"Ernst Barlachs skulptur markerar början på en avgörande stilförändring i hans arbete, som konstnären kontinuerligt förfinade och upprätthöll fram till sin död 1938. Den är också ett viktigt samtida dokument över de härskande systemens förfall. Efter en kortvarig tjänstgöring som soldat 1915/16 var Barlach traumatiserad och inriktad på religiöst sökande. Krigs- och stridsteman cirkulerar och jäser i hans medvetande. Hans uttrycksfulla figurer blir dock mer och mer slutna på utsidan. Allt ornamentalt och dekorativt är borttaget. De skulpturala accenterna är begränsade till det allra nödvändigaste. De ibland livliga linjerna i klädesplagget, som i "Barnvagn" från 1912, används för att betona en inre känsla, även i avbildningen av ansikte och händer. Skulpturen blir ett uttryck för medvetande, en övertygande kraft och styrka. Den frysande flickan är ett enastående exempel på den nya empatiska stilen. Figuren växer uppåt från den nästan kvadratiska sockeln, orörlig som en pelare, i skulpturala rytmer. Under den värmande manteln av tungt tyg klämmer händerna fast ansiktet mot kinderna. De håller det som en juvel. Ansiktsmasken visar mun, näsa, ögon och ögonbryn, men verkar stängd, lyssnande inåt. Det verkar som om hon kan höra skakningarna i mänsklighetens maskineri på jorden bakom de slutna ögonen. Chocken får henne att frysa till is. Hennes hjärta blir kallt när hon tänker på de miljontals människor som krig och revolution har slukat och kommer att sluka. Man kan bekämpa minusgraderna med värme, motion och tjocka kläder om man har sådana. Det är svårt att hitta ett botemedel mot det kalla hjärtat som är fruset av krig, ensamhet och okunnighet. Flickans hållning i Barlachs verk betonar paus, kontemplation, kontemplation, och här är konstnären helt och hållet med människorna, med deras glädjeämnen men också med deras smärta, med deras rädsla. I sitt konstnärskap fullföljer Barlach sitt mänskliga uppdrag att ge styrka och tröst genom sina verks levande täthet och närvaro. Hela hans konstnärskap är klarhet och uppmuntran. I varje verk finns det ett avgörande ögonblick av paus och självkännedom. (Dr Friedhelm Häring, f.d. museichef och intendent) Skulptur i fin brons, gjuten med tekniken förlorat vax, mejslad, polerad och patinerad för hand. Gjuten efter originalet och förminskad (reduktion). Begränsad upplaga på 980 exemplar, numrerade och med signaturen "E. Barlach" samt gjuteriets och ars mundis stämpel. Med numrerat äkthetsintyg och begränsningsintyg. Storlek ca 32,5 x 9 x 8 cm (h/w/d). Vikt ca 3,1 kg. ars mundi exklusiv utgåva.

Minnesmärke och uttryck för vänskap: "Den svävande mannen" Ett av Ernst Barlachs mest kända verk, "Den svävande mannen", skapades som ett minnesmärke över offren för första världskriget och hängdes som sådant i en nisch i Güstrows katedral 1927-1937. Men den är också ett minnesmärke över vänskap på två sätt: som en komplett skulptur (Catalogue raisonné 425) och som en detaljerad avgjutning "Head of the Güstrow Memorial of Honour" (Catalogue raisonné 426). Vi har Barlachs vänner att tacka för att den kompletta skulpturen fortfarande finns kvar. Kort efter konstnärens död 1938 lät de göra en ny avgjutning av den befintliga modellen och gömde den efter att "Den svävande mannen" 1937 hade klassats som "degenererad" av de nazistiska myndigheterna, avlägsnats från katedralen och slutligen till och med smälts ned. Den hänger nu i Antoniterkirche i Köln och skulle i sin tur kunna användas för att göra en ny avgjutning till sin ursprungliga plats. Barlachs mästerverk återvände således till Güstrows katedral 1953 och har sedan dess hedrat offren för världskrigen 1914-1918 och 1939-45, med årtalen inristade i sten under sig. "Huvudet på Güstrows hedersmonument", Barlachs detaljerade avgjutning från 1930, är också ett dokument över en direkt konstnärlig vänskap. Dess ansiktsdrag är helt klart - om än "oavsiktligt", som Barlach senare hävdade - hans konstnärsvän Käthe Kollwitz. Hennes verk var också utfrysta i det nationalsocialistiska Tyskland. År 1936 togs hennes verk bort från Berlinakademins utställning. Från och med då var hon praktiskt taget inte längre närvarande som konstnär. I efterhand framstår "Huvudet på Güstrows hedersmonument" som en föraning om en ödesgemenskap: det är porträttet av en konstnär som Barlach beundrade som en vän och som, liksom han själv, snart gick svåra tider till mötes. Det speciella med denna utgåva: Tillverkad av fin brons, gjuten för hand med tekniken för förlorat vax. Gjuten direkt från originalet och förminskad i storlek. Begränsad till 980 exemplar, individuellt numrerade, med gjuterimärke. exklusiv utgåva från ars mundi, utgiven i samarbete med Ernst Barlach Gesellschaft. Med numrerat äkthets- och begränsningscertifikat. Version på stensockel. Detaljgjutning av "Schwebender" (WVZ 244, 1927), utförd första gången 1930 (WVZ 426). Monterad på en sockel av sten. Storlek med sockel 22,5 x 28 x 19 cm (B/H/D), vikt 5,75 kg.

