"Bronzeskulpturen "Den siddende kvinde" vidner om kunstneren August Mackes store interesse for forskellige kunstneriske teknikker og hans medfølgende glæde ved at eksperimentere med materialer. Den lukkede kropsholdning og det ubestemte blik formidler en indre tilfredshed og ro, som udgår fra den siddende, og som også kommer til udtryk i Mackes tegninger og malerier. Denne grundstemning svarer fuldt ud til kunstnerens idé om paradis og en fredelig eksistens. (Dr. Arnhold, museumsdirektør, LWL-Museum für Kunst und Kultur, Münster) Original: 1912, plasticine, 23 x 17 x 15,5 cm, inv. nr. F-1029 LM, doneret af Macke-arvingerne. Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af teknikken tabt voks, mejslet, poleret og patineret i hånden. Begrænset oplag på 100, nummereret og stemplet med støberiet og ars mundi-stemplet. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænset oplag. Størrelse 23 x 16 x 14 cm (h/b/d). Vægt ca. 4,8 kg. Udgivet i samarbejde med LWL-Museum für Kunst und Kultur, Münster. ars mundi-eksklusivudgave.

Kunstneren Bernhard Hoetger var stilistisk alsidig og elskede at bruge elementer fra fremmede kulturer. Hans portræt af Sent M'Ahesa vidner ikke kun om hans intensive studier af egyptisk kunst, men også om hans imponerende evne til at tilpasse den til nutiden. Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af teknikken med tabt voks, mejslet, poleret og patineret i hånden. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 199 eksemplarer, nummereret og stemplet med støberiets stempel. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Format ca. 25 x 17 x 20 cm (h/b/d). Vægt ca. 3,9 kg. ars mundi exclusive edition. "Den udtryksfulde danserinde Elsa von Carlberg, som i begyndelsen af det 20. århundrede blev kendt under pseudonymet Sent M'Ahesa, kombinerede excentricitet og eksotisme. Ligheden mellem hendes portrætter, som Bernhard Hoetger skabte i 1917, og den berømte buste af Nefertiti er slående. Men hvordan kunne kunstneren have kendt hende? Selv om den allerede var blevet fundet i 1912 i Amarna i det centrale Egypten, blev den først udstillet i Berlin i 1924. Kendte Hoetger fotos af busten, eller var han endda gæst hos James Simon, i hvis hus Nefertiti stod på det tidspunkt? Det er ikke kun på grund af dette uløste mysterium, at Sent M'Ahesas portrætter i dag betragtes som ekspressionismens ikoner. (Dr. Katja Lembke, direktør for Landesmuseum Hannover)

Monginis smukke græske kvinde kombinerer bevægelse og bevægelse på samme tid. Men hun afslører ikke sin hemmelighed: Viser hun løftet fra den skumfødte Afrodite, eller vil hun være symbolet på jordisk ekstase? Original skulptur. Størrelse inkl. sokkel af skalkalksten 84 x 30 x 23 cm (H/B/D). Vægt ca. 42 kg. ars mundi exclusive edition som kunststøbning, støbt i hånden, fint patineret. Begrænset oplag på 299 stk. (samlet begrænset oplag på 398 stk., 99 stk. i bronze), nummereret, signeret og med certifikat.

Det vidunderlige, afdæmpede portræt af søsteren Gerti indeholder stilistiske træk fra både Secession og Schieles ekspressionistiske arbejde. porcelænslignende støbt harpiks, bearbejdet og bemalet i hånden. Højde 30 cm.

En verdensomspændende eksklusivitet på ars mundi: Emil Noldes burmesiske danser Det må have været et stort eventyr for bondedrengen Nolde: Fra begyndelsen af oktober 1913 til sommeren 1914 ledsagede han den "Medicinsk-Demografiske Tyske Ny Guinea Ekspedition". Kunstneren Nolde koncentrerede sig helt om menneskene, han tegnede og akvarellerede dem og var fascineret af deres ritualer. På Java fik han mulighed for at deltage i en kongelig festival. Han, som i sin ungdom var uddannet træskærer, blev så imponeret over danserne og deres optræden, som var kontrolleret ned til den mindste bevægelse, at han brugte sin tid på rejserne på at indfange deres ynde i figurer lavet af brænde fra skibets kabyss. Emil Noldes kærlighed og beundring for de oprindelige folk i de lande, han rejste til, afspejles i den burmesiske dansers lille skønhed. Han overværede en danseforestilling af en særlig slags og nedfældede i sine erindringer, hvad han så. Nolde var så fascineret af denne dans, at han lidt senere tog en snittekniv og formede den yndefulde danserinde ud af et stykke brænde. Den lille dansers øjne er særligt slående; hun er den eneste figur fra Noldes hånd, der bærer funklende granater. Det glæder mig, at den fortryllende burmesiske danserinde efter Java-danserinden nu er blevet gengivet i fremragende kvalitet til et udvalgt publikum for at udbrede kendskabet til denne hidtil stort set ukendte side af Noldes arbejde. (Dr. Christian Ring, direktør for Seebüll Ada and Emil Nolde Foundation)Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af teknikken med tabt voks, mejslet, poleret og patineret i hånden. Støbt direkte efter originalen, gengivet i original størrelse. Delvist 24 karat guldbelagt. Øjne med røde granater. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, nummereret og med signatur og støberimærke. Udgivet i samarbejde med Nolde Foundation Seebüll. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Format 8,5 x 28 x 4 cm (B/H/D). ars mundi exclusive edition.

