Barlach, een van de belangrijkste vertegenwoordigers van het Duitse expressionisme, is beroemd om zijn houten en bronzen sculpturen. Het thema van de lezende monniken hield hem al bezig in 1921. In het bronzen werk uit 1932, waarvan ook een houten versie bestond, benadrukt hij de expressieve kracht van de lineaire plooien van de gewaden door reductie en last hij het blok van zittende figuren aan elkaar. Hij werd geïnspireerd door de kunst van het 14e-eeuwse Florence en door de beelden en schilderijen van de meester Bertram (1345-1415), die in het altaar uit 1379 in de Hamburger Kunsthalle een oeroude, levendige vertelkunst tentoonspreidt. Barlachs avant-gardistische visie probeerde deze fundamentele kracht te heroveren. De houten versie werd in 1937 in München belachelijk gemaakt door de nationaalsocialisten in de tentoonstelling 'Ontaarde Kunst'. Barlachs werk overleefde, werd wereldwijd erkend en vertegenwoordigd in de belangrijkste collecties. Sculptuur 'Reading Monks III': Gedreven door menselijkheid en sociale betrokkenheid leidt Barlachs scheppingskracht tot concentratie en verinnerlijking. De voegachtige behandeling van zijn oppervlakken, in combinatie met de gevouwen rondingen, is als in- en uitademen, een vitale samenhang. De cirkel die zich in het beeld opent vanuit het hoofd van de linkermonnik over de schouder en arm naar het opengeslagen boek, wordt voortgezet naar de arm van de rechtermonnik en sluit zich in de schouder- en hoofdkanteling. De communicatie tussen de individuen en het boek leeft in deze cirkel. Ze hebben gelezen en begrepen. In de vermanende stilte buiten het vluchtige proces van het leven zijn ze tot rust gekomen. We herkennen de fijne nuances van ontworpen evenwicht in de gevouwen handen van de monnik rechts, die als een symbool voor twee vouwen van de schaal zweven. Barlachs werk wordt de mond van de waarheid. Ik beveel dit werk aan als een belangrijk hedendaags document waarvoor we eerbiedig kunnen worden. Het grote potentieel ervan vandaag de dag is het tonen van een weg weg van de modieuze en triviale sensaties van het dagelijks leven naar de essentie van het mens-zijn: Vragen stellen, herkennen, conclusies trekken voor zelfontdekking. De lezende monniken III geven een voorbeeld. Zij illustreren de aantrekkingskracht en troost die van boeken uitgaat. Vreugde en diepgang in het begrijpen van de wereld kunnen voortkomen uit een gedicht zoals ze dat doen in dit beeld. In zijn vormen geeft Barlach ons een deel van de eindeloze context van de schepping, de voorwaarden om de zin van het leven te benaderen. Dat is het religieuze aspect van zijn kunst, liefde. (Dr. Friedhelm Häring, voormalig museumdirecteur en curator)Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek en met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Rechtstreeks naar het origineel gegoten en verkleind (reductie). Gelimiteerde oplage van 980 stuks, individueel genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het gieterijmerk. exclusieve editie van ars mundi. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Afmetingen 22 x 16,5 x 14 cm (h/w/d), gewicht 4,2 kg.

Toen Ernst Barlach in 1931 zijn figuur 'Onderwijzende Christus' creëerde, richtte hij zich op een van de belangrijkste thema's van de westerse kunstgeschiedenis door de Verlosser af te beelden. Barlach beeldt de Zoon van God uit als een mens onder de mensen. De 'Onderwijzende Christus' draagt een eenvoudig gewaad; hij troont niet, maar zit in een ontspannen, open houding en straalt empathie en genegenheid uit. Het ontwerp en de structuur van het beeld zijn erop gericht dat de toeschouwer Christus en zijn liefde voor de mensheid letterlijk op ooghoogte ontmoet. De 'Onderwijzende Christus' werd pas voor het eerst in brons gegoten in 1938, zeven jaar nadat het was gemaakt. En pas na de Tweede Wereldoorlog vonden in totaal 14 grote, van het origineel afgegoten figuren hun weg naar kerken - in Güstrow, in Rostock, in Hamburg in de Christuskirche, maar ook in het Stedelijk in Eindhoven en in het Israël Museum in Jeruzalem. (Dr Friedhelm Häring, voormalig museumdirecteur en curator) Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Afgietsel van het origineel en verkleind (reductie). Gelimiteerde oplage van 980 exemplaren, genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het keurmerk van de gieterij en ars mundi. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Afmetingen 28 x 13 x 10,5 cm (h/w/d). Gewicht ca. 2,9 kg. ars mundi exclusieve editie.