Kärlekens mystik: Ernst Barlachs "Kussgruppe I". exklusiv utgåva från ars mundi, utgiven i samarbete med Kunsthalle Bremen Ernst Barlachs (1870-1938) verk kännetecknas av en djup mänsklighet. Hans skildringar av vanliga människor undviker idealisering av det yttre och insisterar samtidigt på ett mänsklighetsideal som är diametralt motsatt det historiska förloppet i konstnärens liv. Hans bedjande, musicerande, sökande gestalter tycks vara genomsyrade av en andlig kraft som gör dem till en del av en övergripande, mystisk helhet. Detta gäller även Barlachs Kyss, som förvisso också skapades 1921 i dialog med Auguste Rodins verk med samma namn. Till skillnad från Rodins verk betonar skulpturgruppen inte Eros-elementet, utan avbildar de älskande i en tillgivenhet som går långt utöver detta. Den intimitet med vilken de vänder sig mot varandra tycks präglas av en lång gemensam livserfarenhet och ett obrytbart förtroende. Även i sin monolitiska struktur visar verket en "tvåsamhet" hos paret som avslöjar kärleken inte som ett flyktigt erotiskt fenomen, utan som en nästan mystisk grundläggande mänsklig erfarenhet - inte Venus och Adonis, utan Philemon och Baucis var inspirationen här.skulptur "Kussgruppe I": Original: målad gips. Skulptur i fin brons, gjuten med tekniken för förlorat vax, mejslad, polerad och patinerad för hand. Gjuten direkt från originalet. Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuteriets märke. Publicerad i samarbete med Kunsthalle Bremen. Med numrerat äkthetsintyg och begränsning. Storlek 19,5 x 19 x 10 cm (h/w/d). Vikt 3,2 kg. ars mundi exclusive edition. "Några av de mest berömda verken inom den moderna konsten är tillägnade kyssen - Gustav Klimts och Auguste Rodins avbildningar är de mest framträdande exemplen. Ernst Barlach har också utforskat detta tema. I centrum för hans verk står människan och hela hennes känslospektrum. Gruppen som kysser varandra i Bremen visar en ovanligt intim bild av ett par som visar ömhet, något som ytterligare understryks av formatet och mediet. (Prof. Dr Christoph Grunenberg, direktör för Kunsthalle Bremen)

Ernst Barlachs "Helgonens kommunion": Symboler för den mänskliga existensenErnst Barlach var mycket erkänd som författare och skulptör av figurativa skulpturer långt in i 30-årsåldern. År 1925 blev han hedersledamot av konstakademin i München. Under den här tiden skapade han också olika monumentala minnesmärken som en dag skulle bli världsberömda, bland annat "Güstrow Memorial", den berömda "svävande ängeln" i Güstrows katedral. År 1934 vände dock vinden. Barlach, som nu var inne på sitt sjätte decennium, fick uppleva hur hans verk smutskastades som "degenererade" och försvann från museerna. De hedersmonument han utformat förstördes, "Den flytande mannen" från Güstrows katedral smältes till och med ner - och om inte vänner hade gömt undan en andra avgjutning fram till krigsslutet skulle verket vara förlorat idag. Situationen är liknande med skulpturerna "Kvinnan i vinden" och "Sångaren". De konfiskerades tillsammans med cirka 380 andra verk av Barlach. Deras räddare var också deras beskyddare: Carl Georg Heise, museidirektör i Lübeck. År 1929 hade han uppmuntrat Barlach att utforma en ensemble av skulpturer med titeln "Helgonens gemenskap" för den västra fasaden på St Catherine's Church i Lübeck. Det skulle bli 16 stycken, men endast tre förverkligades mellan 1930 och 1932: "Tiggaren", "Sångaren" och "Kvinnan i vinden". Ytterligare tre figurer: "Den bundne", "Pilgrimen" och "Hornblåsaren" har bevarats i form av preliminära modeller. Carl Georg Heise avskedades 1933, men fick de tre befintliga figurerna som privat egendom. År 1939, året efter Barlachs död, överlämnades de till honom, och på så sätt överlevde de krigstiden "i lådor [...] under verandan i min svärmors hus", som han senare rapporterade. Det dröjde ända till 1947 innan de slutligen hamnade i de avsedda nischerna i S:ta Katarinakyrkan. Den gotiska kyrkans rumsliga effekt och nischernas smalhet bestämde Barlachs formkoncept. Närheten till den medeltida skulpturen är omisskännlig, men Barlach skapade inte helgonfigurer i den kristna ikonografin, utan snarare symboler för den mänskliga existensen och "lidande och förvandlade människogestalter som möter världen, var och en kämpande på sitt sätt med sin Gud" (Carl Georg Heise). Skulptur "Kvinna i vinden": Det veckade plagget som omsluter kroppen karaktäriserar den stående unga kvinnans kroppslighet och koncentrerar blicken på huvudet, som är det enda uttrycksmedlet. Brons efter en förminskad modell från 1931, gjuten för hand med tekniken för förlorat vax och patinerad. Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuterimärket. exklusiv utgåva från ars mundi, utgiven i samarbete med Ernst Barlach Gesellschaft. Med numrerat äkthetsintyg och begränsning. Format 7,3 x 32 x 5,5 cm (B/H/D), vikt 1,95 kg.