En verdensomspændende eksklusivitet på ars mundi: Emil Noldes Java-danser Det må have været et stort eventyr for bondedrengen Nolde: Fra begyndelsen af oktober 1913 til sommeren 1914 ledsagede han den "Medicinsk-Demografiske Tyske Ny Guinea Ekspedition". Kunstneren Nolde koncentrerede sig helt om menneskene, han tegnede og akvarellerede dem og var fascineret af deres ritualer. På Java fik han mulighed for at deltage i en kongelig festival. Han var uddannet træskærer i sin ungdom og blev så imponeret over danserne og deres optræden, som var kontrolleret ned til den mindste bevægelse, at han brugte sin tid på rejserne på at indfange deres ynde i figurer lavet af brænde fra skibets kabyss. Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af teknikken med tabt voks, mejslet, poleret og patineret i hånden. Støbt direkte efter originalen, gengivet i original størrelse. Delvist 24 karat guldbelagt. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, nummereret og med signatur og støberimærke. Udgivet i samarbejde med Nolde Foundation Seebüll. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænset oplag. Format 8 x 31 x 7 cm (B/H/D). ars mundi exclusive edition.

Sammen med Nolde Foundation Seebüll var vi i stand til at realisere værket 'Mor med barn' af Emil Nolde, bronzeudgaven af en træskæring i original størrelse. Det næsten rørende værk viser, at han var en skulpturel kunstner af højeste kaliber. "Det er stort set ukendt, at Emil Nolde begyndte sin kunstneriske udvikling som uddannet træskulptør og møbelsnedker. Han var derfor dybt fortrolig med at arbejde med træ, da han tog udskæringsteknikken op igen under sin rejse til Sydhavet i 1913/14. Allerede på rejsen skabte han en lille serie skulpturer, som alle findes i hans efterladenskaber i Seebüll Ada og Emil Noldes Stiftelse. I sit motivvalg koncentrerede han sig om et af de centrale temaer, der kendetegner hans kunst, nemlig mennesket. Han var interesseret i at gengive de underliggende karakterer og træk hos de mennesker, han afbildede, som f.eks. den selvsikre kvinde eller mor og barn i et ømt og intimt forhold. Det er derfor en stor glæde for mig, at endnu en facet af Noldes arbejde bliver kendt af et udvalgt publikum med denne skulptur, der er gengivet i fremragende kvalitet. (Dr. Christian Ring, direktør for Nolde Foundation i Seebüll) Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af tabt voks-teknikken, ciseleret og patineret. Støbt direkte efter originalen og gengivet i den oprindelige størrelse. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, nummereret og signeret med støberiets mærke. Udgivet i samarbejde med Nolde Foundation Seebüll. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænset oplag. Størrelse 23 x 8 x 5 cm (H/B/D). Vægt 1,35 kg. © Nolde Foundation Seebüll

Sammen med Nolde Foundation Seebüll kunne vi realisere værket "Prophet" af Emil Nolde, bronzeudgaven af en træsnitning i original størrelse."Emil Nolde begyndte sin kunstneriske udvikling som uddannet træskulptør og møbelsnedker. Under sin rejse til Sydhavet i 1913/14 tog han udskæringsteknikken op igen og skabte en lille serie skulpturer, hvis elegance viser hans fortrolige håndtering af træ. I 1921 karakteriserede Max Sauerlandt skulpturerne: De er "alle af trælignende enhed af krop og sparsom bevægelse. Under påvirkning af det ædle materiale er de første læreårs lyst til at skære pludselig vågnet igen i en ny form. Noldes "Profet", som oprindeligt også blev kaldt "Præst", hører tematisk til de værker, der beskæftiger sig med religiøse og bibelske temaer. Disse spiller en særlig rolle i Emil Noldes oeuvre, de er blandt højdepunkterne i hans livsværk og betragtes stadig som mesterværker i dag. I sine skildringer følger Nolde ikke Bibelen til punkt og prikke, men beskriver snarere en oplevelse, som han beskriver som værende født dybt inde i ham, sikker og "indre glødende". "Jeg måtte være kunstnerisk fri, ikke have Gud foran mig som en stålhård assyrisk hersker, men Gud inden i mig, varm og hellig som Kristi kærlighed."Jeg er meget glad for, at endnu en facet af Noldes skulpturer bliver kendt af et udvalgt publikum med den fremragende kvalitetsreproduktion af skulpturen "Prophet". (Dr. Christian Ring, direktør for Nolde Foundation i Seebüll)Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks, ciseleret og patineret. Støbt direkte efter originalen og gengivet i den oprindelige størrelse. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret. Basen (lavet af bronze) bærer Noldes signatur og støberiets mærke. eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Nolde Foundation Seebüll. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænset oplag. Format 30 x 6 x 5 cm (H/B/D). Vægt ca. 1 kg. © 2024 Nolde Foundation Seebüll