Brons naar een afgietsel uit 1932, dat voor het eerst publiekelijk werd getoond op de tentoonstelling 'Levende Duitse kunst' in Berlijn in 1933. De reis naar Rusland in 1906 had bij Barlach nieuwe, vormbewuste energieën losgemaakt, die zijn verdere artistieke werk sterk kenmerkten. Met de Russische bedelaarsculpturen legde hij dus de basis voor zijn verdere sculpturale werk. De 'Russische bedelaar II' is een zeer expressieve, meditatieve figuur. De vorm wordt omkaderd door de breed gebogen omtrek van de rug, die zich alleen opent door de uitgestrekte hand. Op deze manier wordt het hoofd, gebogen in nederigheid of schaamte, verbonden met de smekende uitgestrekte hand en wordt het een uitdrukking van een proces dat zowel spiritueel als fysiek is. Deze hand formuleert geen eis, maar een behoefte en verzoek om materiële en geestelijke voeding. Barlach beschrijft de betekenis van zijn bedelaarsfiguren als 'symbolen van de menselijke situatie in haar naaktheid tussen hemel en aarde'. Beeldhouwwerk in fijn brons, met de hand gegoten volgens de verloren wastechniek en gepatineerd. Rechtstreeks gegoten van het origineel en verkleind (reductie). Gelimiteerde oplage van 980 exemplaren, individueel genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het gieterijmerk. exclusieve editie van ars mundi. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Formaat 14,5 x 26 x 11,5 cm (h/w/d). Gewicht 3,4 kg.

De gemeenschap van heiligen van Ernst Barlach: Symbolen van het menselijk bestaanErnst Barlach genoot tot ver in zijn dertigste veel erkenning als schrijver en beeldhouwer van figuratieve sculpturen. In 1925 werd hij erelid van de Academie voor Schone Kunsten in München. In die tijd maakte hij ook verschillende monumentale gedenktekens die ooit wereldfaam zouden verwerven, waaronder het 'Güstrow-Gedenkmonument', de beroemde 'zwevende engel' in de kathedraal van Güstrow. In 1934 keerde het tij echter. Barlach, nu in zijn zesde decennium, moest ervaren hoe zijn werken werden belasterd als 'ontaard' en uit musea verdwenen. De eremonumenten die hij ontwierp werden vernietigd, 'De drijvende man' uit de kathedraal van Güstrow werd zelfs omgesmolten - en als vrienden geen tweede afgietsel hadden verborgen tot het einde van de oorlog, zou het werk vandaag de dag verloren zijn gegaan. De situatie is vergelijkbaar met de sculpturen 'Vrouw in de wind' en 'De zanger'. Ze werden in beslag genomen samen met ongeveer 380 andere werken van Barlach. Hun redder was ook hun beschermheer: Carl Georg Heise, museumdirecteur in Lübeck. In 1929 had hij Barlach aangemoedigd om een ensemble van beelden te ontwerpen met de titel 'Communion of Saints' voor de westgevel van de St. Het moesten er 16 worden, maar tussen 1930 en 1932 werden er slechts drie gerealiseerd: 'De Bedelaar', 'De Zanger' en 'De Vrouw in de Wind'. Drie andere figuren: 'De Gebondene', 'De Pelgrim' en 'De Hoornblazer' zijn bewaard gebleven in voorlopige modellen. Carl Georg Heise werd in 1933 ontslagen, maar verkreeg de drie bestaande figuren als privébezit. In 1939, het jaar na de dood van Barlach, werden ze aan hem overgedragen en zo overleefden ze de oorlogsperiode 'in dozen [...] onder de veranda in het huis van mijn schoonmoeder', zoals hij later meldde. Pas in 1947 vonden ze uiteindelijk hun weg naar de daarvoor bestemde nissen van de Sint-Catharinakerk. De ruimtelijke werking van de gotische kerk en de nauwe nissen bepaalden Barlachs opvatting over de vorm. De nabijheid van middeleeuwse beeldhouwkunst is onmiskenbaar; Barlach creëerde echter geen heiligenbeelden in de christelijke iconografie, maar eerder symbolen van het menselijk bestaan en "lijdende en getransfigureerde menselijke figuren die naar de wereld kijken, elk op zijn eigen manier worstelend met zijn God" (Carl Georg Heise). Sculptuur 'Vrouw in de wind': Het geplooide gewaad dat het lichaam omhult, kenmerkt de lichamelijkheid van de staande jonge vrouw en concentreert de blik op het hoofd, dat als enige uitdrukkingsmiddel dient. Brons naar een verkleind model uit 1931, met de hand gegoten met de verloren wastechniek en gepatineerd. Gelimiteerde oplage van 980 stuks, individueel genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het gieterijmerk. Ars mundi exclusieve editie, uitgegeven in samenwerking met het Ernst Barlach Gesellschaft. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaring. Formaat 7,3 x 32 x 5,5 cm (B/H/D), gewicht 1,95 kg.

