Ernst Barlach en het denkwerk Barlachs 'Sinnender' ontstond in 1934, ook voor hem een jaar van grote omwentelingen en belangrijke beslissingen. Hoewel Barlach aanvankelijk zijn bereidheid toonde om zich ondergeschikt te maken aan het kunstsysteem van de nazi's door de 'Aufruf der Kulturschaffenden' ('Oproep van de Scheppende Kunstenaars') te ondertekenen, werd de kritiek op hem vanuit deze kringen, die al enige tijd luidkeels was geuit, zo groot dat zijn eerste werken aan de openbaarheid werden onttrokken. Zijn 'Wanderer in de wind' - ook uit 1934 - wordt vandaag de dag geïnterpreteerd als het werk waarmee hij eindelijk stelling nam tegen het regime. In dit opzicht symboliseert zijn 'Sinnender' ook een kwellend proces: een jonge man die de inspanning van het denken kan zien omdat hij gevraagd wordt een gedenkwaardige beslissing te nemen. Sculptuur 'De contemplatieve II': Vingertoppen tegen de wang geplaatst en diep in gedachten verzonken: Barlachs 'Contemplatieve' toont denken als zeer geconcentreerde arbeid. Met de hand gegoten volgens de verloren wastechniek en gepatineerd. Rechtstreeks van het origineel gegoten en verkleind (reductie). Gelimiteerde oplage van 980 exemplaren, individueel genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het gieterijmerk. exclusieve uitgave van ars mundi, uitgegeven in samenwerking met het Ernst Barlach Gesellschaft. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaring. Afmetingen 8 x 34,5 x 5,5 cm (B/H/D). Gewicht 2,5 kg. Voor mij belichaamt 'Der Sinnende' in zijn houding de stilte van grote wijsheid. De licht uitpuilende ronde vorm van het lichaam wordt alleen benadrukt door vier lange plooien. De linkerhand, opgeheven naar de kin, verschijnt als een actief opgeheven gebaar van contemplatie en introspectie, terwijl de rechterhand eerder inactief teruggetrokken is in het omhulsel van de mantel. Breekbaar en gevoelig verschijnt 'de contemplatieve' als het contemplatieve bestaan bij uitstek. Hij lijkt een persoon die afhankelijk is van externe, misschien hogere hulp. Hij oordeelt niet, hij velt geen oordeel, hij getuigt simpelweg van zijn bestaan. Spiritualiteit en religieuze uitstraling doordringen zijn hele verschijning. (Dr. Jürgen Doppelstein, Ernst Barlach Vereniging)

Gedenkteken en uiting van vriendschap: De 'zwevende man' Een van de beroemdste werken van Ernst Barlach, de 'zwevende man', werd gemaakt als gedenkteken voor de slachtoffers van de Eerste Wereldoorlog en hing als zodanig in een nis in de kathedraal van Güstrow van 1927-1937. Het is echter ook op twee manieren een gedenkteken voor vriendschap: als complete sculptuur (catalogue raisonné 425) en als gedetailleerd gegoten 'Hoofd van het Güstrow Eremonument' (catalogue raisonné 426). Dat het complete beeld nog steeds bestaat, hebben we te danken aan Barlachs vrienden. Kort na de dood van de kunstenaar in 1938 lieten ze nog een afgietsel maken op basis van het bestaande model en verstopten het nadat 'De Zwevende Man' in 1937 door de nazi-autoriteiten als 'ontaard' was geclassificeerd, uit de kathedraal was verwijderd en uiteindelijk zelfs was omgesmolten. Het hangt nu in de Antoniterkirche in Keulen en kon op zijn beurt worden gebruikt om een nieuw afgietsel te maken voor de oorspronkelijke locatie. Barlachs meesterwerk keerde dus in 1953 terug naar de kathedraal van Güstrow en herdenkt sindsdien de slachtoffers van de wereldoorlogen 1914-1918 en 1939-45, met de jaartallen eronder in steen gegraveerd. Het 'Erehoofd van Güstrow', Barlachs gedetailleerde afgietsel uit 1930, is ook een document van een directe artistieke vriendschap. De gelaatstrekken zijn heel duidelijk - hoewel 'onbedoeld', zoals Barlach later beweerde - die van zijn kunstenaarsvriendin Käthe Kollwitz. Haar werk werd ook verstoten in het nationaalsocialistische Duitsland. In 1936 werden haar werken verwijderd uit de tentoonstelling van de Berlijnse Academie. Vanaf dat moment was ze praktisch niet meer aanwezig als kunstenaar. Achteraf gezien lijkt het 'Eremonument Güstrow' een voorbode van een lotsgemeenschap: het is het portret van een kunstenares die Barlach als vriend bewonderde en die, net als hij, al snel moeilijke tijden tegemoet ging. De bijzonderheden van deze editie: gemaakt van fijn brons, met de hand gegoten volgens de verloren-wastechniek. Rechtstreeks van het origineel gegoten en verkleind. Gelimiteerd tot 980 exemplaren, individueel genummerd, met gieterijmerk. ars mundi exclusieve editie, uitgegeven in samenwerking met het Ernst Barlach Gesellschaft. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaring. Uitvoering op stenen voet. Detailafgietsel van de 'Schwebender' (WVZ 244, 1927), voor het eerst uitgevoerd in 1930 (WVZ 426). Gemonteerd op een stenen sokkel. Afmetingen met sokkel 22,5 x 28 x 19 cm (B/H/D), gewicht 5,75 kg.