Det var et eventyr for livet, da Emil og Ada Nolde rejste til Sydhavet på en videnskabelig forskningsekspedition fra 1913 til 1914. Nolde blev fascineret af det tilsyneladende paradisiske landskab, men frem for alt af de lokale, han mødte der. Han producerede adskillige malerier, skitser og tegninger - samt flere skulpturer. Sydhavstemaet kom til at optage Nolde i lang tid efter hans hjemkomst. "Det er stort set ukendt, at Emil Nolde begyndte sin kunstneriske udvikling som uddannet træskulptør og møbelsnedker. Han var derfor dybt fortrolig med at arbejde med træ, da han under sin rejse til Sydhavet i 1913/14 tog udskæringsteknikken op igen. Allerede på rejsen skabte han en lille serie af skulpturer, som alle findes i hans efterladenskaber i Seebüll Ada og Emil Noldes Fond. I sit motivvalg koncentrerede han sig om et af de centrale temaer, der kendetegner hans kunst, nemlig mennesket. Han var interesseret i at gengive de afbildede menneskers underliggende karakter og træk. Det er derfor en stor glæde for mig, at denne skulptur, der er gengivet i fremragende kvalitet, bringer endnu en facet af Noldes arbejde frem i lyset for et udvalgt publikum. (Dr. Christian Ring, direktør for Nolde Foundation i Seebüll) Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks, ciseleret og patineret. Støbt direkte efter originalen og gengivet i den oprindelige størrelse. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret. Basen (lavet af bronze) bærer Noldes signatur og støberiets mærke. eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Nolde Foundation Seebüll. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Format 27,5 x 5,5 x 3 cm (H/B/D). Vægt 1 kg.

Dette mesterværk af Ernst Barlach, støbt i bronze i 1928, er et ikon for modernismen og sandsynligvis det hyppigst afbildede skulpturelle værk af tysk oprindelse i verden. Det pryder forsiden af mange illustrerede bøger og er fast inventar i verdensberømte museer og samlinger, herunder Museum of Modern Art i New York. I denne skulptur genkender vi "uendeligheden i det tavse spejl af klare lyde, enkle toner" (som Barlach skrev om en tilfældig musikalsk oplevelse i et notat dateret 23. august 1914). "Den syngende mand" er et perfekt eksempel på, hvad Barlach formulerede som sit kunstneriske credo: "Mit modersmål er den menneskelige figur eller miljøet, det objekt, gennem eller i hvilket mennesket lever, lider, glæder sig, føler og tænker. For at markere 150-året for hans fødsel har vi produceret et begrænset oplag på kun 150 eksemplarer af hans berømte 'Singing Man' som en stor skulptur, der udelukkende er tilgængelig hos ars mundi. Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks, ciseleret og patineret. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 150 stk. på verdensplan, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberimærket. eksklusiv udgave af ars mundi. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Størrelse 34 x 26 x 40 cm (h/b/d). Vægt ca. 13 kg."Et af de mest fremragende og populære designs i Ernst Barlachs oeuvre er "The Singing Man" fra 1928, hvor kunstneren var på toppen af sin kreative formåen. Barlachs grundmotiv er mennesket, der kigger ind i sit inderste væsen til det afgrundsdybe. Kropsholdning, kontemplation og eftertænksomhed præger hans udtryk. At lytte er en del af det at synge. Åndedrætsteknik og sprog skal danne en fælles bue, hvorfra der udgår renhed. Sang er som al musik flygtig. Det, der rammer lytteren, er ikke sangen, indholdet. Det er tonernes rækkefølge, måden, melodien, det unikke i, at sangen slutter sig til kosmos som en del af en uendelig orden. Det er det dybe øjeblik af erkendelse, som kunstneren indfanger i hver eneste fold af sin kappe, i hele sin krop. Det giver genlyd og resonans gennem skulpturen (personare) og gør sangerens person til instrument for noget mere betydningsfuldt. (Dr. Friedhelm Häring - tidligere museumsdirektør og kurator)

Ernst Barlach og tankeværket Barlachs 'Sinnender' blev skabt i 1934, som også var et år med store omvæltninger og vigtige beslutninger for ham. Selv om Barlach i første omgang viste sin vilje til at indordne sig under det nazistiske kunstsystem ved at underskrive "Aufruf der Kulturschaffenden" ("De skabende kunstneres opråb"), voksede kritikken af ham fra netop disse kredse, som havde været højlydt i nogen tid, i en sådan grad, at hans første værker blev fjernet fra offentligheden. Hans "Wanderer in the Wind" - også fra 1934 - tolkes i dag som det værk, hvor han endelig tog et opgør med regimet. I den henseende symboliserer hans "Sinnender" også en pinefuld proces: en ung mand, der kan se anstrengelsen ved at tænke, fordi han bliver bedt om at træffe en betydningsfuld beslutning. Skulpturen "Den kontemplative II": Fingerspidserne placeret mod kinden og dybt fordybet i tanker: Barlachs "Kontemplative" viser tænkning som et stærkt koncentreret arbejde. Støbt i hånden ved hjælp af tabt voks-teknikken og patineret. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberimærket. eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Ernst Barlach Gesellschaft. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Størrelse 8 x 34,5 x 5,5 cm (B/H/D). Vægt 2,5 kg. "For mig legemliggør 'Der Sinnende' den store visdoms stilhed i sin positur. Kroppens let svulmende runde form understreges kun af fire lange folder. Den venstre hånd, der er løftet op til hagen, fremstår som en aktivt løftet gestus af kontemplation og introspektion, mens den højre hånd snarere er inaktivt trukket ind i kappens skal. Skrøbelig og følsom fremstår "den kontemplative" som den kontemplative eksistens par excellence. Han synes at være en person, der er afhængig af ekstern, måske højere hjælp. Han dømmer ikke, han dømmer ikke, han bevidner blot sin eksistens. Spiritualitet og religiøs aura gennemsyrer hele hans fremtoning. (Dr. Jürgen Doppelstein, Ernst Barlach Society)