Barlach maakte dit indrukwekkende werk 'Wanderer in the Wind' in 1934, een van zijn belangrijkste, populairste en best beschreven werken. Doorheen de decennia van Barlachs oeuvre wordt het lot van de mens aan de toeschouwer geopenbaard in karakteristieke, fundamentele gevoeligheden. Alle werken zijn vervuld van diepe bedachtzaamheid, liefdevolle menselijkheid, reflectie en contemplatie, en de 'Wanderer in the Wind' zet zich letterlijk schrap tegen de storm van vernietiging van Barlachs werken vanaf 1934. Het beeld is gebaseerd op een tekening uit 1927, die de kunstenaar één op één heeft overgebracht. Met zijn linkerhand houdt hij de pet op zijn hoofd en met zijn rechterhand sluit hij de mantel voor het midden van zijn lichaam. Het linker zijaanzicht illustreert de dynamische voorwaartse beweging door een plooi in de mantel, die het steunbeen benadrukt waaruit de kracht voor de volgende stap komt. De rechterkant, met een sokkel en plooien in het kleed, is rustiger, meer reflectief, alsof de gedachten die het vertrek noodzakelijk maken hier vol verlangen zijn ontstaan, en het gezicht en de uitdrukking van de wandelaar zijn van bijzondere betekenis. Het toont de wil om te vechten en vastberadenheid. Het beeld wordt een monument voor moed, verzet en zelfvertrouwen. Het werk 'Wanderer in the Wind' is een wanhopig aandringen op vrijheid en verzet. Dit maakt het werk zo ongewoon waardevol en, helaas, tijdloos actueel. (Dr. Friedhelm Häring, voormalig museumdirecteur en curator) Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek en met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Afgegoten van het origineel en verkleind (reductie). Open achterkant. Gelimiteerde oplage van 980 stuks, individueel genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het gieterijmerk. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Afmetingen 33 x 16 x 5 cm (h/w/d). Gewicht 2,6 kg. ars mundi exclusieve editie.

