Ernst Barlachs mesterværk Der er ingen tvivl om, at Ernst Barlach var en af ekspressionismens mest fremtrædende personligheder og en af de vigtigste kunstnere fra Tyskland. Han satte altid mennesket i centrum for sit kunstneriske arbejde, som i hans "Krautpflückerin", en simpel kvinde, der arbejder i marken og bøjer sig ned for at plukke engplanter. Denne skulptur, der blev skabt i 1894, var Barlachs mesterværk: Den var en del af hans afsluttende eksamen på kunstakademiet i Dresden i 1895; samtidig udstillede han den som sit første værk på den store kunstudstilling i Berlin i 1898. Skulptur "Die Krautpflückerin": Original: indfarvet gips. Fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks og patineret. Direkte afstøbt fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen "E. Barlach' og støberimærket. eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Ernst Barlach Gesellschaft. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Format 21 x 22,5 x 14 cm (B/H/D), vægt 2,5 kg. "Jeg er altid fascineret af Ernst Barlachs 'Krautpflückerin'. Med dette værk kastede billedhuggeren et nyt blik på menneskers hverdagsliv og gav dermed ikke kun skulpturen i Tyskland en ny impuls, men også en ny betydning. Med dette værk begyndte han at bringe almindelige mennesker, de såkaldte folk på gaden, tilbage i kunstens virkelige visuelle synsfelt. (Dr. Jürgen Doppelstein, formand for Ernst Barlach Society)

Barlach skabte det imponerende værk "Wanderer in the Wind" i 1934, som er et af hans vigtigste, mest populære og bedst beskrevne værker. Igennem årtierne i Barlachs oeuvre bliver menneskets skæbne åbenbaret for beskueren i karakteristiske, grundlæggende følsomheder. Alle værkerne er fyldt med dyb eftertænksomhed, kærlig menneskelighed, refleksion og kontemplation, og "Vandreren i vinden" holder bogstaveligt talt stand mod den storm af ødelæggelse, som Barlachs værker blev udsat for fra 1934 og fremefter. Skulpturen er baseret på en tegning fra 1927, som kunstneren overførte én til én. Han holder hætten på hovedet med venstre hånd og lukker kappen foran midten af sin krop med højre. Den venstre side illustrerer den dynamiske bevægelse fremad gennem en fold i kappen, som understreger det støttende ben, hvorfra kraften til det næste skridt kommer. Den højre side med en sokkel og folder i kappen er mere stille, mere reflekterende, som om de tanker, der gør opbruddet nødvendigt, er opstået her fuld af længsel, og vandrerens ansigt og udtryk er af særlig betydning. Det viser en vilje til at kæmpe og beslutsomhed. Skulpturen bliver et monument over mod, modstand og selvtillid. Værket "Wanderer in the Wind" er et desperat insisterende engagement i frihed og modstand. Det er det, der gør værket så usædvanligt værdifuldt og desværre tidløst aktuelt. (Dr. Friedhelm Häring, tidligere museumsdirektør og kurator) Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af tabt voks-teknikken og mejslet, poleret og patineret i hånden. Støbt efter originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Åben bagside. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberiets mærke. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Størrelse 33 x 16 x 5 cm (h/b/d). Vægt 2,6 kg. ars mundi exclusive edition.

Barlachs massive træskulptur "Dreaming Woman" fra 1912 er et kunstværk med en enorm karisma. Kvindefiguren ligger der, uvidende om verden, med knæene let trukket op, øjnene lukket, hovedet lænet afslappet tilbage med bløde ansigtstræk og hænderne hvilende i skødet - et symbol på den største sindsro. Barlach beskæftigede sig med drømme og drømmere flere gange i denne periode, og på tærsklen til Første Verdenskrig var det et næsten typisk motiv i mange dele af kunsten. I modsætning til hans "Dreamer" fra samme år er der dog ikke spor af desperat forudanelse eller frygtindgydende usikkerhed i "Dreaming Woman": Den (dag)drømmende figur er helt i fred med sig selv, tilsyneladende uangribelig af alle verdens farer. Som alle Barlachs skulpturer lever "Dreaming Woman" af den mesterligt iscenesatte kontrast mellem en strengt reduceret form og en stærk følelsesmæssig oplevelse. Formen på hans skulpturer, kommenterede Barlach engang lakonisk, "svarer til de bløde bølger i det mecklenburgske landskab" - billedhuggerens store kunst ligger imidlertid i at skabe komplekse sjælelige landskaber for øjnene af beskueren i dette næsten oprindeligt beherskede formsprog. Skulptur i fin bronze, støbt og patineret i hånden ved hjælp af den tabte voksteknik. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberimærket. eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Ernst Barlach Gesellschaft. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Størrelse 31 x 14,5 x 11,5 cm (B/H/D), vægt ca. 3 kg.