Barlach lader denne dreng med flad hat og knælang kappe sidde på en rund sten og spille fløjte hengivent og helt opslugt af sit spil, med lukkede øjne, helt i ét med sit instrument. På den måde flyder det åndelige, det musikalske og stenens jordiske tyngde sammen i billedværket. I strømmen af linjer og glidende overflader er dette værk en realisering af en fløjtemelodi i skulpturel form. Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks og patineret. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberimærket. eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Ernst Barlach Gesellschaft. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Format 19 x 28 x 11 cm (B/H/D). Vægt ca. 3,6 kg.

"Ernst Barlachs skulptur markerer begyndelsen på en afgørende stilændring i hans arbejde, som kunstneren løbende forfinede og fastholdt indtil sin død i 1938. Det er også et vigtigt samtidsdokument om de herskende systemers forfald. Efter en kort udstationering som soldat i 1915/16 var Barlach traumatiseret og orienteret mod religiøs søgen. Temaer om krig og kamp cirkulerer og gærer i hans bevidsthed. Hans ekspressive figurer bliver dog mere og mere selvstændige på ydersiden. Alt ornamentalt og dekorativt er fjernet. De skulpturelle accenter er begrænset til det allermest nødvendige. De til tider livlige linjer i tøjet, som i "Barnevognen" fra 1912, bruges til at understrege en indre følelse, også i afbildningen af ansigtet og hænderne. Skulpturen bliver et udtryk for bevidsthed, en overbevisende kraft og styrke. Den frysende pige er et fremragende eksempel på den nye empatiske stil. Figuren vokser opad fra den næsten kvadratiske sokkel, ubevægelig som en søjle, i skulpturelle rytmer. Under den varmende kappe af tungt stof klemmer hænderne ansigtet ind til kinderne. De holder det som en juvel. Ansigtsmasken viser mund, næse, øjne og bryn, men virker lukket og lytter indad. Det virker, som om hun kan høre rystelserne i menneskehedens maskineri på jorden bag de lukkede øjne. Chokket får hende til at fryse. Hendes hjerte bliver koldt, når hun tænker på de millioner af mennesker, som krig og revolution har fortæret og vil fortære. Man kan bekæmpe minusgraderne med varme, motion og tykt tøj, hvis man har det. Det er svært at finde et middel mod det kolde hjerte, der er frosset af krig, ensomhed og uvidenhed. Pigens kropsholdning i Barlachs værk understreger pausen, kontemplationen, fordybelsen, og her er kunstneren helt sammen med menneskene, med deres glæder, men også med deres smerte, med deres frygt. I sit kunstneriske arbejde opfylder Barlach sin menneskelige mission om at give styrke og trøst gennem sine værkers levende tæthed og nærvær. Hele hans oeuvre er klarhed og opmuntring. I hvert værk giver det det afgørende øjeblik med pause og selverkendelse. (Dr. Friedhelm Häring, tidligere museumsdirektør og kurator) Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af teknikken med tabt voks, mejslet, poleret og patineret i hånden. Støbt efter originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, nummereret og med signaturen "E. Barlach' samt støberiets og ars mundi-stemplet. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Størrelse ca. 32,5 x 9 x 8 cm (h/b/d). Vægt ca. 3,1 kg. ars mundi exclusive edition.