Barlach, en av de främsta företrädarna för den tyska expressionismen, är känd för sina trä- och bronsskulpturer. Temat med de läsande munkarna hade sysselsatt honom redan 1921. I bronsverket från 1932, av vilket det fanns en träversion, betonar han uttryckskraften i de linjära vecken på kläderna genom reduktion och svetsar ihop blocket med sittande figurer. Han inspirerades av konsten i 1300-talets Florens, liksom av skulpturer och målningar av mästaren Bertram (1345-1415), som i altaret från 1379 i Hamburger Kunsthalle uppvisar en ursprunglig, levande berättargåva. Barlachs avantgardistiska vision försökte återerövra denna grundläggande kraft. Träversionen förlöjligades av nationalsocialisterna 1937 i München i utställningen "Degenererad konst". Barlachs verk överlevde, är erkänt över hela världen och finns representerat i de viktigaste samlingarna. Skulptur "Reading Monks III": Barlachs skaparkraft drivs av medmänsklighet och socialt engagemang och leder till koncentration och internalisering. Den fogliknande behandlingen av hans ytor, i kombination med de veckade kurvorna, är som att andas in och ut, en vital sammanhållning. Den cirkel som öppnar sig i skulpturen från den vänstra munkens huvud över axeln och armen till den öppna boken fortsätter till den högra munkens arm och sluter sig i axel- och huvudlutningen. Kommunikationen mellan individerna och boken lever i denna cirkel. De har läst och förstått. I den förmanande tystnaden utanför livets flyktiga process har de kommit till ro. Vi känner igen de fina nyanserna av gestaltad balans i de knäppta händerna på munken till höger, som svävar som en symbol framför två veck av skålen. Barlachs verk blir sanningens mun. "Jag rekommenderar det här verket som ett viktigt samtidsdokument som vi kan bli vördnadsfulla inför. Dess stora potential idag är att visa en väg bort från vardagens fashionabla och triviala förnimmelser till kärnan i att vara människa: Att ställa frågor, känna igen och dra slutsatser för att upptäcka sig själv. De läsande munkarna III är ett exempel. De illustrerar den lockelse och tröst som böcker ger. Glädje och djup i förståelsen av världen kan växa fram ur en dikt som de gör ur denna skulptur. I sina former ger Barlach oss en del av skapelsens oändliga sammanhang, förutsättningarna för att närma sig livets mening. Det är den religiösa aspekten av hans konst, kärleken. (Dr Friedhelm Häring, tidigare museichef och intendent)Skulptur i fin brons, gjuten med tekniken för förlorat vax och mejslad, polerad och patinerad för hand. Gjuten direkt från originalet och förminskad i storlek (reduktion). Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuterimärket. ars mundi exklusiv utgåva. Med numrerat äkthetsintyg och begränsningsintyg. Storlek 22 x 16,5 x 14 cm (h/w/d), vikt 4,2 kg.

Ernst Barlachs mästerverk Det råder ingen tvekan om att Ernst Barlach var en av expressionismens mest framstående personligheter och en av de viktigaste konstnärerna från Tyskland. Han satte alltid människan i centrum för sitt konstnärliga arbete, som i hans "Krautpflückerin", en enkel kvinna som arbetar på fälten och böjer sig ner för att plocka ängsväxter. Denna skulptur, som skapades 1894, var Barlachs mästerverk: den ingick i slutprovet för hans studier vid konstakademin i Dresden 1895; samtidigt ställde han ut den som sitt första verk på den stora konstutställningen i Berlin 1898. Skulptur "Die Krautpflückerin": Original: infärgad gips. Fin brons, gjuten för hand med tekniken för förlorat vax och patinerad. Gjuten direkt efter originalet och förminskad (reduktion). Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuterimärket. exklusiv utgåva från ars mundi, utgiven i samarbete med Ernst Barlach Gesellschaft. Med numrerat äkthetsintyg och begränsning. Format 21 x 22,5 x 14 cm (B/H/D), vikt 2,5 kg. "Jag är alltid fascinerad av Ernst Barlachs "Krautpflückerin". Med detta verk tog skulptören en ny titt på människors vardag och gav därmed inte bara skulpturen i Tyskland en ny impuls, utan också en ny innebörd. Med detta verk började han återföra det vanliga folket, det så kallade gatans folk, till konstens verkliga visuella synfält. (Dr Jürgen Doppelstein, ordförande i Ernst Barlach-sällskapet)

Brons efter en avgjutning från 1932, som visades offentligt för första gången på utställningen "Living German Art" i Berlin 1933. Resan till Ryssland 1906 hade frigjort nya, formmedvetna energier hos Barlach, som starkt präglade hans fortsatta konstnärliga arbete. Med de ryska tiggarskulpturerna lade han därmed grunden för sitt fortsatta skulpturala arbete. "Den ryske tiggaren II" är en mycket uttrycksfull, meditativ figur. Formen inramas av ryggens brett svängda kontur, som öppnas upp enbart genom den utsträckta handen. På så sätt förenas huvudet, som är böjt i ödmjukhet eller skam, med handen som är utsträckt i bön och blir ett uttryck för en process som är både andlig och fysisk. Denna hand formulerar inte ett krav, utan ett behov och en begäran om materiell och andlig näring. Barlach beskriver innebörden av sina tiggarfigurer som "symboler för den mänskliga situationen i dess nakenhet mellan himmel och jord". Skulptur i fin brons, gjuten för hand med tekniken för förlorat vax och patinerad. Gjuten direkt från originalet och förminskad i storlek (reduktion). Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuterimärket. ars mundi exklusiv utgåva. Med numrerat äkthetsintyg och begränsningsintyg. Format 14,5 x 26 x 11,5 cm (h/w/d). Vikt 3,4 kg.