Gedenkteken en uiting van vriendschap: De 'zwevende man' Een van de beroemdste werken van Ernst Barlach, de 'zwevende man', werd gemaakt als gedenkteken voor de slachtoffers van de Eerste Wereldoorlog en hing als zodanig in een nis in de kathedraal van Güstrow van 1927-1937. Het is echter ook op twee manieren een gedenkteken voor vriendschap: als complete sculptuur (catalogue raisonné 425) en als gedetailleerd gegoten 'Hoofd van het Güstrow Eremonument' (catalogue raisonné 426). Dat het complete beeld nog steeds bestaat, hebben we te danken aan Barlachs vrienden. Kort na de dood van de kunstenaar in 1938 lieten ze nog een afgietsel maken op basis van het bestaande model en verstopten het nadat 'De zwevende man' in 1937 door de nazi-autoriteiten als 'ontaard' was geclassificeerd, uit de kathedraal was verwijderd en uiteindelijk zelfs was omgesmolten. Vandaag de dag hangt het in de Antoniterkirche in Keulen en zou het op zijn beurt weer gebruikt kunnen worden om een nieuwe afgietsel te maken voor de oorspronkelijke locatie. Barlachs meesterwerk keerde dus in 1953 terug naar de kathedraal van Güstrow en herdenkt sindsdien de slachtoffers van de wereldoorlogen van 1914-1918 en 1939-45, met de data eronder in steen gegraveerd. Het 'Erehoofd van Güstrow', Barlachs gedetailleerde afgietsel uit 1930, is ook een document van een directe artistieke vriendschap. De gelaatstrekken zijn heel duidelijk - hoewel 'onbedoeld', zoals Barlach later beweerde - die van zijn kunstenaarsvriendin Käthe Kollwitz. Haar werk werd ook verstoten in het nationaalsocialistische Duitsland. In 1936 werden haar werken verwijderd uit de tentoonstelling van de Berlijnse Academie. Vanaf dat moment was ze praktisch niet meer aanwezig als kunstenaar. Achteraf gezien lijkt het 'Eremonument Güstrow' een voorbode van een lotsgemeenschap: het is het portret van een kunstenares die Barlach als vriend bewonderde en die, net als hij, al snel moeilijke tijden tegemoet ging. De bijzonderheden van deze editie: gemaakt van fijn brons, met de hand gegoten volgens de verloren-wastechniek. Rechtstreeks van het origineel gegoten en verkleind. Gelimiteerd tot 980 exemplaren, individueel genummerd, met gieterijmerk. ars mundi exclusieve editie, uitgegeven in samenwerking met het Ernst Barlach Gesellschaft. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaring. Uitvoering als wandobject. Detail afgietsel van de 'Schwebender' (WVZ 424, 1927), voor het eerst uitgevoerd in 1930 (WVZ 426). Afmetingen 22,5 x 24 x 15 cm (B/H/D), gewicht 4,5 kg. Met muurbevestiging.

Het paard - het favoriete motief van Franz Marc - is het symbool van het leven bij uitstek. Het verbindt verleden en toekomst, hemel en aarde. Krachtig en dynamisch staat het op de grond van de werkelijkheid en stijgt het toch op naar hemelse sferen. De kleur blauw symboliseert het allesoverheersende spirituele, vrijheid en oneindigheid. Sculptuur gebaseerd op het originele schilderij uit 1911, gegoten met polymeer, met de hand gegoten en met de hand beschilderd. Afmetingen 12 x 25 x 22 cm (B/H/D).

Voor Marc werd het paard in al zijn elegantie en vitaliteit een symbool van leven, realiteit en vrijheid. Het staat symbool voor de kracht van cultuur; het is het paard dat landbouw en mobiliteit voor de mens mogelijk maakt. Maar de natuur was er al vóór de mens: vrij, onaangetast en krachtig.Beeldhouwersmodel naar het origineel in de Städtische Galerie im Lenbachhaus, München (catalogue raisonné Lankheit 906). Het krachtig gemodelleerde paar paarden van Franz Marc biedt een beeld van tederheid, dynamiek en perfecte harmonie - een symbool van moderne beeldhouwkunst. Uitgave in polymeer kunstbrons, met de hand gegoten en met de hand gepatineerd. Afmetingen 23 x 22 cm (B/H).

Friedensreich Hundertwasser onderzocht een leven lang de natuur als partner van de mens en riep op tot een vredesverdrag met de natuur. Het porseleinen object 'Soul Tree Flower' weerspiegelt het verlangen naar leven, naar schoonheid in harmonie met de natuur. Werknummer PM XIV, variatie na 925, exclusief voor ars mundi geproduceerd door de Königlich privilegierte Porzellanmanufaktur Tettau. Het hoogwaardige object is bezet met echt goud en vervaardigd met 16 speciale kleuren. 3 keer gebakken. Hoogte 32 cm, diameter 15 cm. Strikt gelimiteerde oplage van 999 stuks, individueel met de hand genummerd.Accessoires:Het hoogwaardige object 'Seelenbaum-Blume' wordt geleverd in een exclusieve zwarte kartonnen doos met goudopdruk. Copyright 2011 NAMIDA AG, CHDe geïllustreerde werken zijn auteursrechtelijk beschermd. Het is in het bijzonder niet toegestaan om deze afbeeldingen te kopiëren, te bewerken, af te drukken of te publiceren. Inbreuken zullen strafrechtelijk en civielrechtelijk worden vervolgd.De getoonde kunstwerken zijn auteursrechtelijk beschermd. Het is in het bijzonder niet toegestaan om deze afbeeldingen te kopiëren, te bewerken, af te drukken of te publiceren. Overtredingen zullen strafrechtelijk en civielrechtelijk worden vervolgd.