Mod alle odds: Ernst Barlachs 'Hyrde i stormen'. eksklusiv udgave fra ars mundi, udgivet i samarbejde med Kunsthalle Bremen. Ernst Barlach er en af de vigtigste repræsentanter for realismen og ekspressionismen. Hans uddannelse førte ham til Hamborg, Dresden og Paris. Efter en rejse til Rusland i 1907, som havde en formativ indflydelse på ham, skabte han sine første træskulpturer og bronzefigurer, som er blandt hans mest kendte værker i dag, og hvor han indarbejdede sine indtryk af russisk folkekunst. Blandt dem er figuren 'Hyrden i stormen' fra 1908, som oprindeligt blev udført i lindetræ og var Barlachs første store træskulptur. Den skæggede hyrde støtter sig til vinden med bøjet hoved og går energiske skridt. Med sin højre hånd presser han sin flade hat ind i panden, med sin venstre trækker han kanten af sin brede, bløde frakke tæt ind til kroppen. Tæt i hælene på ham følger en hund, der søger ly mellem hyrdens ben og under den bølgende spids af hans frakke. Barlach havde allerede forberedt motivet et år tidligere i en foreløbig tegning, som nu er i privat eje. I skulpturen smelter manden og dyret sammen på den næsten ovale sokkel og danner en trekantet komposition, der synes at skubbe sig frem som stævnen på et skib mod vindens modstand. Pelsens blødt svajende konturer giver liv til den lukkede struktur i gruppen af figurer. Selv i sine tidlige værker var Barlach optaget af mennesker og deres levevilkår. Skulpturen "Hyrden i stormen" er den første i en række værker af Barlach, der viser mennesket i konfrontation med ydre kræfter, hvorved han forstod storm og vind som et udtryk for overmenneskelige kræfter. Bremen-maleren og mæcenen Leopold Biermann erhvervede skulpturen i 1908 på den 16. udstilling i Berlin Secession og donerede den til Kunsthalle Bremen. 'Hyrden i stormen' blev dermed det første værk af Barlach, der kom ind i en offentlig kunstsamling. Skulptur 'Hyrden i stormen': Original: Fin bronze, støbt ved hjælp af tabt voks-teknikken, mejslet, poleret og patineret i hånden. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen "E. Barlach' og støberimærket. eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Kunsthalle Bremen. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Størrelse 27,5 x 25 x 13 cm (h/b/d). Vægt 4,8 kg. "Kunsthalle Bremen ejer en af de mest omfattende samlinger af den ekspressionistiske billedhugger Ernst Barlach, med mange vigtige skulpturer og hele hans grafiske produktion. Vi er derfor glade for at kunne dele en reproduktion af hans hovedværk 'Shepherd in the Storm' med verden. Den udskårne træskulptur blev skabt i 1908 og doneret til museet blot et år senere. For mig symboliserer den den universelle idé, at forhindringer er en del af livet. Den nemme vej er ikke altid den rigtige, hvis man vil nå sine mål eller opfylde sine pligter. (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, direktør for Kunsthalle Bremen)