Mindesmærke og udtryk for venskab: Den svævende mand Et af Ernst Barlachs mest berømte værker, den svævende mand, blev skabt som et mindesmærke for ofrene for Første Verdenskrig og hang som sådan i en niche i Güstrows domkirke fra 1927-1937. Men det er også et mindesmærke for venskab på to måder: som en komplet skulptur (catalogue raisonné 425) og som en detaljeret afstøbning af "Head of the Güstrow Memorial of Honour" (catalogue raisonné 426). Vi kan takke Barlachs venner for, at den komplette skulptur stadig eksisterer. Kort efter kunstnerens død i 1938 fik de lavet en ny afstøbning baseret på den eksisterende model og gemte den, efter at "Den svævende mand" var blevet klassificeret som "degenereret" af de nazistiske myndigheder i 1937, fjernet fra katedralen og til sidst endda smeltet om. Den hænger nu i Antoniterkirche i Köln og kunne igen bruges til at lave en ny afstøbning til sin oprindelige placering. Barlachs mesterværk vendte således tilbage til Güstrower Domkirke i 1953 og har siden da mindet ofrene for verdenskrigene 1914-1918 og 1939-45, med datoerne indgraveret i sten under sig. "Hovedet af Güstrower Ehrenmal", Barlachs detaljerede afstøbning fra 1930, er også et dokument over et direkte kunstnerisk venskab. Ansigtstrækkene er helt klart - om end "utilsigtet", som Barlach senere hævdede - hans kunstnerveninde Käthe Kollwitz'. Hendes arbejde blev også udstødt i det nationalsocialistiske Tyskland. I 1936 blev hendes værker fjernet fra udstillingen på Berlin-akademiet. Fra da af var hun praktisk talt ikke længere til stede som kunstner. Set i bakspejlet virker "Head of the Güstrow Monument of Honour" som et forvarsel om en fælles skæbne: Det er portrættet af en kunstner, som Barlach beundrede som en ven, og som ligesom ham snart gik svære tider i møde. Det særlige ved denne udgave: lavet af fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse. Begrænset til 980 eksemplarer, individuelt nummereret, med støberimærke. eksklusiv udgave fra ars mundi, udgivet i samarbejde med Ernst Barlach Gesellschaft. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Version på en stensokkel. Detailafstøbning af 'Schwebender' (WVZ 244, 1927), først udført i 1930 (WVZ 426). Monteret på en stensokkel. Størrelse med sokkel 22,5 x 28 x 19 cm (B/H/D), vægt 5,75 kg.

Kærlighedens mystik: Ernst Barlachs 'Kussgruppe I'. ars mundi exclusive edition, udgivet i samarbejde med Kunsthalle Bremen Ernst Barlachs (1870-1938) værker er kendetegnet ved en dyb menneskelighed. Hans skildringer af almindelige mennesker undgår idealisering af det ydre og insisterer samtidig på et ideal om menneskelighed, der står i diametral modsætning til det historiske forløb i kunstnerens liv. Hans bedende, musikalske, søgende figurer synes at være gennemsyret af en åndelig kraft, der gør dem til en del af en overordnet, mystisk helhed. Det gælder også Barlachs Kys, som sikkert også blev skabt i 1921 i dialog med Auguste Rodins værk af samme navn. I modsætning til Rodins værk fremhæver skulpturgruppen ikke Eros-elementet, men skildrer de elskende i en hengivenhed, der går langt ud over dette. Den intimitet, hvormed de vender sig mod hinanden, synes at være præget af en lang fælles livserfaring og en ubrydelig tillid. Selv i sin monolitiske struktur viser værket en 'tosomhed' hos parret, der afslører kærligheden ikke som et flygtigt erotisk fænomen, men som en næsten mystisk grundlæggende menneskelig erfaring - ikke Venus og Adonis, men Filemon og Baucis var inspirationen her.skulptur 'Kussgruppe I': Original: malet gips. Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af tabt voks-teknikken, mejslet, poleret og patineret i hånden. Støbt direkte fra originalen. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberiets mærke. Udgivet i samarbejde med Kunsthalle Bremen. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Størrelse 19,5 x 19 x 10 cm (h/b/d). Vægt 3,2 kg. ars mundi exclusive edition. "Nogle af de mest berømte værker i moderne kunst er dedikeret til kysset - Gustav Klimts og Auguste Rodins afbildninger er de mest fremtrædende eksempler. Ernst Barlach udforskede også dette tema. I centrum for hans arbejde står mennesket og hele dets følelsesregister. Kyssegruppen fra Bremen præsenterer et usædvanligt intimt billede af et par, der viser kærlighed, hvilket yderligere understreges af formatet og mediet. (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, direktør for Kunsthalle Bremen)

Ernst Barlachs 'De helliges fællesskab': Symboler for den menneskelige eksistensErnst Barlach var højt anerkendt som forfatter og billedhugger af figurative skulpturer langt op i 30'erne. I 1925 blev han æresmedlem af kunstakademiet i München. I denne periode skabte han også forskellige monumentale mindesmærker, som en dag ville opnå verdensberømmelse, herunder "Güstrow Memorial", den berømte "svævende engel" i Güstrow Domkirke. I 1934 vendte skuden imidlertid. Barlach, der nu var i sit sjette årti, måtte opleve, hvordan hans værker blev diffameret som "degenererede" og forsvandt fra museerne. De æresmonumenter, han designede, blev ødelagt, "Den svævende mand" fra Güstrow-katedralen blev endda smeltet om - og hvis ikke venner havde skjult en anden afstøbning indtil krigens afslutning, ville værket være gået tabt i dag. Situationen er den samme med skulpturerne 'Kvinden i vinden' og 'Sangeren'. De blev konfiskeret sammen med omkring 380 andre værker af Barlach. Deres redningsmand var også deres mæcen: Carl Georg Heise, museumsdirektør i Lübeck. I 1929 havde han opfordret Barlach til at designe et ensemble af skulpturer med titlen "Helgenernes fællesskab" til vestfacaden på Sankt Katharinakirken i Lübeck. Der skulle være 16, men kun tre blev realiseret mellem 1930 og 1932: "Tiggeren", "Sangeren" og "Kvinden i vinden". Yderligere tre figurer: "Den bundne", "Pilgrimmen" og "Hornblæseren" er bevaret i foreløbige modeller. Carl Georg Heise blev afskediget i 1933, men fik de tre eksisterende figurer som privat ejendom. I 1939, året efter Barlachs død, blev de overdraget til ham, og således overlevede de krigstiden "i kasser [...] under verandaen i min svigermors hus", som han senere berettede. Det var først i 1947, at de endelig fandt vej til de dertil indrettede nicher i St Catherine's Church. Den gotiske kirkes rumlige effekt og nichernes snæverhed bestemte Barlachs formkoncept. Nærheden til den middelalderlige skulptur er umiskendelig, men Barlach skabte ikke helgenfigurer i den kristne ikonografi, men snarere symboler på den menneskelige eksistens og "lidende og forvandlede menneskeskikkelser, der står over for verden, og som hver på sin måde kæmper med sin Gud" (Carl Georg Heise). Skulptur 'Kvinde i vinden': Det plisserede tøj, der omslutter kroppen, karakteriserer den stående unge kvindes kropslighed og koncentrerer blikket om hovedet, der fungerer som det eneste udtryksmiddel. Bronze efter en reduceret model fra 1931, støbt i hånden ved hjælp af tabt voks-teknikken og patineret. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberimærket. eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Ernst Barlach Gesellschaft. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Format 7,3 x 32 x 5,5 cm (B/H/D), vægt 1,95 kg.