Ernst Barlachs sculptuur markeert het begin van een beslissende verandering in stijl in zijn werk, die de kunstenaar voortdurend verfijnde en handhaafde tot aan zijn dood in 1938. Het is ook een belangrijk eigentijds document van het verval van de heersende systemen. Na een korte inzet als soldaat in 1915/16 was Barlach getraumatiseerd en gericht op religieus zoeken. Thema's van oorlog en strijd circuleren en gisten in zijn bewustzijn. Zijn expressieve figuren worden echter steeds meer op zichzelf staand aan de buitenkant. Alles wat ornamenteel en decoratief is, wordt weggehaald. De sculpturale accenten worden beperkt tot de essentie. De soms levendige lijnen van het gewaad, zoals in de 'Stroller' uit 1912, worden gebruikt om een innerlijk gevoel te benadrukken, ook in de weergave van het gezicht en de handen. Het beeld wordt een uitdrukking van bewustzijn, een overtuigende kracht en sterkte. Het ijskoude meisje is een uitstekend voorbeeld van de nieuwe nadrukkelijke stijl. De figuur groeit omhoog vanaf de bijna vierkante sokkel, onbeweeglijk als een zuil, in sculpturale ritmes. Onder de verwarmende mantel van zware stof klemmen de handen het gezicht tegen de wangen. Ze houden het vast als een juweel. Het gezichtsmasker toont mond, neus, ogen en wenkbrauwen, maar lijkt gesloten, naar binnen luisterend. Het lijkt alsof ze achter gesloten ogen de trillingen in de machinerie van de mensheid op aarde kan horen. De schok doet haar verstijven. Haar hart wordt koud als ze denkt aan de miljoenen mensen die door oorlog en revolutie verslonden zijn en nog verslonden zullen worden. Je kunt de temperaturen onder nul bestrijden met verwarming, beweging en dikke kleren als je die hebt. Het is moeilijk om een remedie te vinden voor het koude hart dat bevroren is door oorlog, eenzaamheid en onwetendheid. De houding van het meisje in het werk van Barlach benadrukt pauzeren, contemplatie, bezinning, en hier is de kunstenaar helemaal bij de mensen, bij hun vreugde maar ook bij hun pijn, bij hun angst. In zijn artistieke werk vervult Barlach zijn menselijke missie om kracht en troost te geven door de levendige dichtheid en aanwezigheid van zijn werken. Zijn hele oeuvre is helderheid en bemoediging. In elk werk biedt het het beslissende moment van pauze en zelferkenning. (Dr. Friedhelm Häring, voormalig museumdirecteur en curator) Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Afgietsel van het origineel en verkleind (reductie). Gelimiteerde oplage van 980 exemplaren, genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het keurmerk van de gieterij en ars mundi. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Afmetingen ca. 32,5 x 9 x 8 cm (h/w/d). Gewicht ca. 3,1 kg. ars mundi exclusieve editie.

De mystiek van de liefde: Ernst Barlachs 'Kussgruppe I'. ars mundi exclusieve uitgave, uitgegeven in samenwerking met de Kunsthalle Bremen Het werk van Ernst Barlach (1870-1938) wordt gekenmerkt door een diepe menselijkheid. Zijn voorstellingen van gewone mensen vermijden de idealisering van het uiterlijke en hameren tegelijkertijd op een mensbeeld dat lijnrecht tegenover de historische levensloop van de kunstenaar staat. Zijn biddende, muzikale, zoekende figuren lijken doordrenkt van een spirituele kracht die hen onderdeel maakt van een overkoepelend, mystiek geheel. Dit geldt ook voor de Kus van Barlach, die zeker ook in 1921 werd gemaakt in dialoog met het gelijknamige werk van Auguste Rodin. In tegenstelling tot Rodins werk legt de beeldengroep niet de nadruk op het element Eros, maar verbeeldt de geliefden in een genegenheid die veel verder gaat. De intimiteit waarmee ze naar elkaar toe gekeerd zijn, lijkt te worden gekenmerkt door een lange gedeelde levenservaring en een onbreekbaar vertrouwen. Zelfs in zijn monolithische structuur toont het werk een 'twee-zijn' van het paar dat liefde onthult, niet als een vluchtig erotisch fenomeen, maar als een bijna mystieke fundamentele menselijke ervaring - niet Venus en Adonis, maar Philemon en Baucis waren hier de inspiratie.sculpture 'Kussgruppe I': Origineel: beschilderd gips. Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Rechtstreeks van het origineel gegoten. Gelimiteerde oplage van 980 stuks, individueel genummerd en voorzien van de handtekening 'E. Barlach' en het gieterijmerk. Uitgegeven in samenwerking met de Kunsthalle Bremen. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaring. Afmetingen 19,5 x 19 x 10 cm (h/w/d). Gewicht 3,2 kg. ars mundi exclusieve editie. 'Enkele van de beroemdste werken van de moderne kunst zijn gewijd aan de kus - Gustav Klimt's en Auguste Rodin's voorstellingen zijn de meest prominente voorbeelden. Ernst Barlach heeft dit thema ook verkend. In zijn werk staat de mens en zijn hele scala aan emoties centraal. De kussende groep in Bremen geeft een ongewoon intiem beeld van een paar dat genegenheid toont, wat nog benadrukt wordt door het formaat en het medium. (Prof. Dr. Christoph Grunenberg, directeur van de Kunsthalle Bremen)