In 1912 veroorzaakte Georg Kolbe een sensatie in Berlijn met zijn 'Danseres' - zijn beroemdste werk tot nu toe. Het thema van (expressieve) dans en expressieve, zelfs extatische beweging drong tot ver in de jaren 1920 door in zijn sculpturale werk, zoals in zijn Knielende vrouw uit 1921. In het decennium tussen deze twee werken kreeg Kolbe de titel van professor (1918) en werd hij - samen met Ernst Barlach en Wilhelm Lehmbruck - toegelaten tot de Pruisische Kunstacademie (1919). In de jaren 1920 werd hij onbetwist beschouwd als een van de belangrijkste beeldhouwers in Duitsland, en daarmee trok hij ook de aandacht van grote kunstverzamelaars over de hele wereld. Een exemplaar vond later zijn weg naar de legendarische kunstcollectie van Nelson Rockefeller; het stond model voor onze exclusieve editie. Origineel: Rockefeller Collection/The Museum of Modern Art (MoMA). Beeldhouwwerk in fijn brons, gepatineerd. Met de hand gegoten met de verloren wastechniek. Rechtstreeks gegoten naar het origineel. Beperkte oplage van 199 stuks, individueel genummerd en gesigneerd en voorzien van het gieterijmerk. Afmetingen 38 x 52,5 x 23 cm (h/w/d). Gewicht ca. 11 kg. ars mundi exclusieve editie.

Origineel: Houten sculptuur, roodbruin gebeitst, originele afmetingen 87,5 x 22,5 x 26 cm. Privébezit. Uitgave in brons. Rechtstreeks van het origineel gegoten en verkleind (reductie), met de hand gegoten met de verloren wastechniek en bruin gepatineerd. Beperkte oplage van 499 exemplaren, genummerd en voorzien van de handtekening en het gieterijmerk uit het origineel. exclusieve uitgave van ars mundi, uitgegeven in samenwerking met de erven. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaring. Afmetingen 32 x 8,5 x 9,5 cm (h/w/d). Gewicht 2,8 kg.

Käthe Kollwitz (1867-1945) werd vaak gezien als een primair sociaal, zelfs politiek gemotiveerde kunstenaar, omdat ze in haar werk herhaaldelijk haar stem verhief voor de armen en onderdrukten. Kollwitz drong aan op menselijkheid, zelfs in onmenselijke tijden, en dit alleen al kon en moest worden opgevat als een politiek standpunt. Haar betekenis voor vandaag ligt echter in het feit dat ze nooit stoutmoedig werkte, maar tegelijkertijd de figuren die ze creëerde een intimiteit verleende die het vrijwel onmogelijk maakte om ze te lezen als eendimensionale 'symbolen' of 'voorbeelden'. Dit is ook te zien in een centraal werk uit haar late oeuvre, 'Abschied' (Afscheid) uit 1940/41, waarin de kunstenaar de pijn verwerkt van de dood van Karl Kollwitz, haar partner voor meer dan een halve eeuw, die overleed in 1940. Het motief van de omhelzing komt vaak voor in het werk van Kollwitz, hier boetseert ze het tot een beeld van de grootste nabijheid en intimiteit op het moment van verlies. Het is een werk van kleine gebaren: terwijl zij zich nog aan hem vastklampt, maakt hij zich van haar los - het is een weggaan, maar ook een loslaten, misschien ook het moment van aanvaarding van het onvermijdelijke. Sculptuur in fijn brons, gepatineerd. Met de hand gegoten volgens de verloren wastechniek. Rechtstreeks van het origineel gegoten en vergroot. Gelimiteerde oplage van 980 stuks, individueel genummerd en voorzien van de handtekening en het gieterijmerk van het museumorigineel. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Afmetingen 21 x 13,5 x 11,5 cm (h/w/d). Gewicht ca. 3,5 kg. ars mundi exclusieve editie.