Barlach, en af hovedrepræsentanterne for den tyske ekspressionisme, er berømt for sine træ- og bronzeskulpturer. Temaet med de læsende munke optog ham allerede i 1921. I bronzeværket fra 1932, som der også fandtes en træversion af, fremhæver han udtrykskraften i kappernes lineære folder ved at reducere og svejse blokken af siddende figurer sammen. Han var inspireret af kunsten i det 14. århundredes Firenze samt skulpturer og malerier af mesteren Bertram (1345-1415), som i alteret fra 1379 i Hamburger Kunsthalle udviser en oprindelig, levende fortælleevne. Barlachs avantgardevision forsøgte at genskabe denne grundlæggende kraft. Træversionen blev latterliggjort af nationalsocialisterne i 1937 i München på udstillingen "Degenerate Art". Barlachs arbejde overlevede, blev anerkendt over hele verden og er repræsenteret i de vigtigste samlinger. Skulptur "Læsende munke III": Drevet af medmenneskelighed og socialt engagement fører Barlachs kreative kraft til koncentration og internalisering. Den fugeagtige behandling af hans overflader i forbindelse med de foldede kurver er som at trække vejret ind og ud, en vital samhørighed. Den cirkel, der åbner sig i skulpturen fra den venstre munks hoved over skulderen og armen til den åbne bog, fortsætter til den højre munks arm og lukker sig i skulder- og hovedhældningen. Kommunikationen mellem personerne og bogen lever i denne cirkel. De har læst og forstået. I den formanende stilhed uden for livets flygtige proces er de kommet til hvile. Vi genkender de fine nuancer af designet balance i de foldede hænder på munken til højre, der svæver som et symbol foran to af skålens folder. Barlachs værk bliver sandhedens mund. "Jeg anbefaler dette værk som et vigtigt samtidsdokument, som vi kan blive ærbødige over for. Dets store potentiale i dag er at vise en vej væk fra hverdagens fashionable og trivielle fornemmelser til essensen af at være menneske: At stille spørgsmål, erkende og drage konklusioner for at opdage sig selv. De læsende munke III er et eksempel. De illustrerer den appel og trøst, der kommer fra bøger. Glæde og dybde i forståelsen af verden kan opstå fra et digt, som de gør fra denne skulptur. I sine former giver Barlach os en del af skabelsens uendelige sammenhæng, forudsætningerne for at nærme sig meningen med livet. Det er det religiøse aspekt af hans kunst, kærligheden. (Dr. Friedhelm Häring, tidligere museumsdirektør og kurator)Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af teknikken med tabt voks og mejslet, poleret og patineret i hånden. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen "E. Barlach' og støberimærket. eksklusiv udgave af ars mundi. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Størrelse 22 x 16,5 x 14 cm (h/b/d), vægt 4,2 kg.

Bronze efter en afstøbning fra 1932, som blev vist offentligt for første gang på udstillingen 'Living German Art' i Berlin i 1933. Rejsen til Rusland i 1906 havde frigjort nye, formbevidste energier i Barlach, som i høj grad kom til at præge hans videre kunstneriske arbejde. Med de russiske tiggerskulpturer lagde han således grunden til sit videre skulpturelle arbejde. 'Den russiske tigger II' er en meget udtryksfuld, meditativ figur. Formen er indrammet af ryggens bredt svungne omrids, som kun åbner sig gennem den fremstrakte hånd. På den måde er hovedet, der er bøjet i ydmyghed eller skam, forbundet med den udstrakte hånd i bøn og bliver et udtryk for en proces, der både er åndelig og fysisk. Denne hånd formulerer ikke et krav, men et behov og en anmodning om materiel og åndelig næring. Barlach beskriver betydningen af sine tiggerfigurer som "symboler på den menneskelige situation i dens nøgenhed mellem himmel og jord". Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks og patineret. Direkte afstøbt fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberimærket. ars mundi eksklusiv udgave. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Format 14,5 x 26 x 11,5 cm (h/b/d). Vægt 3,4 kg.