"Ernst Barlach skabte en fjerdedel af sit skulpturelle arbejde i træ. Gotiske træskulpturer er simpelthen åbenbaringer for mig", sagde han allerede i 1909. Barlach skar sin næsten livsstore "Læsende klosterelev", 114,8 cm høj, ud af egetræ i 1930. Figuren, som nu står i Gertrudenkapelle i Güstrow, er en del af en serie af værker af læsende munke. Den majestætiske blok af hans figur kan nu også opleves som en eksklusiv udgave af ars mundi i den mindre bronze. Barlach tog især to grundlæggende erfaringer med sig fra sin rejse til Rusland, som er væsentlige i alle genrer af hans arbejde. Det er mennesket, skæbnesvangert forbundet med jorden, selv som en plante af jorden. Så er der det vandrende, søgende menneske, det indadvendte og lyttende menneske. I sin skulptur skildrer Barlach denne forvandling fra jordens tyngde til det åndelige. Det er ethvert menneskes mulige forvandling, og det er grundtonen i hans imponerende værk "Læsende klosterelev". Her sidder en ung mand, som får den bedst mulige uddannelse på en klosterskole, med næsten lukkede øjne, fordi han kun kan finde svarene på sin søgen efter mening i sig selv. Det ord, han har læst, er ikke gået ham forbi. Det er kommet tæt på ham, er trængt ind i hans form og hans ansigt som den virkelige mening med hans eksistens, som det solide, det ubrydelige. Den læsende klosterelev har grebet sandhedens ord i et øjeblik af et verdenssekund, det spørgsmål, der muligvis vil bestemme hele hans liv, hvem er du?" (Dr. Friedhelm Häring, tidligere museumsdirektør og kurator)Skulptur i fin bronze, støbt i processen med tabt voks og mejslet, poleret og patineret i hånden. Støbt efter originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen 'E. Barlach' og støberiets mærke. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Størrelse 24 x 15,5 x 9 cm (h/b/d). Vægt ca. 4 kg. ars mundi exclusive edition.

Mindesmærke og udtryk for venskab: Den svævende mand Et af Ernst Barlachs mest berømte værker, den svævende mand, blev skabt som et mindesmærke for ofrene for Første Verdenskrig og hang som sådan i en niche i Güstrows domkirke fra 1927-1937. Men det er også et mindesmærke for venskab på to måder: som en komplet skulptur (catalogue raisonné 425) og som en detaljeret afstøbning af "Head of the Güstrow Memorial of Honour" (catalogue raisonné 426). Vi kan takke Barlachs venner for, at den komplette skulptur stadig eksisterer. Kort efter kunstnerens død i 1938 fik de lavet en ny afstøbning baseret på den eksisterende model og gemte den, efter at "Den svævende mand" var blevet klassificeret som "degenereret" af de nazistiske myndigheder i 1937, fjernet fra katedralen og til sidst endda smeltet om. Den hænger nu i Antoniterkirche i Köln og kunne igen bruges til at lave en ny afstøbning til sin oprindelige placering. Barlachs mesterværk vendte således tilbage til Güstrower Domkirke i 1953 og har siden da mindet ofrene for verdenskrigene 1914-1918 og 1939-45, med datoerne indgraveret i sten under sig. "Hovedet af Güstrower Ehrenmal", Barlachs detaljerede afstøbning fra 1930, er også et dokument over et direkte kunstnerisk venskab. Ansigtstrækkene er helt klart - om end "utilsigtet", som Barlach senere hævdede - hans kunstnerveninde Käthe Kollwitz'. Hendes arbejde blev også udstødt i det nationalsocialistiske Tyskland. I 1936 blev hendes værker fjernet fra udstillingen på Berlin-akademiet. Fra da af var hun praktisk talt ikke længere til stede som kunstner. Set i bakspejlet virker "Head of the Güstrow Monument of Honour" som et forvarsel om et skæbnefællesskab: Det er portrættet af en kunstner, som Barlach beundrede som en ven, og som ligesom ham snart gik svære tider i møde. De særlige kendetegn ved denne udgave: lavet af fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse. Begrænset til 980 eksemplarer, individuelt nummereret, med støberimærke. eksklusiv udgave fra ars mundi, udgivet i samarbejde med Ernst Barlach Gesellschaft. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Version som vægobjekt. Detailafstøbning af 'Schwebender' (WVZ 424, 1927), først udført i 1930 (WVZ 426). Størrelse 22,5 x 24 x 15 cm (B/H/D), vægt 4,5 kg. Med vægmontering.