Ernst Barlachs "Helgonens kommunion": Symboler för den mänskliga existensenErnst Barlach var mycket erkänd som författare och skulptör av figurativa skulpturer långt in i 30-årsåldern. År 1925 blev han hedersledamot av konstakademin i München. Under den här tiden skapade han också olika monumentala minnesmärken som en dag skulle bli världsberömda, bland annat "Güstrow Memorial", den berömda "svävande ängeln" i Güstrows katedral. År 1934 vände dock vinden. Barlach, som nu var inne på sitt sjätte decennium, fick uppleva hur hans verk smutskastades som "degenererade" och försvann från museerna. De hedersmonument han utformat förstördes, "Den flytande mannen" från Güstrows katedral smältes till och med ner - och om inte vänner hade gömt undan en andra avgjutning fram till krigsslutet skulle verket vara förlorat idag. Situationen är liknande med skulpturerna "Kvinnan i vinden" och "Sångaren". De konfiskerades tillsammans med cirka 380 andra verk av Barlach. Deras räddare var också deras beskyddare: Carl Georg Heise, museidirektör i Lübeck. År 1929 hade han uppmuntrat Barlach att utforma en ensemble av skulpturer med titeln "Helgonens gemenskap" för den västra fasaden på St Catherine's Church i Lübeck. Det skulle bli 16 stycken, men endast tre förverkligades mellan 1930 och 1932: "Tiggaren", "Sångaren" och "Kvinnan i vinden". Ytterligare tre figurer: "Den bundne", "Pilgrimen" och "Hornblåsaren" har bevarats i form av preliminära modeller. Carl Georg Heise avskedades 1933, men fick de tre befintliga figurerna som privat egendom. År 1939, året efter Barlachs död, överlämnades de till honom, och på så sätt överlevde de krigstiden "i lådor [...] under verandan i min svärmors hus", som han senare rapporterade. Det dröjde ända till 1947 innan de slutligen hamnade i de avsedda nischerna i S:ta Katarinakyrkan. Den gotiska kyrkans rumsliga effekt och nischernas smalhet bestämde Barlachs formuppfattning. Närheten till den medeltida skulpturen är omisskännlig, men Barlach skapade inte helgonfigurer i den kristna ikonografin, utan snarare symboler för den mänskliga existensen och "lidande och förvandlade människogestalter som möter världen, var och en kämpande på sitt sätt med sin Gud" (Carl Georg Heise). Skulpturen "Der Sänger (Singender Klosterschüler)": I en strikt upprätt hållning och med ett musikband i händerna höjer den unge munken sin röst. Blicken dras till ansiktet - det är fullt av koncentration och hängivenhet, vare sig det är till Gud eller till musikens gudomliga kraft. Brons efter en förminskad modell från 1931, gjuten för hand med tekniken för förlorat vax och patinerad. Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuterimärket. exklusiv utgåva från ars mundi, utgiven i samarbete med Ernst Barlach Gesellschaft. Med numrerat äkthetsintyg och begränsning. Storlek 7,5 x 33 x 5 cm (B/H/D), vikt 2,2 kg.

"När Ernst Barlach skapade sin figur "Teaching Christ" 1931 tog han upp ett av huvudtemana i den västerländska konsthistorien genom att avbilda Frälsaren. Barlach avbildar Guds Son som en människa bland människor. Den "undervisande Kristus" bär en enkel mantel, han tronar inte utan sitter i en avslappnad, öppen hållning och utstrålar empati och tillgivenhet. Skulpturens utformning och struktur syftar till att säkerställa att betraktaren bokstavligen möter Kristus och hans kärlek till mänskligheten i ögonhöjd. "Teaching Christ" gjöts inte i brons för första gången förrän 1938, sju år efter att den skapats. Och det var först efter andra världskriget som sammanlagt 14 stora figurer gjutna efter originalet hamnade i kyrkor - i Güstrow, i Rostock, i Hamburg i Christuskirche, men också i Stedelijk i Eindhoven och i Israel Museum i Jerusalem. (Dr Friedhelm Häring, tidigare museichef och intendent) Skulptur i fin brons, gjuten med tekniken för förlorat vax, mejslad, polerad och patinerad för hand. Gjuten från originalet och förminskad (reduktion). Begränsad upplaga på 980 exemplar, numrerade och med signaturen "E. Barlach" samt gjuteriets och ars mundis stämpel. Med numrerat äkthetsintyg och begränsningsintyg. Storlek 28 x 13 x 10,5 cm (h/b/d). Vikt ca 2,9 kg. ars mundi exklusiv utgåva.

Ernst Barlachs bokläsare - en milstolpe i modernismenLäsarmotivet är ett nyckelmotiv i Barlachs verk, som han tematiserade redan i litografin "Wem Zeit wie Ewigkeit und Ewigkeit wie Zeit, der ist befreit von allem Leid" från 1916 och i en kolteckning från 1922. Motivet fick en särskild täthet under våren 1936 i skulpturen "The Book Reader". "Bokläsaren" är helt försjunken i sin läsning och utstrålar koncentration och meditativ harmoni. Han lever i sin värld: "Hans rygg, som liknar ett sfäriskt skal, fungerar som en sköld för att hålla distraktioner borta och skyddar läsarens intimitet och ensamhet, förutsättningarna för all intellektuell strävan". Bertolt Brecht var entusiastisk över Ernst Barlachs mästerliga skildring av den läsande människan och beskrev verket så här: "En sittande man, framåtböjd, håller en bok i sina tunga händer. Han läser nyfiket, självsäkert och kritiskt. Det är tydligt att han söker lösningar på akuta problem i boken (...) Jag tycker bättre om "Bokläsaren" än Rodins berömda "Tänkaren", som bara visar hur svårt det är att tänka. Barlachs skulptur är mer realistisk, mer konkret..." "Bokläsaren" är ett av Ernst Barlachs mest kända och viktigaste verk. Originalavgjutningar i brons finns bl.a. på Neue Nationalgalerie i Berlin, Staatliches Museum Schwerin och Stiftung Schleswig-Holsteinische Landesmuseen Schloss Gottorf. Konstnärens 150-årsdag 2020 var ett särskilt tillfälle för oss att ge ut en jubileumsutgåva av "Book Reader" i detta imponerande format, i en exklusiv upplaga på 150 exemplar. Skulptur i fin brons, gjuten med tekniken för förlorat vax, mejslad, polerad och patinerad för hand. Hämtad direkt från originalet och förminskad i storlek. Begränsad upplaga om 150 exemplar, numrerad och med signaturen "E. Barlach" samt gjuteriets och ars mundis stämpel. Med numrerat äkthetsintyg och begränsningsintyg. Storlek ca 41 x 19 x 29 cm (h/w/d). Vikt ca 14,4 kg. ars mundi exklusiv utgåva.