Barlach, een van de belangrijkste vertegenwoordigers van het Duitse expressionisme, is beroemd om zijn houten en bronzen sculpturen. Het thema van de lezende monniken hield hem al bezig in 1921. In het bronzen werk uit 1932, waarvan ook een houten versie bestond, benadrukt hij de expressieve kracht van de lineaire plooien van de gewaden door reductie en last hij het blok van zittende figuren aan elkaar. Hij werd geïnspireerd door de kunst van het 14e-eeuwse Florence en door de beelden en schilderijen van de meester Bertram (1345-1415), die in het altaar uit 1379 in de Hamburger Kunsthalle een oeroude, levendige vertelkunst tentoonspreidt. Barlachs avant-gardistische visie probeerde deze fundamentele kracht te heroveren. De houten versie werd in 1937 in München belachelijk gemaakt door de nationaalsocialisten in de tentoonstelling 'Ontaarde Kunst'. Barlachs werk overleefde, werd wereldwijd erkend en vertegenwoordigd in de belangrijkste collecties. Sculptuur 'Reading Monks III': Gedreven door menselijkheid en sociale betrokkenheid leidt Barlachs scheppingskracht tot concentratie en verinnerlijking. De voegachtige behandeling van zijn oppervlakken, in combinatie met de gevouwen rondingen, is als in- en uitademen, een vitale samenhang. De cirkel die zich in het beeld opent vanuit het hoofd van de linkermonnik over de schouder en arm naar het opengeslagen boek, wordt voortgezet naar de arm van de rechtermonnik en sluit zich in de schouder- en hoofdkanteling. De communicatie tussen de individuen en het boek leeft in deze cirkel. Ze hebben gelezen en begrepen. In de vermanende stilte buiten het vluchtige proces van het leven zijn ze tot rust gekomen. We herkennen de fijne nuances van ontworpen evenwicht in de gevouwen handen van de monnik rechts, die als een symbool voor twee vouwen van de schaal zweven. Barlachs werk wordt de mond van de waarheid. Ik beveel dit werk aan als een belangrijk hedendaags document waarvoor we eerbiedig kunnen worden. Het grote potentieel ervan vandaag de dag is het tonen van een weg weg van de modieuze en triviale sensaties van het dagelijks leven naar de essentie van het mens-zijn: Vragen stellen, herkennen, conclusies trekken voor zelfontdekking. De lezende monniken III geven een voorbeeld. Zij illustreren de aantrekkingskracht en troost die van boeken uitgaat. Vreugde en diepgang in het begrijpen van de wereld kunnen voortkomen uit een gedicht zoals ze dat doen in dit beeld. In zijn vormen geeft Barlach ons een deel van de eindeloze context van de schepping, de voorwaarden om de zin van het leven te benaderen. Dat is het religieuze aspect van zijn kunst, liefde. (Dr. Friedhelm Häring, voormalig museumdirecteur en curator)Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek en met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Rechtstreeks naar het origineel gegoten en verkleind (reductie). Gelimiteerde oplage van 980 stuks, individueel genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het gieterijmerk. exclusieve editie van ars mundi. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Afmetingen 22 x 16,5 x 14 cm (h/w/d), gewicht 4,2 kg.

Toen Ernst Barlach in 1931 zijn figuur 'Onderwijzende Christus' creëerde, richtte hij zich op een van de belangrijkste thema's van de westerse kunstgeschiedenis door de Verlosser af te beelden. Barlach beeldt de Zoon van God uit als een mens onder de mensen. De 'Onderwijzende Christus' draagt een eenvoudig gewaad; hij troont niet, maar zit in een ontspannen, open houding en straalt empathie en genegenheid uit. Het ontwerp en de structuur van het beeld zijn erop gericht dat de toeschouwer Christus en zijn liefde voor de mensheid letterlijk op ooghoogte ontmoet. De 'Onderwijzende Christus' werd pas voor het eerst in brons gegoten in 1938, zeven jaar nadat het was gemaakt. En pas na de Tweede Wereldoorlog vonden in totaal 14 grote, van het origineel afgegoten figuren hun weg naar kerken - in Güstrow, in Rostock, in Hamburg in de Christuskirche, maar ook in het Stedelijk in Eindhoven en in het Israël Museum in Jeruzalem. (Dr Friedhelm Häring, voormalig museumdirecteur en curator) Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Afgietsel van het origineel en verkleind (reductie). Gelimiteerde oplage van 980 exemplaren, genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het keurmerk van de gieterij en ars mundi. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Afmetingen 28 x 13 x 10,5 cm (h/w/d). Gewicht ca. 2,9 kg. ars mundi exclusieve editie.