Hesten - Franz Marcs yndlingsmotiv - er symbolet på livet par excellence. Den forbinder fortid og fremtid, himmel og jord. Den er kraftfuld og dynamisk, står på virkelighedens grund og svæver alligevel op i himmelske sfærer. Farven blå symboliserer det altoverskyggende spirituelle, frihed og uendelighed. Skulptur baseret på det originale maleri fra 1911, polymerstøbning, støbt i hånden og malet i hånden. Størrelse 12 x 25 x 22 cm (B/H/D).

For Marc blev hesten i al sin elegance og vitalitet et symbol på liv, virkelighed og frihed. Den symboliserer kulturens kraft; det er hesten, der gør landbrug og mobilitet mulig for mennesket. Men naturen var der allerede før mennesket: fri, uberørt og kraftfuld. Billedhuggerens model efter originalen i Städtische Galerie im Lenbachhaus, München (Catalogue raisonné Lankheit 906). Franz Marcs kraftfuldt modellerede hestepar giver et billede af ømhed, dynamik og perfekt harmoni - et symbol på moderne skulptur. Udgave i polymer kunstbronze, støbt i hånden og patineret i hånden. Størrelse 23 x 22 cm (B/H).

Friedensreich Hundertwasser brugte hele sit liv på at studere naturen som menneskehedens partner og opfordrede til en fredstraktat med naturen. Porcelænsobjektet "Soul Tree Flower" afspejler længslen efter liv, efter skønhed i harmoni med naturen. Værksnummer PM XIV, variation efter 925, produceret eksklusivt for ars mundi af Königlich privilegierte Porzellanmanufaktur Tettau. Objektet af høj kvalitet er besat med ægte guld og fremstillet med 16 specialfarver. Brændt 3 gange. Højde 32 cm, diameter 15 cm. Strengt begrænset oplag på 999 stykker, individuelt nummereret i hånden.tilbehør: Højkvalitetsobjektet 'Seelenbaum-Blume' leveres i en eksklusiv sort papkasse med guldtryk. Copyright 2011 NAMIDA AG, CHDe illustrerede værker er beskyttet af ophavsret. Det er især ikke tilladt at kopiere, redigere, udskrive eller offentliggøre disse billeder. Overtrædelser vil blive retsforfulgt i henhold til straffe- og civilretten.De viste kunstværker er beskyttet af ophavsret. Det er især ikke tilladt at kopiere, redigere, printe eller offentliggøre disse illustrationer. Overtrædelser vil blive retsforfulgt i henhold til civil- og straffeloven.

I 1912 vakte Georg Kolbe opsigt i Berlin med sin "Danser" - hans mest berømte værk til dato. Temaet (ekspressiv) dans og ekspressiv, endda ekstatisk bevægelse gennemsyrede hans skulpturelle arbejde langt op i 1920'erne, som i hans knælende kvinde, der blev skabt i 1921. I årtiet mellem disse to værker blev Kolbe udnævnt til professor (1918) og - sammen med Ernst Barlach og Wilhelm Lehmbruck - optaget på det preussiske kunstakademi (1919). I 1920'erne blev han ubestridt betragtet som en af de vigtigste billedhuggere i Tyskland, og derfor tiltrak han sig også opmærksomhed fra store kunstsamlere over hele verden. Et eksemplar fandt senere vej til Nelson Rockefellers legendariske kunstsamling; det var modellen for vores eksklusive udgave. Original: Rockefeller Collection/The Museum of Modern Art (MoMA). Skulptur i fin bronze, patineret. Støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks. Støbt direkte fra originalen. Begrænset oplag på 199 stykker, individuelt nummereret og signeret og med støberiets mærke. Størrelse 38 x 52,5 x 23 cm (h/b/d). Vægt ca. 11 kg. ars mundi exclusive edition.