"Återföreningen" är ett av den moderna skulpturens epokgörande verk: den djupa mänsklighet som kännetecknar Barlachs verk går utöver den bibliska scen som avbildas här. Det handlar för övrigt om ett ögonvittne: Thomas - på arameiska skulle hans namn kunna översättas med "tvilling" - möter Kristus, vars uppståndelse han enligt den bibliska berättelsen ville tro på först när han kunde se honom med egna ögon och stoppa fingrarna i hans sår. Barlach iscensätter igenkännandets sekund och visar ögonblicket av insikt och av att resa sig upp inför sanningen. Han har därmed skapat mer än en kristen ikonografi. Den inkarnerade Guden är människans "tvilling", hans medkänsla är broderlig. Och i detta förverkligande av Guds Sons mänsklighet ligger både ett hopp och en uppgift - kravet på mänsklighet. Denna begränsade utgåva har skapats i nära samarbete med Ernst Barlach Society. Skulptur gjuten direkt från originalet och förminskad i storlek (reduktion). Fin brons, gjuten för hand med hjälp av tekniken för förlorat vax. Storlek 14 x 33 x 8,5 cm (B/H/D). Vikt ca 3 kg. Begränsad upplaga om 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuteriets märke. Med numrerat äkthetscertifikat och begränsningscertifikat.

"Det var en landsman som var på resa mellan Güstrow och Rostock. Han satt mittemot mig med sin mäktiga kropp så orörlig att våra knän rörde vid varandra, det var inte tal om att teckna. Jag hade inget annat val än att teckna honom tills jag slutligen memorerade honom. Så här beskriver Ernst Barlach sitt möte med den medresenär som senare skulle stå modell för hans skulptur. En mogen man traskar mot vinden med händerna knäppta bakom ryggen. Skulpturen påminner om Goethes inofficiella rådgivare. Man kan också tänka på den store Ludwig van Beethoven, som i överrock tar sig fram på gatorna i Wiens historiska centrum. Båda mötte vinden och många stormar med mod och en anda av motsägelsefullhet under hela sina liv. Barlach var, liksom Goethe och Beethoven, en passionerad vandrare och promenerare. Att fortsätta på hans väg genom livet är bara i undantagsfall en promenad. Med blicken sökande i fjärran och visslande en trotsig melodi trotsar Barlachs vandrare allt. Hans rullator visar pondus rakt igenom. Han går inte vilse. Han står upp mot vinden. Han utstrålar stor angelägenhet. Den förmedlar en imponerande insikt, styrka och kraft. Barlach's Stroller går sin egen väg, oberörd av generationers idéer, tidsanda och mode. (Dr Friedhelm Häring - tidigare museichef och intendent) Skulptur i fin brons, gjuten för hand med tekniken för förlorat vax, mejslad och patinerad. Gjuten direkt från originalet och förminskad i storlek (reduktion). Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuterimärket. ars mundi exklusiv utgåva. Med numrerat äkthetsintyg och begränsningsintyg. Storlek 28 x 13,5 x 9,5 cm (h/w/d). Vikt 4,8 kg.

Barlachs "Zweifler" skapades 1931, när utfrysningen redan var i antågande. Barlach utsattes för upprepade och hårda angrepp från nationalsocialistiska kretsar. Figuren av mannen som har sjunkit ner på knä och ber om hjälp är en man i nöd och kanske uttrycker den också Barlachs tvivel på den humanistiska kraften i hans konst. Den har dock sin tidlösa giltighet som en imponerande skildring av tvivel, osäkerhet och förmodligen också förtvivlan som ett mänskligt tillstånd.skulptur i fin brons, gjuten för hand med tekniken förlorat vax och patinerad. Gjuten direkt från originalet och förminskad i storlek (reduktion). Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuterimärket. exklusiv utgåva från ars mundi, utgiven i samarbete med Ernst Barlach Gesellschaft. Med numrerat äkthetsintyg och begränsning. Storlek 17 x 31 x 11,5 cm (B/H/D), vikt 2,3 kg.

Barlach skapade det imponerande verket "Wanderer in the Wind" 1934, som är ett av hans viktigaste, mest populära och bäst beskrivna verk. Under årtiondena av Barlachs konstnärskap har människans öde uppenbarats för betraktaren på ett karakteristiskt och grundläggande känsligt sätt. Alla verk är fyllda av djup eftertanke, kärleksfull mänsklighet, reflektion och kontemplation, och "Vandraren i vinden" håller bokstavligen stånd mot den storm av förstörelse som Barlachs verk utsattes för från 1934 och framåt. Skulpturen är baserad på en teckning från 1927 som konstnären överförde en till en. Med vänster hand håller han mössan på huvudet och med höger hand sluter han manteln framför kroppens mitt. Den vänstra sidovyn illustrerar den dynamiska rörelsen framåt genom ett veck i manteln, som betonar det stödjande benet från vilket kraften för nästa steg kommer. Den högra sidan, med en sockel och veck i manteln, är lugnare, mer reflekterande, som om de tankar som gör avfärden nödvändig har uppstått här fulla av längtan, och vandrarens ansikte och uttryck är av särskild betydelse. Det visar på kampvilja och beslutsamhet. Skulpturen blir ett monument över mod, motstånd och självförtroende. Verket "Wanderer in the Wind" är ett desperat insisterande engagemang för frihet och motstånd. Det är detta som gör verket så ovanligt värdefullt och tyvärr tidlöst aktuellt. (Dr Friedhelm Häring, tidigare museichef och intendent) Skulptur i fin brons, gjuten med tekniken för förlorat vax och mejslad, polerad och patinerad för hand. Gjuten efter originalet och förminskad (reduktion). Öppen baksida. Begränsad upplaga om 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuteriets märke. Med numrerat äkthetsintyg och begränsningsintyg. Storlek 33 x 16 x 5 cm (h/w/d). Vikt 2,6 kg. ars mundi exklusiv utgåva.