Brons naar een afgietsel uit 1932, dat voor het eerst publiekelijk werd getoond op de tentoonstelling 'Levende Duitse kunst' in Berlijn in 1933. De reis naar Rusland in 1906 had bij Barlach nieuwe, vormbewuste energieën losgemaakt, die zijn verdere artistieke werk sterk kenmerkten. Met de Russische bedelaarsculpturen legde hij dus de basis voor zijn verdere sculpturale werk. De 'Russische bedelaar II' is een zeer expressieve, meditatieve figuur. De vorm wordt omkaderd door de breed gebogen omtrek van de rug, die zich alleen opent door de uitgestrekte hand. Op deze manier wordt het hoofd, gebogen in nederigheid of schaamte, verbonden met de smekende uitgestrekte hand en wordt het een uitdrukking van een proces dat zowel spiritueel als fysiek is. Deze hand formuleert geen eis, maar een behoefte en verzoek om materiële en geestelijke voeding. Barlach beschrijft de betekenis van zijn bedelaarsfiguren als 'symbolen van de menselijke situatie in haar naaktheid tussen hemel en aarde'. Beeldhouwwerk in fijn brons, met de hand gegoten volgens de verloren wastechniek en gepatineerd. Rechtstreeks gegoten van het origineel en verkleind (reductie). Gelimiteerde oplage van 980 exemplaren, individueel genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het gieterijmerk. exclusieve editie van ars mundi. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Formaat 14,5 x 26 x 11,5 cm (h/w/d). Gewicht 3,4 kg.

De gemeenschap van heiligen van Ernst Barlach: Symbolen van het menselijk bestaanErnst Barlach genoot tot ver in zijn dertigste veel erkenning als schrijver en beeldhouwer van figuratieve sculpturen. In 1925 werd hij erelid van de Academie voor Schone Kunsten in München. In die tijd maakte hij ook verschillende monumentale gedenktekens die ooit wereldfaam zouden verwerven, waaronder het 'Güstrow-Gedenkmonument', de beroemde 'zwevende engel' in de kathedraal van Güstrow. In 1934 keerde het tij echter. Barlach, nu in zijn zesde decennium, moest ervaren hoe zijn werken werden belasterd als 'ontaard' en uit musea verdwenen. De eremonumenten die hij ontwierp werden vernietigd, 'De drijvende man' uit de kathedraal van Güstrow werd zelfs omgesmolten - en als vrienden geen tweede afgietsel hadden verborgen tot het einde van de oorlog, zou het werk vandaag de dag verloren zijn gegaan. De situatie is vergelijkbaar met de sculpturen 'Vrouw in de wind' en 'De zanger'. Ze werden in beslag genomen samen met ongeveer 380 andere werken van Barlach. Hun redder was ook hun beschermheer: Carl Georg Heise, museumdirecteur in Lübeck. In 1929 had hij Barlach aangemoedigd om een ensemble van beelden te ontwerpen met de titel 'Communion of Saints' voor de westgevel van de St. Het moesten er 16 worden, maar tussen 1930 en 1932 werden er slechts drie gerealiseerd: 'De Bedelaar', 'De Zanger' en 'De Vrouw in de Wind'. Drie andere figuren: 'De Gebondene', 'De Pelgrim' en 'De Hoornblazer' zijn bewaard gebleven in voorlopige modellen. Carl Georg Heise werd in 1933 ontslagen, maar verkreeg de drie bestaande figuren als privébezit. In 1939, het jaar na de dood van Barlach, werden ze aan hem overgedragen en zo overleefden ze de oorlogsperiode 'in dozen [...] onder de veranda in het huis van mijn schoonmoeder', zoals hij later meldde. Pas in 1947 vonden ze uiteindelijk hun weg naar de daarvoor bestemde nissen van de Sint-Catharinakerk. De ruimtelijke werking van de gotische kerk en de nauwe nissen bepaalden Barlachs opvatting over de vorm. De nabijheid van middeleeuwse beeldhouwkunst is onmiskenbaar; Barlach creëerde echter geen heiligenbeelden in de christelijke iconografie, maar eerder symbolen van het menselijk bestaan en "lijdende en getransfigureerde menselijke figuren die naar de wereld kijken, elk op zijn eigen manier worstelend met zijn God" (Carl Georg Heise). Sculptuur 'Vrouw in de wind': Het geplooide gewaad dat het lichaam omhult, kenmerkt de lichamelijkheid van de staande jonge vrouw en concentreert de blik op het hoofd, dat als enige uitdrukkingsmiddel dient. Brons naar een verkleind model uit 1931, met de hand gegoten met de verloren wastechniek en gepatineerd. Gelimiteerde oplage van 980 stuks, individueel genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het gieterijmerk. Ars mundi exclusieve editie, uitgegeven in samenwerking met het Ernst Barlach Gesellschaft. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaring. Formaat 7,3 x 32 x 5,5 cm (B/H/D), gewicht 1,95 kg.