Original: Træskulptur, rødbrun bejdset, original størrelse 87,5 x 22,5 x 26 cm. I privat eje. Udgave i bronze. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion), støbt i hånden ved hjælp af tabt voks-teknikken og patineret brun. Begrænset oplag på 499 eksemplarer, nummereret og forsynet med signatur og støberimærke fra originalen. eksklusiv udgave fra ars mundi, udgivet i samarbejde med arvingerne. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Størrelse 32 x 8,5 x 9,5 cm (h/b/d). Vægt 2,8 kg.

Käthe Kollwitz (1867-1945) blev ofte opfattet som en primært socialt, endda politisk motiveret kunstner, da hun gentagne gange hævede sin stemme for de fattige og undertrykte i sit arbejde. Kollwitz insisterede på menneskelighed selv i umenneskelige tider, og alene dette kunne, ja, måtte forstås som en politisk holdning. Men hendes betydning for nutiden ligger i, at hun aldrig arbejdede dristigt, men samtidig gav de figurer, hun skabte, en intimitet, der næsten udelukker, at de kan læses som endimensionelle "symboler" eller "eksempler". Det ses også i et centralt værk fra hendes sene produktion, "Abschied" fra 1940/41, hvor kunstneren bearbejder smerten over Karl Kollwitz' død, hendes partner gennem mere end et halvt århundrede, som døde i 1940. Motivet med omfavnelsen findes ofte i Kollwitz' værker, og her omformer hun det til et billede på den største nærhed og intimitet i tabets øjeblik. Det er et værk med små bevægelser: Mens hun stadig klamrer sig til ham, løsriver han sig fra hende - det er en afsked, men også et slip, måske også det øjeblik, hvor man accepterer det uundgåelige. Skulptur i fin bronze, patineret. Støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks. Støbt direkte fra originalen og forstørret. Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og forsynet med signatur og støberimærke fra museets original. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Størrelse 21 x 13,5 x 11,5 cm (h/b/d). Vægt ca. 3,5 kg. ars mundi exclusive edition.

Käthe Kollwitz (1867-1945) talte i sit grafiske og skulpturelle arbejde gentagne gange de fattiges og undertryktes sag. Hun udviklede især motivet med kvinden og moderen, som hun brugte til at symbolisere beskyttelse og omsorg, men også skyldfri lidelse. Hendes skulptur "Pietà" forener til en vis grad begge motiver: På den ene side omfavner moderfiguren sin voksne søn, der ligger i hendes skød; på den anden side er figuren, som kunstneren selv udtrykte det, "noget i retning af en pietà" og trækker dermed på et kunsthistorisk motiv, der viser Jesu mors lidelse i ansigtet på den døde Kristus. Kollwitz ønskede dog udtrykkeligt ikke, at hendes skulptur skulle forstås som religiøs. Snarere er den afbildede mor "en gammel, ensom og mørkt kontemplativ kvinde" (ifølge Kollwitz), som, kunne man sige, bevarer sin værdighed selv i oplevelsen af katastrofen.hendes nok mest kendte skulptur blev skabt på et tidspunkt, hvor det nazistiske regime havde forbudt Käthe Kollwitz at udøve sit erhverv. I dag står en forstørret kopi i Neue Wache i Berlin til minde om "Krigens og tyranniets ofre". Skulptur i fin bronze, patineret. Støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks. Direkte støbt efter originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og forsynet med signatur og støberimærke fra originalen. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Format 21,5 x 14,5 x 21 cm (h/b/d). Vægt ca. 4,5 kg. ars mundi exclusive edition.

Hun var elev af den store Henri Matisse og en af de første, hvis ikke den første, tyske billedhugger af betydning. Under Det Tredje Rige blev hun kaldt "degenereret", og nogle af hendes tidlige værker overlevede kun ved et tilfælde nazitiden og krigen. Denne skulptur er et af de få overlevende værker fra perioden før Anden Verdenskrig. Hendes bronze demonstrerer kunstnerens kraftfulde og på samme tid sanseligt koncentrerede skaberkraft. Støbt direkte efter originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af tabt voks-teknikken og patineret. Begrænset oplag på 199 stykker, individuelt nummereret og signeret med støberimærke. Størrelse 6,5 x 32 x 5,5 cm. Vægt 1,5 kg. ars mundi exclusive edition.