Barlachs massiva träskulptur "Drömmande kvinna" från 1912 är ett konstverk med enorm karisma. Kvinnogestalten ligger där, omedveten om världen, med knäna lätt uppåtdragna, ögonen slutna, huvudet avslappnat tillbakalutat med mjuka ansiktsdrag och händerna vilande i knät - en symbol för det största lugn. Barlach ägnade sig åt drömmar och drömmare flera gånger under den här perioden, ja, på tröskeln till första världskriget var det ett nästan typiskt motiv inom många konstområden. Till skillnad från hans "Drömmare" från samma år finns det dock inte ett spår av desperat föraning eller skrämmande osäkerhet i "Drömmande kvinna": den (dag)drömmande gestalten är helt tillfreds med sig själv, till synes oangripbar av alla världens faror. Som alla Barlachs skulpturer lever "Den drömmande kvinnan" av den mästerligt iscensatta kontrasten mellan strikt reducerad form och stark känsloupplevelse. Formen på hans skulpturer, kommenterade Barlach en gång lakoniskt, "motsvarar de mjuka vågorna i det mecklenburgska landskapet" - skulptörens stora konst ligger dock i att skapa komplexa själslandskap inför betraktarens öga i detta nästan ursprungligt återhållsamma formspråk. Skulptur i fin brons, gjuten och patinerad för hand med hjälp av tekniken för förlorat vax. Gjuten direkt från originalet och förminskad i storlek (reduktion). Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuterimärket. exklusiv utgåva från ars mundi, utgiven i samarbete med Ernst Barlach Gesellschaft. Med numrerat äkthetsintyg och begränsning. Storlek 31 x 14,5 x 11,5 cm (B/H/D), vikt ca 3 kg.

Mot alla odds: Ernst Barlachs "Herde i stormen". exklusiv utgåva från ars mundi, utgiven i samarbete med Kunsthalle Bremen. Ernst Barlach är en av de viktigaste företrädarna för realismen och expressionismen. Hans utbildning förde honom till Hamburg, Dresden och Paris. Efter en resa till Ryssland 1907, som hade ett formativt inflytande på honom, skapade han sina första träskulpturer och bronsfigurer, som är bland hans mest kända verk idag och i vilka han införlivade sina intryck av rysk folkkonst. Bland dem finns figuren "Herde i stormen" från 1908, som ursprungligen utfördes i lindträ och var Barlachs första stora träskulptur. Den skäggige herden håller emot vinden med böjt huvud och går med kraftiga steg. Med höger hand trycker han sin platta hatt mot pannan och med vänster hand drar han fållen på sin vida, pösiga rock tätt intill kroppen. Tätt i hälarna följer en hund som söker skydd mellan herdens ben och under den böljande spetsen på hans kappa. Barlach hade redan ett år tidigare förberett motivet i en preliminär ritning, som nu är i privat ägo. I skulpturen smälter människan och djuret samman på den nästan ovala sockeln och bildar en triangulär komposition som verkar skjuta framåt som fören på ett fartyg mot vindens motstånd. Kappans mjukt svajande konturer ger liv åt figurgruppens slutna struktur. Redan i sina tidiga verk var Barlach intresserad av människor och deras livsvillkor. Skulpturen "Herde i storm" är den första i en serie verk av Barlach som visar människan i konfrontation med yttre krafter, varvid han uppfattade storm och vind som uttryck för övermänskliga krafter. Bremenmålaren och mecenaten Leopold Biermann förvärvade skulpturen 1908 på Berlinsektionens 16:e utställning och donerade den till Kunsthalle Bremen. "Herden i stormen" blev därmed det första verket av Barlach som ingick i en offentlig konstsamling. Skulptur "Herden i stormen": Original: Fin brons, gjuten med tekniken för förlorat vax, mejslad, polerad och patinerad för hand. Gjuten direkt från originalet och förminskad i storlek (reduktion). Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuterimärket. exklusiv utgåva från ars mundi, utgiven i samarbete med Kunsthalle Bremen. Med numrerat äkthetsintyg och begränsning. Storlek 27,5 x 25 x 13 cm (h/w/d). Vikt 4,8 kg. "Kunsthalle Bremen äger en av de mest omfattande samlingarna av den expressionistiske skulptören Ernst Barlach, med många viktiga skulpturer och hela hans grafiska produktion. Vi är därför mycket glada över att kunna dela en reproduktion av hans stora verk "Shepherd in the Storm" med världen. Den snidade träskulpturen skapades 1908 och donerades till museet bara ett år senare. För mig symboliserar den den universella idén att hinder är en del av livet. Den enkla vägen är inte alltid den rätta om man vill uppnå sina mål eller fullgöra sina plikter. (Prof Dr Christoph Grunenberg, direktör för Kunsthalle Bremen)

"Ernst Barlach utförde en fjärdedel av sina skulpturala verk i trä. Gotiska träskulpturer är helt enkelt uppenbarelser för mig", sade han redan 1909. 1930 högg Barlach ut sin 114,8 cm höga "Läskunnig klosterelev" i ek, nästan i naturlig storlek. Figuren, som nu står i Gertrudenkapellet i Güstrow, ingår i en serie verk av läsande munkar. Det majestätiska blocket i hans figur kan nu också upplevas som en exklusiv utgåva av ars mundi i den mindre bronsen. Från sin resa till Ryssland tog Barlach med sig två grundläggande erfarenheter, som är väsentliga i alla genrer av hans arbete. Det är människan, ödesbestämt förbunden med jorden, själv som en jordväxt. Sedan har vi den vandrande, sökande människan, den inåtvända och lyssnande människan. I sin skulptur skildrar Barlach denna förvandling från jordens tyngd till det andliga. Det är varje människas möjliga förvandling, grundtonen i hans imponerande verk "Läsande klosterstudent". Här sitter en ung man, som får bästa möjliga utbildning i en klosterskola, med nästan slutna ögon, eftersom han bara kan finna svaren på sitt sökande efter mening inom sig själv. Det ord han har läst har inte gått honom förbi. Det har kommit honom nära, har trängt in i hans gestalt och hans ansikte som den verkliga meningen med hans existens, som det fasta, det obrytbara. Den läsande klosterstudenten har i en världssekunds ögonblick gripit sanningens ord, den fråga som kanske kommer att avgöra hela hans liv, vem är du?" (Dr Friedhelm Häring, f.d. museichef och intendent)Skulptur i fin brons, gjuten i vaxdumpningsprocessen och mejslad, polerad och patinerad för hand. Gjuten från originalet och förminskad i storlek (reduktion). Begränsad upplaga på 980 exemplar, individuellt numrerade och med signaturen "E. Barlach" och gjuteriets märke. Med numrerat äkthetsintyg och begränsningsintyg. Storlek 24 x 15,5 x 9 cm (h/w/d). Vikt ca 4 kg. ars mundi exklusiv utgåva.