In haar grafische en sculpturale werk verhief Käthe Kollwitz (1867-1945) herhaaldelijk haar stem ten gunste van de armen en onderdrukten. In het bijzonder ontwikkelde ze het motief van de vrouw en moeder, dat ze gebruikte om bescherming en zorg, maar ook onschuldig lijden te symboliseren. Haar sculptuur 'Pietà' verenigt beide motieven tot op zekere hoogte: enerzijds omarmt de moederfiguur haar volwassen zoon die op haar schoot ligt; anderzijds is de figuur, zoals de kunstenares het zelf uitdrukte, 'zoiets als een Pietà' en put ze zo uit een kunsthistorisch motief dat het lijden van Jezus' moeder toont in het gezicht van de dode Christus. Kollwitz wilde echter uitdrukkelijk niet dat haar beeld als religieus zou worden opgevat. De afgebeelde moeder is veeleer 'een oude, eenzame en donker contemplatieve vrouw' (volgens Kollwitz), die, zo zou je kunnen zeggen, zelfs in de ervaring van een catastrofe haar waardigheid behoudt. Haar waarschijnlijk bekendste sculptuur werd gemaakt in een tijd dat het naziregime Käthe Kollwitz haar beroep had verboden. Tegenwoordig herdenkt een vergrote kopie in de Neue Wache in Berlijn de 'Slachtoffers van Oorlog en Tirannie'. Beeldhouwwerk in fijn brons, gepatineerd. Met de hand gegoten met de verloren wastechniek. Rechtstreeks gegoten van het origineel en verkleind (reductie). Gelimiteerde oplage van 980 stuks, individueel genummerd en met handtekening en gieterijmerk overgenomen van het origineel. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Formaat 21,5 x 14,5 x 21 cm (h/w/d). Gewicht ca. 4,5 kg. ars mundi exclusieve editie.

Ze was een leerlinge van de grote Henri Matisse en een van de eerste, zo niet de eerste, Duitse beeldhouwer van aanzien. Beschuldigd als 'ontaard' tijdens het Derde Rijk, overleefden sommige van haar vroege werken het Nazi-tijdperk en de oorlog slechts bij toeval. Deze sculptuur is een van de weinige overgebleven werken uit de periode voor de Tweede Wereldoorlog. Het brons toont de krachtige en tegelijkertijd sensueel geconcentreerde scheppingskracht van de kunstenares. Rechtstreeks gegoten van het origineel en verkleind (reductie). Sculptuur in fijn brons, met de hand gegoten met de verloren wastechniek en gepatineerd. Beperkte oplage van 199 stuks, individueel genummerd en gesigneerd, met gieterijmerk. Afmetingen 6,5 x 32 x 5,5 cm. Gewicht 1,5 kg. ars mundi exclusieve editie.

Ze was een leerlinge van de grote Henri Matisse en een van de eerste, zo niet de eerste, Duitse beeldhouwer van aanzien. Beschuldigd als 'ontaard' tijdens het Derde Rijk, overleefden sommige van haar vroege werken het Nazi-tijdperk en de oorlog slechts bij toeval. Uit verdriet over haar vele verloren werken, probeerde Moll aan het eind van de jaren 1940 twee van haar werken uit de jaren 1920 opnieuw te maken. Haar bronzen 'Standing' toont de krachtige en tegelijkertijd sensueel geconcentreerde scheppingskracht van de kunstenares. Rechtstreeks gegoten van het origineel en verkleind (reductie). Sculptuur in fijn brons, met de hand gegoten met de verloren wastechniek en gepatineerd. Beperkte oplage van 199 stuks, individueel genummerd en gesigneerd, met gieterijmerk. Afmetingen 6,5 x 34 x 6 cm. Gewicht 1,4 kg. ars mundi exclusieve editie.