Barlach maakte dit indrukwekkende werk 'Wanderer in the Wind' in 1934, een van zijn belangrijkste, populairste en best beschreven werken. Doorheen de decennia van Barlachs oeuvre wordt het lot van de mens aan de toeschouwer geopenbaard in karakteristieke, fundamentele gevoeligheden. Alle werken zijn vervuld van diepe bedachtzaamheid, liefdevolle menselijkheid, reflectie en contemplatie, en de 'Wanderer in the Wind' zet zich letterlijk schrap tegen de storm van vernietiging van Barlachs werken vanaf 1934. Het beeld is gebaseerd op een tekening uit 1927, die de kunstenaar één op één heeft overgebracht. Met zijn linkerhand houdt hij de pet op zijn hoofd en met zijn rechterhand sluit hij de mantel voor het midden van zijn lichaam. Het linker zijaanzicht illustreert de dynamische voorwaartse beweging door een plooi in de mantel, die het steunbeen benadrukt waaruit de kracht voor de volgende stap komt. De rechterkant, met een sokkel en plooien in het kleed, is rustiger, meer reflectief, alsof de gedachten die het vertrek noodzakelijk maken hier vol verlangen zijn ontstaan, en het gezicht en de uitdrukking van de wandelaar zijn van bijzondere betekenis. Het toont de wil om te vechten en vastberadenheid. Het beeld wordt een monument voor moed, verzet en zelfvertrouwen. Het werk 'Wanderer in the Wind' is een wanhopig aandringen op vrijheid en verzet. Dit maakt het werk zo ongewoon waardevol en, helaas, tijdloos actueel. (Dr. Friedhelm Häring, voormalig museumdirecteur en curator) Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek en met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Afgegoten van het origineel en verkleind (reductie). Open achterkant. Gelimiteerde oplage van 980 stuks, individueel genummerd en voorzien van de signatuur 'E. Barlach' en het gieterijmerk. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Afmetingen 33 x 16 x 5 cm (h/w/d). Gewicht 2,6 kg. ars mundi exclusieve editie.

Gedenkteken en uiting van vriendschap: De 'zwevende man' Een van de beroemdste werken van Ernst Barlach, de 'zwevende man', werd gemaakt als gedenkteken voor de slachtoffers van de Eerste Wereldoorlog en hing als zodanig in een nis in de kathedraal van Güstrow van 1927-1937. Het is echter ook op twee manieren een gedenkteken voor vriendschap: als complete sculptuur (catalogue raisonné 425) en als gedetailleerd gegoten 'Hoofd van het Güstrow Eremonument' (catalogue raisonné 426). Dat het complete beeld nog steeds bestaat, hebben we te danken aan Barlachs vrienden. Kort na de dood van de kunstenaar in 1938 lieten ze nog een afgietsel maken op basis van het bestaande model en verstopten het nadat 'De zwevende man' in 1937 door de nazi-autoriteiten als 'ontaard' was geclassificeerd, uit de kathedraal was verwijderd en uiteindelijk zelfs was omgesmolten. Vandaag de dag hangt het in de Antoniterkirche in Keulen en zou het op zijn beurt weer gebruikt kunnen worden om een nieuwe afgietsel te maken voor de oorspronkelijke locatie. Barlachs meesterwerk keerde dus in 1953 terug naar de kathedraal van Güstrow en herdenkt sindsdien de slachtoffers van de wereldoorlogen van 1914-1918 en 1939-45, met de data eronder in steen gegraveerd. Het 'Erehoofd van Güstrow', Barlachs gedetailleerde afgietsel uit 1930, is ook een document van een directe artistieke vriendschap. De gelaatstrekken zijn heel duidelijk - hoewel 'onbedoeld', zoals Barlach later beweerde - die van zijn kunstenaarsvriendin Käthe Kollwitz. Haar werk werd ook verstoten in het nationaalsocialistische Duitsland. In 1936 werden haar werken verwijderd uit de tentoonstelling van de Berlijnse Academie. Vanaf dat moment was ze praktisch niet meer aanwezig als kunstenaar. Achteraf gezien lijkt het 'Eremonument Güstrow' een voorbode van een lotsgemeenschap: het is het portret van een kunstenares die Barlach als vriend bewonderde en die, net als hij, al snel moeilijke tijden tegemoet ging. De bijzonderheden van deze editie: gemaakt van fijn brons, met de hand gegoten volgens de verloren-wastechniek. Rechtstreeks van het origineel gegoten en verkleind. Gelimiteerd tot 980 exemplaren, individueel genummerd, met gieterijmerk. ars mundi exclusieve editie, uitgegeven in samenwerking met het Ernst Barlach Gesellschaft. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaring. Uitvoering als wandobject. Detail afgietsel van de 'Schwebender' (WVZ 424, 1927), voor het eerst uitgevoerd in 1930 (WVZ 426). Afmetingen 22,5 x 24 x 15 cm (B/H/D), gewicht 4,5 kg. Met muurbevestiging.