Ernst Barlachs 'De helliges fællesskab': Symboler for den menneskelige eksistensErnst Barlach var højt anerkendt som forfatter og billedhugger af figurative skulpturer langt op i 30'erne. I 1925 blev han æresmedlem af kunstakademiet i München. I denne periode skabte han også forskellige monumentale mindesmærker, som en dag ville opnå verdensberømmelse, herunder "Güstrow Memorial", den berømte "svævende engel" i Güstrow Domkirke. I 1934 vendte skuden imidlertid. Barlach, der nu var i sit sjette årti, måtte opleve, hvordan hans værker blev diffameret som "degenererede" og forsvandt fra museerne. De æresmonumenter, han designede, blev ødelagt, "Den svævende mand" fra Güstrow-katedralen blev endda smeltet om - og hvis ikke venner havde skjult en anden afstøbning indtil krigens afslutning, ville værket være gået tabt i dag. Situationen er den samme med skulpturerne 'Kvinden i vinden' og 'Sangeren'. De blev konfiskeret sammen med omkring 380 andre værker af Barlach. Deres redningsmand var også deres mæcen: Carl Georg Heise, museumsdirektør i Lübeck. I 1929 havde han opfordret Barlach til at designe et ensemble af skulpturer med titlen "Helgenernes fællesskab" til vestfacaden på Sankt Katharinakirken i Lübeck. Der skulle være 16, men kun tre blev realiseret mellem 1930 og 1932: "Tiggeren", "Sangeren" og "Kvinden i vinden". Yderligere tre figurer: "Den bundne", "Pilgrimmen" og "Hornblæseren" er bevaret i foreløbige modeller. Carl Georg Heise blev afskediget i 1933, men fik de tre eksisterende figurer som privat ejendom. I 1939, året efter Barlachs død, blev de overdraget til ham, og således overlevede de krigstiden "i kasser [...] under verandaen i min svigermors hus", som han senere berettede. Det var først i 1947, at de endelig fandt vej til de dertil indrettede nicher i St Catherine's Church. Den gotiske kirkes rumlige effekt og nichernes snæverhed bestemte Barlachs formopfattelse. Nærheden til den middelalderlige skulptur er umiskendelig, men Barlach skabte ikke helgenfigurer i den kristne ikonografi, men snarere symboler på den menneskelige eksistens og "lidende og forvandlede menneskeskikkelser, der står over for verden, og som hver på sin måde kæmper med sin Gud" (Carl Georg Heise). Skulpturen "Der Sänger (Singender Klosterschüler)": I en strengt oprejst stilling og med et musikbånd i hænderne hæver den unge munk sin stemme. Blikket drages mod ansigtet - det er fuldt af koncentration og hengivenhed, hvad enten det er til Gud eller til musikkens guddommelige kraft. Bronze efter en reduceret model fra 1931, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks og patineret. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberimærket. eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Ernst Barlach Gesellschaft. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Størrelse 7,5 x 33 x 5 cm (B/H/D), vægt 2,2 kg.

"Da Ernst Barlach skabte sin figur 'Teaching Christ' i 1931, tog han fat på et af hovedtemaerne i den vestlige kunsthistorie ved at skildre Frelseren. Barlach skildrer Guds søn som en mand blandt mennesker. Den "undervisende Kristus" er iført en enkel kappe; han er ikke tronende, men sidder i en afslappet, åben stilling og udstråler empati og hengivenhed. Skulpturens design og struktur har til formål at sikre, at beskueren bogstaveligt talt møder Kristus og hans kærlighed til menneskeheden i øjenhøjde. 'Teaching Christ' blev først støbt i bronze i 1938, syv år efter at den blev skabt. Og det var først efter Anden Verdenskrig, at i alt 14 store figurer støbt efter originalen fandt vej til kirker - i Güstrow, i Rostock, i Hamborg i Christuskirche, men også i Stedelijk i Eindhoven og i Israel Museum i Jerusalem. (Dr. Friedhelm Häring, tidligere museumsdirektør og kurator) Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af teknikken med tabt voks, mejslet, poleret og patineret i hånden. Støbt efter originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, nummereret og med signaturen "E. Barlach' samt støberiets og ars mundi-stemplet. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Størrelse 28 x 13 x 10,5 cm (h/b/d). Vægt ca. 2,9 kg. ars mundi exclusive edition.