Minnesmärke och uttryck för vänskap: "Den svävande mannen" Ett av Ernst Barlachs mest kända verk, "Den svävande mannen", skapades som ett minnesmärke över offren för första världskriget och hängdes som sådant i en nisch i Güstrows katedral 1927-1937. Men den är också ett minnesmärke över vänskap på två sätt: som en komplett skulptur (Catalogue raisonné 425) och som en detaljerad avgjutning "Head of the Güstrow Memorial of Honour" (Catalogue raisonné 426). Vi har Barlachs vänner att tacka för att den kompletta skulpturen fortfarande finns kvar. Kort efter konstnärens död 1938 lät de göra en ny avgjutning av den befintliga modellen och gömde den efter att "Den svävande mannen" 1937 hade klassats som "degenererad" av de nazistiska myndigheterna, avlägsnats från katedralen och slutligen till och med smälts ned. Den hänger nu i Antoniterkirche i Köln och skulle i sin tur kunna användas för att göra en ny avgjutning till sin ursprungliga plats. Barlachs mästerverk återvände således till Güstrows katedral 1953 och har sedan dess hedrat offren för världskrigen 1914-1918 och 1939-45, med årtalen inristade i sten under sig. "Huvudet på Güstrows hedersmonument", Barlachs detaljerade avgjutning från 1930, är också ett dokument över en direkt konstnärlig vänskap. Dess ansiktsdrag är helt klart - om än "oavsiktligt", som Barlach senare hävdade - hans konstnärsvän Käthe Kollwitz. Hennes verk var också utfrysta i det nationalsocialistiska Tyskland. År 1936 togs hennes verk bort från Berlinakademins utställning. Från och med då var hon praktiskt taget inte längre närvarande som konstnär. I efterhand framstår "Huvudet på Güstrows hedersmonument" som en föraning om en ödesgemenskap: det är porträttet av en konstnär som Barlach beundrade som en vän och som, liksom han själv, snart gick svåra tider till mötes. Det speciella med denna utgåva: Tillverkad av fin brons, gjuten för hand med tekniken för förlorat vax. Gjuten direkt från originalet och förminskad i storlek. Begränsad till 980 exemplar, individuellt numrerade, med gjuterimärke. exklusiv utgåva från ars mundi, utgiven i samarbete med Ernst Barlach Gesellschaft. Med numrerat äkthetsintyg och begränsning. Version som väggobjekt. Detaljgjutning av "Schwebender" (WVZ 424, 1927), utförd första gången 1930 (WVZ 426). Storlek 22,5 x 24 x 15 cm (B/H/D), vikt 4,5 kg. Med väggfäste.

"Livets träd" av Fuchs och Askew Det var en förfrågan till Ernst Fuchs som utlöste skapandet av "Livets träd": Ursprungligen skulle skulpturen fungera som en utmärkelse för människor över hela världen som har gjort enastående insatser för att bevara skogsområden. När de första skisserna till slut var klara avbokade kunden sitt uppdrag. Fuchs bestämde sig ändå för att slutföra konstverket och bad Askew om hjälp med att förverkliga det. I slutändan flödade så många gemensamma idéer in i skulpturen att den nu betraktas som ett gemensamt verk. I "Livets träd" kombineras ekologiska idéer med de mytologiskt-fantastiska motiv som är så typiska för båda konstnärerna. Den ursprungliga symbolen för fruktbarhet och livets överflöd förekommer redan i den forntida orientaliska konsten och genomsyrar konsthistorien under hela antiken. Den är till och med ett vanligt förekommande motiv i indisk konst. Som en symbol som hyllar livet (och i den kristna tolkningen sedan medeltiden också: uppståndelsen) har den fascinerat konstnärer i alla tider - även moderna, tänk bara på Klimts berömda förverkligande i Stoclet-frisen. Fuchs och Askew förblir figurativa och konkreta i sitt Livets träd: en kvinnlig torso växer ut ur stammen som en symbol för det moderliga, livgivande, omgiven av rikt lövverk.ars mundi exklusiv utgåva i tre versioner: Version tillverkad av fin brons, gjuten med tekniken förlorat vax, med antikgrön patina och delvis polerad. Begränsad världsutgåva i 299 exemplar, numrerad och signerad. Storlek 30 x 42 x 11 cm (B/H/D). Vikt 7,4 kg.