De 'Tree of Life' van Fuchs en Askew Het was een verzoek aan Ernst Fuchs dat de aanzet gaf tot de creatie van de 'Tree of Life': Oorspronkelijk moest de sculptuur dienen als een onderscheiding voor mensen over de hele wereld die zich bijzonder verdienstelijk hebben gemaakt voor het behoud van bosgebieden. Toen de eerste schetsen eindelijk klaar waren, annuleerde de opdrachtgever zijn opdracht. Fuchs besloot het kunstwerk toch te voltooien en vroeg Askew hem te helpen het te realiseren. Uiteindelijk vloeiden er zoveel gezamenlijke ideeën in het beeld dat het nu als een gezamenlijk werk wordt beschouwd. De 'Levensboom' combineert ecologische ideeën met de mythologisch-fantastische motieven die zo typerend zijn voor beide kunstenaars. Het oersymbool van vruchtbaarheid en overvloed aan leven komt al voor in de oude oosterse kunst en dringt door in de kunstgeschiedenis van de hele oudheid. Het is zelfs een veelvoorkomend motief in de Indiase kunst. Als symbool dat het leven viert (en in de christelijke interpretatie sinds de middeleeuwen ook: de wederopstanding), heeft het kunstenaars van alle tijden gefascineerd - zelfs moderne, denk maar aan Klimts beroemde realisatie in het Stoclet-fries. Fuchs en Askew blijven figuratief en concreet in hun Tree of Life: een vrouwelijke torso groeit uit de stam als symbool van het moederlijke, levengevende, omgeven door rijk gebladerte.ars mundi exclusieve editie in drie versies: Versie gemaakt van fijn brons, gegoten met behulp van de verloren was techniek, met een antieke groene patina en gedeeltelijk gepolijst. Beperkte wereldeditie van 299 exemplaren, genummerd en gesigneerd. Afmetingen 30 x 42 x 11 cm (B/H/D). Gewicht 7,4 kg.

De 'Tree of Life' van Fuchs en Askew Het was een verzoek aan Ernst Fuchs dat de aanzet gaf tot de creatie van de 'Tree of Life': Oorspronkelijk moest de sculptuur dienen als onderscheiding voor mensen over de hele wereld die zich bijzonder verdienstelijk hebben gemaakt voor het behoud van bosgebieden. Toen de eerste schetsen eindelijk klaar waren, annuleerde de opdrachtgever zijn opdracht. Fuchs besloot het kunstwerk toch te voltooien en vroeg Askew hem te helpen het te realiseren. Uiteindelijk vloeiden er zoveel gezamenlijke ideeën in het beeld dat het nu als een gezamenlijk werk wordt beschouwd. De 'Levensboom' combineert ecologische ideeën met de mythologisch-fantastische motieven die zo typerend zijn voor beide kunstenaars. Het oersymbool van vruchtbaarheid en overvloed aan leven komt al voor in de oude oosterse kunst en dringt door in de kunstgeschiedenis van de hele oudheid. Het is zelfs een veelvoorkomend motief in de Indiase kunst. Als symbool dat het leven viert (en in de christelijke interpretatie sinds de middeleeuwen ook: de wederopstanding), heeft het kunstenaars van alle tijden gefascineerd - zelfs moderne, denk maar aan Klimts beroemde realisatie in het Stoclet-fries. Fuchs en Askew blijven figuurlijk concreet in hun Levensboom: uit de stam groeit een vrouwelijke torso als symbool van het moederlijke, levengevende, omringd door rijk gebladerte.ars mundi exclusieve editie in drie versies: Versie als marmeren afgietsel met gouden beschildering, met de hand gegoten. Beperkte oplage van 999 exemplaren, genummerd en gesigneerd. Afmetingen 30 x 42 x 11 cm (B/H/D). Gewicht 2,2 kg.

Ernst Fuchs (1930-2015) werd geboren in Wenen en was een van de medeoprichters van de Weense School voor Fantastisch Realisme. Zijn werk had een beslissende invloed op het begrip van de kunst van de 20e eeuw. Of hij de Sfinx of de Sfinx wordt genoemd, hangt af van de cultuur. In Egypte was hij mannelijk, met een mensenhoofd en een leeuwenlichaam was hij een symbool van macht en liep hij als bewaker langs de weg naar de tempels. Het beroemdste sfinxbeeld van allemaal is ook een van de oudste: het hoofd stelt de farao Chefren voor (2540-2515 v.Chr.). Pas door de Grieken werd de sfinx een vrouwenfiguur. Het werd aan de symbolische kunst overgelaten om de figuur van de sfinx als het ware weer tot leven te wekken. Het veranderde haar in een figuur van de mysterieuze Eros. Ernst Fuchs staat ook in deze traditie met zijn 'Sfinx met gouden helm'. Tegelijkertijd geeft hij zijn motief, hier en in veel van zijn andere werken, niet alleen uit mythologische maar ook uit mythische bronnen, duidelijk fantastische trekken. Fuchs' sfinx symboliseert zo het raadsel van de wereld en het leven bij uitstek. Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Met vergulde helm. Gemonteerd op een sokkel van zwart graniet. Gelimiteerd tot 1.999 genummerde en gesigneerde exemplaren. Afmetingen 12 x 11 x 7 cm (h/w/d). Gewicht 1 kg.

