installation déterminèrent les idées de Barlach sur la forme. La proximité avec la sculpture médiévale est évidente ; Barlach ne crée cependant pas de figures de saints dans l'iconographie chrétienne, mais plutôt des symboles de l'existence humaine et des figures humaines tournées vers le monde, 'souffrant et transfigurées, luttant chacune à sa manière avec son Dieu' (Carl Georg Heise). Sculpture 'Femme dans le vent' : le vêtement plissé qui enveloppe le corps marque la corporalité de la jeune femme debout et concentre le regard sur la tête, qui sert de seul support d'expression. Bronze d'après un modèle réduit de l'œuvre de 1931, coulé à la main selon le procédé de la cire perdue et patiné. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Ernst Barlach Gesellschaft. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 7,3 x 32 x 5,5 cm (L/H/P), poids 1,95 kg.

La sculpture d'Ernst Barlach marque le début d'un changement de style décisif dans son œuvre, que l'artiste affinera et maintiendra continuellement jusqu'à sa mort en 1938. Elle constitue en outre un document contemporain important sur le déclin des systèmes dominants. Après un bref engagement en 1915/16 en tant que soldat, Barlach est traumatisé, orienté vers la recherche religieuse. Les thèmes de la guerre et des combats tournent et fermentent dans sa conscience. Mais ses figures expressives deviennent de plus en plus fermées à l'extérieur. Tout ce qui est ornemental et décoratif est éliminé. Les accents sculpturaux sont limités au strict nécessaire. Les lignes parfois vives du vêtement, comme dans le 'promeneur' de 1912, se mettent au service de la mise en évidence d'un sentiment intérieur, même dans la représentation du visage et des mains. La sculpture devient le support d'expression de la conscience, d'une force et d'une puissance convaincantes. La jeune fille frigorifiée est un exemple remarquable de ce nouveau style percutant. La figure sort de la plinthe presque carrée, immobile comme une colonne, et s'élève selon des rythmes plastiques. Sous la cape chauffante en tissu lourd, les mains saisissent le visage par les joues. Elles le tiennent comme un bijou. Le masque facial montre certes la bouche, le nez, les yeux et les sourcils, mais semble fermé, à l'écoute de l'intérieur. Il semble qu'elle entende les tremblements dans les rouages de la structure de l'humanité sur terre derrière ses yeux fermés. L'effroi la fait frissonner. Elle a froid au cœur en pensant aux millions de personnes que la guerre et la révolution ont englouties et vont encore engloutir. On peut éventuellement lutter contre les températures négatives en se chauffant, en faisant de l'exercice, en portant des vêtements épais, si on en a. Contre le cœur froid, figé par la guerre, la solitude, l'ignorance, il est difficile de trouver un remède. L'attitude de la jeune fille chez Barlach illustre la pause, la réflexion, le recueillement, et c'est là que l'artiste est tout à fait avec les gens, avec leurs joies mais aussi avec leurs douleurs, avec leurs peurs. Dans son activité artistique, Barlach remplit sa mission humaine en offrant force et réconfort par la densité et la présence de ses œuvres. Toute son œuvre est clarté et encouragement. Il offre dans chaque œuvre le moment décisif de la pause et de la connaissance de soi'. (Dr Friedhelm Häring, ancien directeur de musée et conservateur) Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, ciselée à la main, polie et patinée. Moulé à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de la fonderie et le poinçon ars mundi. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format env. 32,5 x 9 x 8 cm (h/l/p). Poids env. 3,1 kg. Édition exclusive ars mundi.