Hun var elev af den store Henri Matisse og en af de første, hvis ikke den første, tyske billedhugger af betydning. Under Det Tredje Rige blev hun kaldt "degenereret", og nogle af hendes tidlige værker overlevede kun ved et tilfælde nazitiden og krigen. I sorg over sine mange tabte værker forsøgte Moll i slutningen af 1940'erne at genskabe to af sine værker fra 1920'erne. Hendes bronze 'Standing' demonstrerer kunstnerens kraftfulde og på samme tid sanseligt koncentrerede skaberkraft. Direkte afstøbt fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af tabt voks-teknikken og patineret. Begrænset oplag på 199 stykker, individuelt nummereret og signeret med støberimærke. Størrelse 6,5 x 34 x 6 cm. Vægt 1,4 kg. ars mundi exclusive edition.

Marino Marinis 'Little Rider': eksklusiv udgave af ars mundi, udgivet i samarbejde med Kunsthalle Bremen. Rytteren på en hest - kunsthistorien har kendt motivet siden antikken, og det repræsenterer normalt de magtfulde, kejseren og kongen, magt i det hele taget. Modernismen er dog begyndt at genfortolke det og forvrænge det til ukendelighed. Vores eksklusive udgave, der er begrænset til kun 150 eksemplarer på verdensplan, tilbyder dig et værk af en kunstner, der sammen med Giacometti og Moore er en af de vigtigste skulptører i det sidste århundrede. Hans rytterskikkelse er dog alt andet end et udtryk for magt. Temaet 'hest og rytter' fascinerede Marino Marini i årtier. Hans tidligste værker viser dem som en harmonisk, fint udformet enhed. Krigsoplevelserne ændrede dog hans hovedmotiv. Hans motiv blev således en tidsdiagnose - og ikke mindst en opfordring i bronze til at tage stilling til den forestående katastrofe. Original: Bronze, 41 x 28,5 x 13,5 cm, inv. nr. 410- 1961/1, Kunsthalle Bremen - Der Kunstverein in Bremen. Skulptur i fin bronze, støbt ved hjælp af tabt voks-teknikken, mejslet, poleret og patineret i hånden. Begrænset oplag på 150 eksemplarer, individuelt nummereret og med signaturen "M.M." fra originalen samt støberiets og ars mundi-stemplet. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsningscertifikat. Størrelse med base 33,5 x 23,5 x 11,5 cm (h/b/d). Vægt ca. 3,8 kg. ars mundi Exclusive Edition. VG Bild-Kunst, Bonn 2021 "Marino Marinis skulptur fra 1947 giver ikke udtryk for kontrol eller stærkt lederskab. Tøjlerne er løse, og hesten og rytteren kigger i forskellige retninger. Med denne figur afspejler Marini sin tids begivenheder. For mig er den lille rytter derfor også en påmindelse om, at det er vigtigt at være årvågen og holde et vågent øje med de aktuelle begivenheder. Du har brug for en klar holdning, for alt andet fører til mangel på retning. (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, direktør for Kunsthalle Bremen)

Figur i harpiks baseret på Magrittes berømte maleri 'Le fils de l'homme' fra 1964. 13 x 10,5 x 7,5 cm (H/B/D).

Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks. Patineret i hånden. Begrænset verdensoplag på 199 stykker, individuelt nummereret og med kunstnerens signatur og støberimærke. Størrelse 26 x 18 x 5 cm (B/H/D). ars mundi exclusive edition.

Denne udtryksfulde gruppe af skulpturer er et fremragende eksempel på Mastallers fine iagttagelsesevne, som indbragte ham Augsburg City Art Prize i 1968. Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af teknikken med tabt voks. Patineret i hånden. Begrænset verdensoplag på 199 stykker, individuelt nummereret og forsynet med kunstnerens signatur og støberimærke. Størrelse inkl. sandstenssokkel 34,5 x 14 x 7,5 cm.

Som om de danser på deres knæ, omfavnes dette moderne par i intimt samvær. Skulptur i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af den tabte voksteknik, patineret i hånden. Begrænset verdensoplag på 199 stykker, individuelt nummereret og forsynet med kunstnerens signatur og støberimærke. Størrelse 17,5 x 17,5 x 10 cm (B/H/D). eksklusiv udgave af ars mundi.