Ernst Fuchs voegt twee mythische wezens in de vorm van paarden samen: de eenhoorn en het gevleugelde paard Pegasus. Vooral in de heraldiek wordt de eenhoorn meestal rechtop 'springend' afgebeeld. Fox tilt hem nu als Pegasus volledig de lucht in. De hemelse Pegasus wordt ook beschouwd als een bron van inspiratie, omdat hij Hippucrene, de bron van de muzen, de zogenaamde paardenbron, doet ontstaan door met zijn hoef op de berg te slaan. In feite zijn zowel Pegasus als de eenhoorn al aan de hemel gekomen als sterrenbeelden, waarbij Pegasus grenst aan het sterrenbeeld van de zwaan: Als je naar de hoorn op het voorhoofd van het beeld van Ernst Fuchs kijkt, zie je dat deze niet recht is, maar gebogen als de nek van een zwaan. De constante metgezel van mijn kunst, de eenhoorn, is ook de auteur van alle transformaties. De eenhoorn is het heraldische symbool van mijn inspanningen om het totale kunstwerk te creëren. Nu is hij Pegasus geworden. Maar de twee mythen hebben zich verenigd in mijn werk, zelfs de hoorn is herkenbaar geworden in zijn gelijkenis met de zwaan van Lohengrin als teken van zijn aankomst uit de Graal. Mijn eenhoorn Pegasus is het symbool van een nieuwe dimensie van mijn kunst en de synthese ervan in het Gesamtkunstwerk. Oprecht opgedragen aan de vrienden van mijn kunst en vooral aan jou. (Ernst Fuchs) Uitgave in brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gebeiteld en gepatineerd. Beperkt tot 300 genummerde en gesigneerde exemplaren. Afmetingen 39 x 19 x 29 cm (H/W/D). Gewicht 9,38 kg.

In dit meesterwerk pakt Ernst Fuchs een oud mythologisch thema op: Het conflict tussen de vliegende griffioen en de aan de aarde gebonden slang. De combinatie van leeuwenlichaam, adelaarskop en vleugels symboliseert de beheersing van lucht en aarde. Dankzij zijn scherpe gezichtsvermogen zou hij helderziende gaven hebben en werd hij beschouwd als het heilige dier van Apollo en de hoeder van het goud. Sinds de middeleeuwen is de griffioen een van de belangrijkste heraldische figuren: hij is te vinden in de wapenschilden van vele landen en steden, zoals Baden-Württemberg, Mecklenburg-Vorpommern, Düsseldorf, Greifswald of Rostock - en natuurlijk in de wapenschilden van oude aristocratische families. Door zijn beeldengroep als kandelaar te ontwerpen, grijpt Ernst Fuchs ook terug op de tafelcultuur van de 18e en 19e eeuw.ars mundi exclusieve editie in fijn brons. Met de hand gegoten volgens de verloren wastechniek. Met de hand gepatineerd en gepolijst. Beperkte oplage van 499 stuks, genummerd en gesigneerd. Afmetingen 35 x 31 x 13,5 cm (B/H/D). Gewicht 9 kg. Kan ook als lichtobject worden gebruikt.

Beeldhouwwerk in brons, gegoten met de verloren wastechniek, gepatineerd en gepolijst. Rechtstreeks van het origineel gegoten. Gelimiteerde oplage van 199 stuks, genummerd en met de handtekening van Prof. Schinzel uit het origineel en het gieterijmerk. Inclusief handgenummerd certificaat. Afmetingen 18,5 x 12 x 24 cm (H/W/D), gewicht 2,65 kg. ars mundi exclusieve editie.

Een klassiek naakt in een klassieke pose, dat, volgens een artistieke zelfverklaring van Schinzel, zoals zijn hele levenswerk 'vreugdevol en met verrukkelijk enthousiasme het leven en de schepping in haar schoonheid omarmt in het wonder van de mens'. Beeldhouwwerk in brons, gegoten met de verloren wastechniek, gepatineerd en gepolijst. Rechtstreeks gegoten naar het origineel. Beperkte oplage van 199 exemplaren, genummerd en met de handtekening en het gieterijmerkteken uit het origineel. Met genummerd certificaat van echtheid en verjaringscertificaat. Afmetingen 31 x 15 x 17,5 cm (h/w/d). Gewicht 4,75 kg.

Sculptuur in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gepatineerd en gepolijst. Beperkte oplage van 199 stuks, genummerd en gesigneerd door Prof. Schinzel. Inclusief handgenummerd certificaat. Afmetingen 8 x 24 x 10 cm (h/w/d). Gewicht 1,7 kg. ars mundi exclusieve editie.

In der Dämmerung' toont - een kenmerk van Schinzels werk in het algemeen - de mate waarin de kunstenaar zijn meesterlijke vakmanschap in dienst stelt van een klassiek schoonheidsideaal. Beeldhouwwerk in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gebeiteld, gepolijst en gepatineerd. Gelimiteerde oplage van 199 stuks, genummerd en gesigneerd door Prof. Schinzel. Inclusief handgenummerd certificaat. Afmetingen 29 x 32 x 20 cm (h/w/d). Gewicht 7,4 kg. ars mundi exclusieve editie.

De torenvalk - Vogel van het Jaar 2007 - kan worden gezien als een soort link tussen de dierlijke natuur en de menselijke beschaving. Het is de meest voorkomende valk in Midden-Europa en waarschijnlijk ook de bekendste, omdat hij graag nestelt in menselijke nederzettingen, vandaar de naam torenvalk, kathedraalvalk of kerkvalk. Schinzel toont de krachtige roofvogel die aandachtig om zich heen kijkt - en misschien ook de nieuwsgierige menselijke activiteit om zich heen observeert. Beeldhouwwerk in brons, gegoten met de verloren wastechniek, gepatineerd en gepolijst. Rechtstreeks gegoten naar het origineel. Gelimiteerde oplage van 199 stuks, genummerd en met de handtekening van Prof. Schinzel uit het origineel en het gieterijmerk. Inclusief handgenummerd certificaat. Afmetingen 38 x 20 x 15 cm (h/w/d). Gewicht 6,7 kg. ars mundi exclusieve editie.