La mystique de l'amour : Ernst Barlach 'Kussgruppe I'. Édition exclusive ars mundi, publiée en collaboration avec la Kunsthalle de Brême.L'œuvre d'Ernst Barlach (1870-1938) est marquée par une profonde humanité. Ses représentations de personnes simples évitent l'idéalisation de l'apparence et insistent en même temps sur un idéal d'humanité qui est diamétralement opposé aux temps historiques de la réalité de la vie de l'artiste. Ses personnages en prière, en musique, en quête donnent l'impression d'être traversés par une force spirituelle qui fait d'eux une partie d'un ensemble mystique global. C'est également le cas du Baiser de Barlach, créé en 1921, certainement en réaction à l'œuvre éponyme d'Auguste Rodin. Contrairement à l'œuvre de Rodin, le groupe de sculptures ne souligne pas l'élément de l'éros, mais représente les amants dans une affection qui va bien au-delà. L'intimité avec laquelle ils sont tournés l'un vers l'autre semble être marquée par une longue expérience de vie commune et une confiance inaltérable. L'œuvre montre déjà dans sa structure monolithique une 'dualité' du couple, qui fait apparaître l'amour non pas comme un phénomène érotique éphémère, mais comme une expérience humaine fondamentale quasi mystique - ce ne sont pas Vénus et Adonis, mais Philémon et Baucis qui ont servi de modèle. Sculpture en bronze fin, coulée à la cire perdue, ciselée, polie et patinée à la main. Moulé directement à partir de l'original. Edition limitée à 980 exemplaires, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Publié en collaboration avec la Kunsthalle de Brême. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 19,5 x 19 x 10 cm (h/l/p). Poids 3,2 kg. Édition exclusive ars mundi.'Certaines des œuvres d'art les plus connues de l'époque moderne sont consacrées au baiser - les représentations de Gustav Klimt et d'Auguste Rodin en sont les exemples les plus éminents. Ernst Barlach s'est également intéressé à ce thème. L'homme et toute la gamme de ses émotions sont au cœur de son œuvre. Le groupe de baisers de Brême présente un regard inhabituellement intime sur un couple montrant de l'affection, un regard qui est encore renforcé par le format et le support.' (Prof. Dr Christoph Grunenberg, directeur de la Kunsthalle de Brême)

Ce chef-d'œuvre d'Ernst Barlach, coulé en bronze en 1928, est une icône du modernisme et sans doute l'œuvre sculpturale d'origine allemande la plus représentée au monde. Elle orne la couverture de nombreux livres illustrés et fait partie intégrante de musées et de collections de renommée mondiale, dont le Museum of Modern Art de New York. Dans cette sculpture, nous reconnaissons 'l'infini dans le miroir silencieux de sons clairs, de tons simples' (ainsi Barlach parle-t-il d'une expérience musicale fortuite dans une note du 23 août 1914). L'homme qui chante' illustre de manière exemplaire ce que Barlach formulait pour son credo artistique : 'Ma langue maternelle est la figure humaine, ou le milieu, l'objet par lequel ou dans lequel l'homme vit, souffre, se réjouit, ressent, pense'. À l'occasion du 150e anniversaire de sa naissance, nous avons réalisé une édition limitée à 150 exemplaires de son célèbre 'Homme qui chante' sous forme de grande sculpture, disponible en exclusivité chez ars mundi. Sculpture en bronze fin, coulée à la main selon le procédé de la cire perdue, ciselée et patinée. Moulé directement à partir de l'original et réduit (réduction). Edition limitée à 150 exemplaires dans le monde entier, numérotés individuellement et portant la signature 'E. Barlach' ainsi que le poinçon de fonderie. Édition exclusive ars mundi. Avec certificat d'authenticité et de limitation numéroté. Format 34 x 26 x 40 cm (h/l/p). Poids env. 13 kg.'L'une des créations les plus remarquables et les plus populaires de l'œuvre d'Ernst Barlach est 'L'homme qui chante' de 1928. L'artiste était à l'apogée de sa création. Le motif de base de Barlach est l'homme qui regarde au plus profond de lui-même, jusqu'à l'abîme. L'attitude, le recueillement et la réflexion déterminent ses expressions. L'écoute fait partie du chant. La technique respiratoire et la parole doivent former un arc commun d'où émane la pureté. Le chant, comme tout ce qui est musical, est éphémère. Ce qui frappe l'auditeur, ce n'est pas le chant, le contenu. C'est la succession de notes, la manière, le mélos, l'unicité par laquelle le chant s'insère dans le cosmos comme un maillon d'ordre infini. C'est le moment de connaissance profonde que l'artiste retient dans chaque pli de sa robe, dans tout son corps. Il vibre et résonne à travers la sculpture (personare) et fait de la personne du chanteur l'instrument de quelque chose de plus important.' (Dr. Friedhelm Häring - ancien directeur de musée et conservateur)