Marino Marini's 'Kleine ruiter': ars mundi exclusieve editie, gepubliceerd in samenwerking met de Kunsthalle Bremen. De ruiter op een paard - de kunstgeschiedenis kent het motief al sinds de oudheid, en het staat meestal voor de machtigen, de keizer en koning, macht in het algemeen. Het modernisme begint het echter te herinterpreteren en vervormt het onherkenbaar. Onze exclusieve editie, gelimiteerd tot slechts 150 stuks wereldwijd, biedt je het werk van een kunstenaar die, samen met Giacometti en Moore, een van de belangrijkste beeldhouwers van de vorige eeuw is. Zijn ruiterstand is echter allesbehalve een uitdrukking van macht. Het thema 'paard en ruiter' fascineert Marino Marini al tientallen jaren. Zijn vroegste werken tonen hen als een harmonieuze, verfijnde eenheid. De oorlogservaringen veranderden echter zijn hoofdonderwerp. Zijn motief werd zo een diagnose van de tijd - en niet in de laatste plaats een bronzen oproep om stelling te nemen tegen het dreigende onheil. Origineel: Brons, 41 x 28,5 x 13,5 cm, inv. nr. 410- 1961/1, Kunsthalle Bremen - Der Kunstverein in Bremen. Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Gelimiteerde oplage van 150 exemplaren, individueel genummerd en voorzien van de signatuur 'M.M.' afkomstig van het origineel en het keurmerk van de gieterij en ars mundi. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Afmetingen met voet 33,5 x 23,5 x 11,5 cm (h/w/d). Gewicht ca. 3,8 kg. ars mundi Exclusive Edition. © VG Bild-Kunst, Bonn 2021 'Marino Marini's sculptuur uit 1947 straalt geen controle of sterk leiderschap uit. De teugels zijn los en het paard en de ruiter kijken in verschillende richtingen. Met deze figuur weerspiegelt Marini de gebeurtenissen van zijn tijd. Voor mij is de kleine ruiter daarom ook een herinnering dat het belangrijk is om waakzaam te blijven en de actualiteit goed in de gaten te houden. Je hebt een duidelijk standpunt nodig, want al het andere leidt tot een gebrek aan richting. (Prof Dr Christoph Grunenberg, directeur van de Kunsthalle Bremen)

Harsfiguur gebaseerd op Magrittes beroemde schilderij 'Le fils de l'homme' uit 1964. 13 x 10,5 x 7,5 cm (H/W/D).

Alsof ze op hun knieën dansen, wordt dit moderne paar omarmd in intieme saamhorigheid. Sculptuur in fijn brons, met de hand gegoten met behulp van de verloren wastechniek, met de hand gepatineerd. Beperkte oplage van 199 stuks, individueel genummerd en voorzien van de handtekening van de kunstenaar en het merkteken van de gieterij. Afmetingen 17,5 x 17,5 x 10 cm (B/H/D). exclusieve editie van ars mundi.

Deze expressieve beeldengroep is een uitstekend voorbeeld van Mastallers observatievermogen, waarvoor hij in 1968 de Augsburgse stadsprijs kreeg. Beeldhouwwerk in fijn brons, met de hand gegoten volgens de verloren wastechniek. Met de hand gepatineerd. Beperkte wereldeditie van 199 stuks, individueel genummerd en voorzien van de handtekening van de kunstenaar en het gieterijmerk. Afmetingen incl. zandstenen voet 34,5 x 14 x 7,5 cm.

Beeldhouwwerk in fijn brons, met de hand gegoten volgens de verloren wastechniek. Met de hand gepatineerd. Beperkte wereldeditie van 199 stuks, individueel genummerd en met handtekening van de kunstenaar en gieterijmerk. Afmetingen 26 x 18 x 5 cm (B/H/D). ars mundi exclusieve editie.