Zijn sculpturen hebben één hoofdthema: de mens, en wel in zijn onverhulde schoonheid. In hen komt schoonheid zonder onderbreking tot haar recht en in zekere zin is het ook het oog van de toeschouwer dat hier wordt gevierd. Sculptuur 'Badschets': 'In alle zorgeloosheid', aldus de kunstenaar, 'zet het meisje zich na het bad neer en richt zich zonder zelfbewustzijn op haar lichaam, waarin ze de pulserende frisheid voelt die het bad haar heeft gegeven - ze geniet kalmerend van het afdrogen en is gewoon gelukkig'. Sculptuur in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gepatineerd en gepolijst. Gelimiteerde oplage van 199 stuks, genummerd en gesigneerd door Prof. Schinzel. Inclusief handgenummerd certificaat. Afmetingen 18 x 27 x 18 cm. Gewicht 3,5 kg. ars mundi exclusieve editie.

Voor de 100ste verjaardag van Erwin A. Schinzel: Sculptuur 'Wellenrauschen' verkrijgbaar in twee versies. Op 24 oktober 2019 zou Erwin A. Schinzel 100 jaar zijn geworden. Gedurende zijn hele leven was Schinzel een 'klassieker' onder de beeldhouwers. Een kunstenaar die werken creëerde die volledig in de traditie van zijn kunst staan, openlijk en ongegeneerd de groten in zijn vakgebied erft en er toch in slaagt om eigentijds te lijken. Zijn werken geven blijk van een meesterschap in vakmanschap waarin nauwkeurigheid en perfectie van weergave de hoogste standaarden van beeldhouwkunst zijn, en zijn sculpturen hebben bovenal één thema: de mens, en wel in zijn onverhulde schoonheid. In hen komt schoonheid zonder onderbreking tot haar recht en in zekere zin is het ook het oog van de toeschouwer dat hier wordt gevierd.sculptuur 'Wellenrauschen': Ze is net uit de golven gekomen en laat, haar haar opgestoken met een kunstig vastgebonden haarband, de kracht van de zon haar huid drogen. Met gesloten ogen luistert ze naar de zee. Schinzels werk appelleert dus op twee manieren aan de zintuigen van de kijker: Het zichtbare en hoorbare zijn in gelijke mate aanwezig. Sculptuur in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gepatineerd en gepolijst. Gelimiteerde oplage van 179 stuks, waarvan 20 in brons met vergulde haarband (hier aangeboden), genummerd en gesigneerd door Prof. Schinzel. Inclusief handgenummerd certificaat. Afmetingen 27,5 x 25 x 20,5 cm (h/w/d). Gewicht ca. 5,85 kg. ars mundi exclusieve editie.

Voor de 100ste verjaardag van Erwin A. Schinzel: Sculptuur 'Wellenrauschen' verkrijgbaar in twee versies. Op 24 oktober 2019 zou Erwin A. Schinzel 100 jaar zijn geworden. Gedurende zijn hele leven was Schinzel een 'klassieker' onder de beeldhouwers. Een kunstenaar die werken creëerde die volledig in de traditie van zijn kunst staan, openlijk en ongegeneerd de groten in zijn vakgebied erft en er toch in slaagt om eigentijds te lijken. Zijn werken geven blijk van een meesterschap in vakmanschap waarin nauwkeurigheid en perfectie van weergave de hoogste standaarden van beeldhouwkunst zijn, en zijn sculpturen hebben bovenal één thema: de mens, en wel in zijn onverhulde schoonheid. In hen komt schoonheid zonder onderbreking tot haar recht en in zekere zin is het ook het oog van de toeschouwer dat hier wordt gevierd.sculptuur 'Wellenrauschen': Ze is net uit de golven gekomen en laat, haar haar opgestoken met een kunstig vastgebonden haarband, de kracht van de zon haar huid drogen. Met gesloten ogen luistert ze naar de zee. Schinzels werk appelleert dus op twee manieren aan de zintuigen van de kijker: Het zichtbare en hoorbare zijn in gelijke mate aanwezig. Sculptuur in fijn brons, gegoten met de verloren wastechniek, met de hand gepatineerd en gepolijst. Gelimiteerde totale oplage van 179 stuks, waarvan 159 in brons (hier aangeboden) en 20 in brons met vergulde haarband, genummerd en gesigneerd door Prof. Schinzel. Inclusief handgenummerd certificaat. Afmetingen 27,5 x 25 x 20,5 cm (h/w/d). Gewicht ca. 5,85 kg. ars mundi exclusieve editie.

Een liefdesstuk in de kunstgeschiedenis: Falconets Amor.L'Amour menaçant, de 'dreigende Cupido' uit 1757, betekende niet alleen Falconets artistieke doorbraak, maar ook zijn professionele. De vinger van Cupido die naar de gesloten lippen wijst, belooft geheimhouding. En toch, terwijl hij ondeugend naar zichzelf lacht, lijkt hij zich bewust te zijn van zijn macht over elk menselijk lot. Origineel: Musée du Louvre, Parijs. Marmer. Ars mundi museum replica, gegoten steen, met de hand gegoten. Afmetingen 50 x 92 x 65 cm (B/H/D). Gewicht ca. 110 kg.