"Livets träd" av Fuchs och Askew Det var en förfrågan till Ernst Fuchs som utlöste skapandet av "Livets träd": Ursprungligen skulle skulpturen fungera som en utmärkelse för människor runt om i världen som har gjort enastående insatser för att bevara skogsområden. När de första skisserna till slut var klara avbokade kunden sitt uppdrag. Fuchs bestämde sig ändå för att slutföra konstverket och bad Askew om hjälp med att förverkliga det. I slutändan flödade så många gemensamma idéer in i skulpturen att den nu betraktas som ett gemensamt verk. I "Livets träd" kombineras ekologiska idéer med de mytologiskt-fantastiska motiv som är så typiska för båda konstnärerna. Den ursprungliga symbolen för fruktbarhet och livets överflöd förekommer redan i den forntida orientaliska konsten och genomsyrar konsthistorien under hela antiken. Den är till och med ett vanligt förekommande motiv i indisk konst. Som en symbol som hyllar livet (och i den kristna tolkningen sedan medeltiden också: uppståndelsen) har den fascinerat konstnärer i alla tider - även moderna, tänk bara på Klimts berömda förverkligande i Stoclet-frisen. Fuchs och Askew förblir figurativt konkreta i sitt Livets träd: en kvinnlig torso växer ut ur stammen som en symbol för det moderliga, livgivande, omgiven av ett rikt lövverk.ars mundi exclusive edition i tre versioner: Version som marmoravgjutning med guldmålning, gjuten för hand. Begränsad upplaga om 999 exemplar, numrerad och signerad. Storlek 30 x 42 x 11 cm (B/H/D). Vikt 2,2 kg.

Ernst Fuchs sammanför två mytiska varelser i form av hästar: enhörningen och den bevingade hästen Pegasus. Särskilt i heraldiken brukar enhörningen avbildas "hoppande" i upprätt ställning. Fox lyfter den nu helt upp i luften som Pegasus. Den himmelske Pegasus betraktas också som en inspirationskälla, eftersom han ger upphov till Hippucrene, musernas källa, den så kallade hästkällan, genom att slå sin hov mot berget. Faktum är att både Pegasus och enhörningen redan har anlänt till himlen som konstellationer, där Pegasus gränsar till svanens konstellation: Om man tittar på hornet i pannan på Ernst Fuchs skulptur ser man att det inte är rakt, utan böjt som en svanhals. "Min konsts ständiga följeslagare, enhörningen, är också upphovsman till alla förvandlingar. Enhörningen är den heraldiska symbolen för mina strävanden att skapa det totala konstverket. Nu har den stigit upp och blivit Pegasus. Men de två myterna har förenats i mitt verk, till och med hornet har blivit igenkännbart i sin likhet med Lohengrins svan som ett tecken på hans ankomst från Graalen. Min enhörning Pegasus är symbolen för en ny dimension i min konst och dess syntes i Gesamtkunstwerk. Med vänlig hälsning tillägnad vännerna av min konst och särskilt till dig. (Ernst Fuchs) Edition i brons, gjuten med tekniken för förlorat vax, mejslad och patinerad för hand. Begränsad till 300 numrerade och signerade exemplar. Storlek 39 x 19 x 29 cm (H/W/D). Vikt 9,38 kg.

Ernst Fuchs (1930-2015) föddes i Wien och var en av grundarna av Wienskolan för fantastisk realism. Hans verk hade ett avgörande inflytande på förståelsen av 1900-talets konst. Om det kallas sfinxen eller sfinxen beror på kulturen. I Egypten var den manlig, med ett människohuvud och lejonkropp var den en maktsymbol och kantade vägen till templen som en väktargestalt. Den mest kända sfinxskulpturen av alla är också en av de äldsta: huvudet föreställer faraon Chefren (2540-2515 f.Kr.). Det var inte förrän hos grekerna som sfinxen blev en kvinnlig figur. Det var upp till symbolkonsten att så att säga återuppliva sfinxens gestalt. Den förvandlade henne till en gestalt av den mystiske Eros. Ernst Fuchs står också i denna tradition med sin "Sfinx med guldhjälm". Samtidigt ger han sitt motiv, här liksom i många av sina andra verk, inte bara från mytologiska utan också från mytiska källor, klart fantastiska drag. Fuchs sfinx symboliserar på så sätt världens gåta och livet par excellence. Skulptur i fin brons, gjuten med tekniken för förlorat vax, mejslad, polerad och patinerad för hand. Med förgylld hjälm. Monterad på en sockel av svart granit. Limiterad till 1.999 numrerade och signerade exemplar. Storlek 12 x 11 x 7 cm (h/w/d). Vikt 1 kg.

I detta mästerverk tar Ernst Fuchs upp ett uråldrigt mytologiskt tema: Konflikten mellan den flygande gripen och den jordbundna ormen. Kombinationen av lejonets kropp, örnens huvud och vingar symboliserar kontrollen över luft och jord. På grund av sin skarpa syn sades den ha klärvoajanta förmågor och betraktades som Apollons heliga djur och guldets väktare. Sedan medeltiden har gripen varit en av de viktigaste heraldiska figurerna: den återfinns i vapensköldar för många länder och städer, t.ex. Baden-Württemberg, Mecklenburg-Vorpommern, Düsseldorf, Greifswald eller Rostock - och naturligtvis i vapensköldar för gamla aristokratiska familjer. Genom att utforma sin skulpturgrupp som ett ljusstakeobjekt återknyter Ernst Fuchs också till 1700- och 1800-talens bordskultur.ars mundi exclusive edition i fin brons. Gjuten för hand med hjälp av tekniken för förlorat vax. Patinerad och polerad för hand. Begränsad upplaga om 499 exemplar, numrerad och signerad. Storlek 35 x 31 x 13,5 cm (B/H/D). Vikt 9 kg. Kan även användas som ett ljusobjekt.

En klassisk nakenbild i en klassisk pose som, enligt Schinzels konstnärliga självuttalande, liksom hela hans livsverk "med glädje och förtjusande entusiasm omfamnar livet och skapelsen i dess skönhet i människans mirakel". Skulptur i brons, gjuten med tekniken för förlorat vax, patinerad och polerad. Gjuten direkt från originalet. Begränsad upplaga om 199 exemplar, numrerade och med signatur och gjuterimärke hämtade från originalet. Med numrerat äkthetscertifikat och begränsningscertifikat. Storlek 31 x 15 x 17,5 cm (h/w/d). Vikt 4,75 kg.