Lehmbrucks kunst var, ligesom mange andre billedhuggere på hans tid, påvirket af Auguste Rodins arbejde. Hans motiv er mennesket, hvor han ofte løsriver sig fra de virkelige kropsproportioner for at opnå et stærkere billedligt udtryk. Ligesom Rodin koncentrerede han sig senere om enkelte dele af kroppen; 'Lowered Head of a Woman' er i sidste ende en del af hans 'Large Standing Woman' fra 1910, som han varierede som en buste ved at begrænse den til hoved, hals og skulder. Skulptur 'Lowered Head of a Woman': Udgave i støbt sten med terracottafarvet patina. Direkte afstøbt efter originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og med signatur fra originalen. eksklusiv udgave fra ars mundi, udgivet i samarbejde med Kunsthalle Bremen. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Størrelse 23 x 23 x 13 cm (H/B/D). Vægt 2,9 kg. "Wilhelm Lehmbruck er en af pionererne inden for moderne skulptur, men han forblev altid tro mod den menneskelige figur og en grundlæggende menneskelighed. Det kommer efter min mening særligt smukt til udtryk i 'Lowered Head of a Woman' fra 1910. Billedhuggeren er tæt forbundet med Kunsthalle Bremen, til dels på grund af den daværende direktør Siegfried Salzmann, som tidligere var leder af Lehmbruck Museum i Duisburg. (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, direktør for Kunsthalle Bremen)

Lehmbrucks kunst var, ligesom mange andre billedhuggere på hans tid, påvirket af Auguste Rodins arbejde. Hans motiv er mennesket, hvor han ofte løsriver sig fra de virkelige kropsproportioner for at opnå et stærkere billedligt udtryk. Ligesom Rodin koncentrerede han sig senere om enkelte dele af kroppen; "Det sænkede kvindehoved" er i sidste ende en del af hans "Store stående kvinde" fra 1910, som han varierede som en buste ved at begrænse den til hoved-, hals- og skulderpartiet. Skulptur 'Gesenkter Frauenkopf': Udgave i fin bronze, støbt i hånden ved hjælp af tabt voks-teknikken, ciseleret, poleret og patineret rødbrun. Støbt direkte fra originalen og reduceret i størrelse (reduktion). Begrænset oplag på 980 eksemplarer, individuelt nummereret og forsynet med signatur og støberimærke fra originalen. eksklusiv udgave fra ars mundi, udgivet i samarbejde med Kunsthalle Bremen. Med nummereret ægthedscertifikat og begrænsning. Størrelse 23 x 23 x 13 cm (h/b/d). Vægt 4,5 kg. "Wilhelm Lehmbruck er en af pionererne inden for moderne skulptur, men han forblev altid tro mod den menneskelige figur og en grundlæggende menneskelighed. Det kommer efter min mening særligt smukt til udtryk i 'Lowered Head of a Woman' fra 1910. Billedhuggeren er tæt forbundet med Kunsthalle Bremen, til dels på grund af den daværende direktør Siegfried Salzmann, som tidligere var leder af Lehmbruck Museum i Duisburg. (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, direktør for Kunsthalle Bremen)

Temaet 'mor og barn' optog Lehmbruck hele hans liv. Versionen fra 1907 er et centralt værk fra hans første udstilling i Paris; det viser moderen som en glad og kærlig kvinde og står stadig i klar gæld til den klassiske skulptur. Lehmbrucks enestående sans for skala og proportioner indvarsler allerede den skulpturelle intensivering af senere værker. Skulpturen blev skabt efter Lehmbrucks første rejse til Italien, og dens Pietà-gestus er sandsynligvis modelleret efter de gamle mestre, som Lehmbruck beundrede der. Billedhuggermodel baseret på originalen, størrelse 25,5 x 26 x 22 cm (B/H/D). Udgave i fin bronze. Støbt ved hjælp af den avancerede teknik med tabt voks, patineret og poleret i hånden. Vægt ca. 8,4 kg.