Ernst Barlachs boglæser - en milepæl i modernismenLæsermotivet er et centralt motiv i Barlachs arbejde, som han allerede tematiserede i litografiet "Wem Zeit wie Ewigkeit und Ewigkeit wie Zeit, der ist befreit von allem Leid" fra 1916 og i en kultegning fra 1922. Motivet fik en særlig tæthed i foråret 1936 i skulpturen "The Book Reader". "Boglæseren" er helt fordybet i sin læsning og udstråler koncentration og meditativ harmoni. Han lever i sin verden: "Hans ryg, der ligner en kugleskal, fungerer som et skjold, der holder distraktioner ude og beskytter læserens intimitet og ensomhed, forudsætningerne for al intellektuel stræben". Bertolt Brecht var begejstret for Ernst Barlachs mesterlige skildring af den læsende mand og beskrev værket således: "En siddende mand, foroverbøjet, holder en bog i sine tunge hænder. Han læser nysgerrigt, selvsikkert og kritisk. Han leder tydeligvis efter løsninger på presserende problemer i bogen (...) Jeg kan bedre lide 'Boglæseren' end Rodins berømte 'Tænkeren', som kun viser, hvor svært det er at tænke. Barlachs skulptur er mere realistisk, mere konkret..." "The Book Reader" er et af Ernst Barlachs mest kendte og vigtigste værker. Originale afstøbninger i bronze findes bl.a. i Neue Nationalgalerie i Berlin, Staatliches Museum Schwerin og Stiftung Schleswig-Holsteinische Landesmuseen Schloss Gottorf. Kunstnerens 150-års fødselsdag i 2020 var en særlig anledning for os til at udgive en jubilæumsudgave af "Book Reader" i dette imponerende format i et eksklusivt oplag på 150 eksemplarer. Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af lost wax-teknikken, mejslet, poleret og patineret i hånden. Taget direkte fra originalen og reduceret i størrelse. Begrænset oplag på 150 eksemplarer, nummereret og med signaturen 'E. Barlach' samt støberiets og ars mundi-stemplet. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Størrelse ca. 41 x 19 x 29 cm (h/b/d). Vægt ca. 14,4 kg. ars mundi exclusive edition.

"Genforeningen" er et af de epokegørende værker inden for moderne skulptur: Den dybe menneskelighed, der kendetegner Barlachs arbejde, går ud over den bibelske scene, der er afbildet her. Det handler i øvrigt om et øjenvidne: Thomas - på aramæisk kunne hans navn oversættes til 'tvilling' - møder Kristus, hvis opstandelse han ifølge den bibelske beretning først ville tro på, da han kunne se ham med sine egne øjne og stikke fingrene i hans sår. Barlach iscenesætter genkendelsens sekund og viser erkendelsens øjeblik og opstandelsen mod sandheden. Han har dermed skabt mere end en kristen ikonografi. Den inkarnerede Gud er menneskets "tvilling", hans medfølelse er broderlig. Og i denne erkendelse af Guds søns menneskelighed ligger både et håb og en opgave - kravet om menneskelighed. Dette begrænsede oplag blev skabt i tæt samarbejde med Ernst Barlach Society. Skulpturen er støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af tabt voks-teknikken. Størrelse 14 x 33 x 8,5 cm (B/H/D). Vægt ca. 3 kg. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberiets mærke. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat.

"Det var en landsmand, som rejste mellem Güstrow og Rostock. Han sad over for mig med sin mægtige krop så ubevægelig, at vores knæ rørte hinanden, der var ikke tale om at tegne. Jeg havde intet andet valg end at tegne ham, indtil jeg endelig havde lært ham udenad. Sådan beskriver Ernst Barlach sit møde med den medrejsende, der senere skulle stå model til hans skulptur. En moden mand trasker mod vinden med hænderne foldet på ryggen. Skulpturen minder om Goethes gehejmeråd. Man kunne også tænke på den store Ludwig van Beethoven, som iført overfrakke bevæger sig gennem gaderne i Wiens historiske centrum. Begge mødte vinden og mange storme med mod og en ånd af modsigelse gennem hele deres liv. Barlach var ligesom Goethe og Beethoven en lidenskabelig vandrer. At fortsætte på hans vej gennem livet er kun i undtagelsestilfælde en gåtur. Med øjnene søgende i det fjerne og fløjtende en trodsig melodi trodser Barlachs vandrer alt. Hans rollator er afklaret hele vejen igennem. Han kommer ikke på afveje. Han holder stand mod vinden. Han udstråler stor nødvendighed. Den formidler en imponerende erkendelse, styrke og kraft. Barlachs barnevogn går sine egne veje, upåvirket af generationernes ideer, tidsånden og moden. (Dr. Friedhelm Häring - tidligere museumsdirektør og kurator) Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af tabt voks-teknikken, mejslet og patineret. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen "E. Barlach' og støberimærket. ars mundi eksklusiv udgave. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Størrelse 28 x 13,5 x 9,5 cm (h/b/d). Vægt 4,8 kg.

Barlachs 'Zweifler' blev skabt i 1931, da udstødelsen allerede var under opsejling. Barlach blev gentagne gange hårdt angrebet af nationalsocialistiske kredse. Figuren af manden, der er sunket i knæ og beder om hjælp, er en mand i nød og udtrykker måske også Barlachs tvivl om den humanistiske kraft i hans kunst. Det har dog sin tidløse gyldighed som en imponerende skildring af tvivl, usikkerhed og sandsynligvis også fortvivlelse som en menneskelig tilstand.skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks og patineret. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberimærket. eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Ernst Barlach Gesellschaft. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Størrelse 17 x 31 x 11,5 cm (B/H/D), vægt 2,3 kg.