De kunst van Lehmbruck werd, net als die van veel beeldhouwers uit zijn tijd, beïnvloed door het werk van Auguste Rodin. Zijn motief is de mens, waarbij hij zich vaak losmaakt van de werkelijke lichaamsverhoudingen om een sterkere picturale expressie te bereiken. Net als Rodin concentreerde hij zich later op afzonderlijke delen van het lichaam; het 'Verlaagde hoofd van een vrouw' maakt uiteindelijk deel uit van zijn 'Grote staande vrouw' uit 1910, die hij als buste varieerde door het te beperken tot het hoofd, de nek en de schouderpartij. Beeld 'verlaagd hoofd van een vrouw': Uitgave in gietsteen met terracottakleurige patina. Rechtstreeks gegoten van het origineel en verkleind (reductie). Gelimiteerde oplage van 980 exemplaren, individueel genummerd en met de signatuur overgenomen van het origineel. exclusieve uitgave van ars mundi, uitgegeven in samenwerking met de Kunsthalle Bremen. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaring. Afmetingen 23 x 23 x 13 cm (H/W/D). Gewicht 2,9 kg. Wilhelm Lehmbruck is een van de pioniers van de moderne beeldhouwkunst, maar hij is altijd trouw gebleven aan de menselijke figuur en een fundamentele menselijkheid. Naar mijn mening komt dit bijzonder mooi tot uiting in het 'Verlaagde hoofd van een vrouw' uit 1910. De beeldhouwer is nauw verbonden met de Kunsthalle Bremen, deels vanwege de toenmalige directeur Siegfried Salzmann, die eerder aan het hoofd stond van het Lehmbruck Museum in Duisburg. (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, directeur van de Kunsthalle Bremen)

De kunst van Lehmbruck werd, net als die van veel beeldhouwers uit zijn tijd, beïnvloed door het werk van Auguste Rodin. Zijn motief is de mens, waarbij hij zich vaak losmaakt van de werkelijke lichaamsverhoudingen om een sterkere picturale expressie te bereiken. Net als Rodin concentreerde hij zich later op afzonderlijke delen van het lichaam; het 'Verlaagde hoofd van een vrouw' maakt uiteindelijk deel uit van zijn 'Grote staande vrouw' uit 1910, die hij varieerde als een buste door het te beperken tot het hoofd, de nek en de schouderbasis. Beeld 'Gesenkter Frauenkopf': Editie in fijn brons, met de hand gegoten met de verloren wastechniek, gebeiteld, gepolijst en roodbruin gepatineerd. Rechtstreeks naar het origineel gegoten en verkleind (reductie). Beperkte oplage van 980 exemplaren, individueel genummerd en voorzien van de signatuur en het gieterijmerkteken uit het origineel. exclusieve uitgave van ars mundi, uitgegeven in samenwerking met de Kunsthalle Bremen. Met genummerd certificaat van echtheid en beperking. Afmetingen 23 x 23 x 13 cm (h/w/d). Gewicht 4,5 kg. Wilhelm Lehmbruck is een van de pioniers van de moderne beeldhouwkunst, maar hij is altijd trouw gebleven aan de menselijke figuur en een fundamentele menselijkheid. Naar mijn mening komt dit bijzonder mooi tot uiting in het 'Verlaagde hoofd van een vrouw' uit 1910. De beeldhouwer is nauw verbonden met de Kunsthalle Bremen, deels vanwege de toenmalige directeur Siegfried Salzmann, die eerder aan het hoofd stond van het Lehmbruck Museum in Duisburg. (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, directeur van de Kunsthalle Bremen)

Het thema 'moeder en kind' hield Lehmbruck zijn hele leven bezig. De versie uit 1907 is een centraal werk uit zijn eerste Parijse tentoonstelling; het toont de moeder als een gelukkige vrouw en is nog steeds duidelijk schatplichtig aan de klassieke beeldhouwkunst. Lehmbruck's uitstekende gevoel voor schaal en proportie was al een voorbode van de sculpturale intensivering van latere werken. Het beeld ontstond na Lehmbrucks eerste reis naar Italië en het Pietà-gebaar is waarschijnlijk gemodelleerd naar de oude meesters die hij daar bewonderde. Beeldhouwersmodel gebaseerd op het origineel, afmetingen 25,5 x 26 x 22 cm (B/H/D). Uitgave in fijn brons. Gegoten met behulp van de verloren-wastechniek, met de hand gepatineerd en gepolijst. Gewicht ca. 8,4 kg.